El título de la exposición que conmemora el centenario de Agustina Bessa-Luís (1922-2019) evoca el nombre de una película del director con el que la escritora mantuvo una colaboración regular y fecunda: “Um Filme Falado” [Una película hablada] (2003) de Manoel de Oliveira. El punto de partida de la exposición fueron los libros Aforismos (1988), “Contemplação” “Carinhosa da Angústia” (2000), “Dicionário Imperfeito” (libro publicado en 2008 que reúne fragmentos de textos ordenados alfabéticamente) y “Ensaios e Artigos” (1951–2007) (2017), que abarcan un amplio abanico de asuntos, temas y personalidades. De la lectura de estos volúmenes, que tanto en su forma como en su contenido pueden entenderse como auténticas revelaciones del mundo de Agustina, se han identificado algunas de las ideas clave de la escritora. Estos temas son las entradas de este “diccionario-exposición”, cada uno creando un diálogo con obras de la Colección de Serralves, de artistas portugueses y extranjeros, contemporáneos o no de Agustina. El objetivo es crear reverberaciones, sinapsis inesperadas, entre palabras y piezas seleccionadas, ampliando sus respectivos significados y posibles interpretaciones. Tanto para leer como para ver, la exposición se presenta como un libro en tres dimensiones.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

METAMORFOSES se centra en la profusión y el proceso de integración del imaginario y los temas vegetales, minerales y animales en el espacio doméstico romántico, trayendo a las salas de la Casa de la Quinta da Macieirinha un gran número de piezas, algunas expuestas anteriormente en el antiguo Museo Romántico y en otros espacios del Museu da Cidade, otros nunca antes expuestas, mostrando la indudable calidad y diversidad de las colecciones municipales. Esta exposición también marca el inicio de la evocación del centenario de la muerte de la artista de Porto, Aurélia de Souza, momento central de la programación 2022/23. El célebre autorretrato del artista como “Santo António” (San Antonio), realizado alrededor de 1902, formará parte del nuevo conjunto que reúne pinturas, muebles, tapices y textiles, cerámicas, vajillas y vajillas de plata, además de otras sorprendentes piezas de la colección como conjuntos de abanicos, papeles recortados y malacología.

Esta primera exposición individual de la artista en Portugal, se centra en torno a su película más reciente, “Eu sou uma arara” [Soy un guacamayo] (2022), que se estrenará por primera vez en Serralves. Realizado en colaboración con la cineasta Mariana Lacerda, el mediometraje propone una reflexión crítica sobre el impacto de la deforestación en la Amazonía para los pueblos indígenas en un momento de tensión política y social. Esta obra es también el resultado de un largo período de investigación y de una serie de acciones en São Paulo que decenas de figuras inspiradas en la fauna y la flora brasileñas desfilaron por las calles de la ciudad, como un denso y poderoso bosque. Heredera del legado histórico de las vanguardias de la posguerra, del neoconcretismo a la tropicália, Rivane Neuenschwander (n. 1967) es uno de los nombres más destacados del arte contemporáneo brasileño. En su trabajo, la artista combina diferentes medios y formatos para construir un repertorio visual único que explora narrativas sobre una amplia gama de temas, que incluyen lenguaje y tiempo, literatura y cultura popular, psicoanálisis y arte, naturaleza y sociedad, política y filosofía, miedo y deseo. Una de sus obras más emblemáticas, “Eu desejo o seu desejo” [Deseo tu deseo] (2003), compuesta por una colección de deseos que recuerda a las pulseras del Senhor do Bonfim, se instalará en la Capilla de la Casa de Serralves.

Cindy Sherman: Metamorfosis presenta una serie de obras que recorren la carrera de la artista desde sus inicios hasta sus obras más recientes. La exposición se organizó en diálogo con la artista y en asociación con The Broad Art Foundation, Los Ángeles, una institución que lleva más de treinta años coleccionando la obra de Cindy Sherman. Principalmente conocida por imágenes en las que se retrata a sí misma como modelo de su propia obra, encarnando el papel de los estereotipos femeninos convencionalizados por los medios de comunicación en una amplia gama de personajes y entornos, Cindy Sherman fotografía sola en su estudio, actuando como directora artística, fotógrafa, maquilladora, peluquera e intérprete. La práctica del retrato que comenzó hace décadas es responsable de algunas de las imágenes más impactantes e influyentes del arte contemporáneo. Para esta ambiciosa presentación en Serralves, las salas del museo sufrirán una transformación radical, creando un escenario teatral para acoger el storyboard que componen las fotografías de la artista. La exposición incluirá también una obra inédita, especialmente creada para el Museo de Serralves: un extenso mural fotográfico, que dotará a la exposición de una singularidad adicional. Generalmente, la artista no pone títulos a sus obras, tratando de evitar interpretaciones preconcebidas o lecturas anticipadas que puedan influir en el observador, prefiriendo dejar al arbitrio de cada quien la construcción de las historias. Las imágenes, sin embargo, están organizadas por series y numeradas y exploran varios temas y técnicas, reforzando así la diferenciación y clasificación: Untitled Film Still [Sin título Film Still] (1983-1984), Fashion [Moda] (1983-84), Bus Rider [Pasajero de autobús] (1976-2000), The Fairy Tales [Los cuentos de hadas] (1985), The Disasters [Las catástrofes] (1986-89), The Historical Portraits [Los retratos históricos] (1988-90), Sex Pictures [Imágenes de sexo] (1992), Horror and Surrealistic Pictures [Imágenes de de terror y surrealistas] (1994), Masks [Máscaras] (1995), Broken Dolls [Muñecas rotas] (1999), The Hollywood /Hampton Ladies Portraits [Retratos de damas de Hollywood y de los Hamptons] (2000), The Clowns [Los payasos] (2003-05), Society [Sociedad] (2008). En la exposición de Serralves, estas series no estarán en un orden cronológico, sino que construirán una narrativa. En las obras de Sherman, las composiciones y narraciones individuales remiten a un repertorio completo y complejo de identidades femeninas: pero mientras las primeras obras están llenas de emociones visibles, en las fotografías posteriores las emociones se van excluyendo gradualmente. Las obras no son autorretratos, sino representaciones perfeccionadas por la distancia de la cámara o del objetivo que las capta o, como comentó Rosalind Krauss, son “una copia sin original”. A fines de la década de 1980, Sherman sintió la necesidad de suprimir su presencia y creó imágenes irreales y grotescas, escenas de accidentes, compuestas por personajes sobrenaturales y terroríficos que personificaban miedos irracionales y pesadillas y formaban escenarios macabros y repulsivos. Poco a poco, el cuerpo de la artista fue sustituido por pechos postizos, excrecencias humanas, fluidos corporales, residuos sexuales, prótesis médicas, que luego dieron origen a Sex Pictures (1992), una de sus series más atrevidas, en la que Sherman utiliza maniquíes para componer cuadros pseudopornográficos deliberadamente desprovistos de cualquier erotismo que desafíe los estándares de la industria pornográfica. El regreso de la artista al centro de la imagen se produce en el año 2000 con la serie Head Shots [Primeros planos], en la que protagoniza un conjunto de retratos de estudio, o la inquietante serie Clowns (2003-05) y, más tarde, imágenes de mujeres ancianas. Si las partes del cuerpo falsas o artificiales obligan al espectador a enfrentarse al aspecto escénico de la obra, el aspecto trágico y vulgar de los personajes le obliga a sentir cierta empatía y respeto por ellos. Por otro lado, hay un cambio evidente en el posicionamiento de la cámara, en la alteración de los decorados, en la saturación y superposición de atrezo y elementos extraños en la composición, así como en las dimensiones de las pruebas impresas. Más tarde, en la serie Society (2008), Sherman regresa a su exploración de los ideales distorsionados de belleza, autoimagen y envejecimiento en una sociedad obsesionada con la juventud y el estatus a través de personajes ubicados en ambientes suntuosos y presentando estas fotografías en marcos muy ornamentados. Sherman transita de la fotografía analógica a la digital y, al igual que sus personajes, experimenta diversas posibilidades: escenarios verdaderamente naturales en sus primeras imágenes, técnicas de filmación como la “retroproyección”, fotografía de estudio (lugar donde tiene mayor control sobre la construcción de la imagen), el ciclorama y finalmente la superposición de imágenes sobre fondos digitales. Aunque su trabajo es generalmente clasificado por críticos y teóricos como asociado con el feminismo, la violencia y el voyerismo y centrado en la representación, la propia artista tiende a evitar esta instrumentalización teórica y tales asociaciones. Al construir un personaje, Sherman no tiene en mente a una persona específica sino a un género, y la complejidad de la narrativa está determinada por la especificidad de la relación entre el escenario y el personaje.

Con una trayectoria reflexiva y singular, Vera Mota (Porto, 1982) viene desarrollando su trabajo en torno a las políticas del cuerpo, promoviendo y analizando su participación como metodología generativa y eje de formulaciones conceptuales. Recurriendo principalmente a la escultura, el dibujo y la performance, aprovechando la amplitud y permeabilidad que ofrecen estas disciplinas, su práctica artística involucra un fuerte componente matérico. En un proceso en el que el cuerpo se impone como agente casi siempre indispensable, imprimiendo en él sus gestos y circulaciones, la performance surge como medio de producción, composición o incluso puesta en escena. Con especial atención a la economía de la presencia, el esfuerzo y la acción, la artista propone sucesivos ejercicios de reposicionamiento del cuerpo, sometiéndolo a veces a procesos de erosión casi total de sus características. Asumiendo un animismo escultórico y reivindicando otras miradas del cuerpo y la materialidad, Vera Mota revalúa modos de representación, proponiendo procesos y estrategias de descalificación, transferencia o transfiguración de formas, estatus o funciones, entre cuerpos o las partes que los componen. SEM CORPO /DISEMBODIED, la primera exposición de la artista en un contexto museístico, como de las manos a la cabeza, propone un diálogo permanente y tenso entre el dibujo y la escultura, en el que el espectador se ve envuelto.

“Quien cuenta una historia añade un poco” es una expresión que se utiliza para indicar que cada persona que relata un hecho le añade detalles de su autoría. “Contar cuentos” es una de las expresiones que mejor definen la obra de la artista Paula Rego (Lisboa, 1935 – Londres, 2022); “añadir un poco”, básicamente lo que hacemos todos los lectores y espectadores, es la expresión que define con mayor precisión a los visitantes de las exposiciones. Paula Rego fue una de las artistas portuguesas más aclamadas en el país donde nació y creció (Portugal) y también en Inglaterra, donde estudió y vivió hasta su muerte, y en todo el mundo. Las lecturas de su obra destacaron sobre todo la relación de su pintura, dibujos y grabados con los cuentos populares y tradicionales (muchos de ellos de origen portugués), con la literatura (infantil y de otro tipo) y con su autobiografía (especialmente su infancia), así como su contribución a un constante cuestionamiento y redefinición del papel de la mujer en la sociedad. Celebrada en el mismo año que Paula Rego falleció, esta exposición, que reúne un número considerable de obras de la artista en la Colección de Serralves, entre ellas el impresionante políptico Possessão [Posesión] (2004), es una oportunidad para volver a admirar su obra.

La exposición es una iniciativa de la Fundación Serralves, comisariada por António Preto y João Mário Grilo, y coordinada por Carla Almeida. MANOEL DE OLIVEIRA Y EL CINE PORTUGUÉS 1. EN BENEFICIO DE LA NACIÓN (1929-1969) Para acompañar la exposición, la Fundação de Serralves - Casa do Cinema Manoel de Oliveira editó una publicación bilingüe (portugués / inglés) que, además de la reproducción de centenares de documentos de la Colección Manoel de Oliveira, incluye ensayos inéditos de António Preto, João Mário Grilo, Liliana Rosa, Maria Irene Aparício, Patrícia Castello Branco, Ricardo Vieira Lisboa, Susana Nascimento Duarte y Susana Viegas. Más información: https://www.serralves.pt/en/ciclo-serralves/a-bem-da-nacao-1929-1969

António Zambujo y Yamandu Costa han celebrado en concierto el 200 aniversario de la Independencia de Brasil, conmemorando la armonía entre los pueblos en una simbiosis de ritmos lusófonos. Se reúnen de nuevo para seguir recorriendo el camino que les une. Al incorporar influencias del cancionero brasileño, António Zambujo ha derribado fronteras reales e imaginarias. Su música, forjada primero en la tradición del cante alentejo y el fado, ha creado una personalidad única e inspirado un nuevo ciclo en la música portuguesa. Con interpretaciones inolvidables, Yamandu Costa lleva la marca de la música del sur del continente americano y transita por diferentes géneros, formando con su guitarra de siete cuerdas una rara simbiosis. M/6 https://www.casadamusica.com/pt/canais/sro/buyticket?event=73507

La artista nacida en la ciudad de Oporto, Luísa Gonçalves, inaugura la exposición de pintura y dibujo "Los Caminos de la Creación", una obra sobre el mundo de los avellanos, el día 11 de marzo, a las 16h, en la Cooperativa Árvore. Luísa Gonçalves y su obra, que ha ganado varios premios en el área de las artes plásticas desde 1970 hasta la actualidad, es descrita así por Nuno Higino, profesor de Sociología y escritor, " (...) fue este elemento, aparentemente accesorio, el que más interesó a Luísa Gonçalves. Ciertamente, dedicó mucho tiempo a estudiar el mundo de los avellanos. Fotografió, dibujó: el arbusto y sus frutos. Y tomó notas sobre todo de la última cápsula, la exterior. Un buen número de las obras expuestas son variaciones sobre las brácteas que rodean a la avellana, verdes al principio y parduscas cuando maduran. La avellana es un arbusto que existe en abundancia en Beiras, concretamente en la Mata da Margaraça. Fue allí, en sus lugares de origen, donde Luísa encontró la inspiración para esta exposición (...) Sala 1

La artista Mónica Faria inaugura la Obra Textil "Vencer o Medo" el 11 de marzo, a las 16h, en la Cooperativa Árvore. Según la artista, "Vencer el Miedo" "es un ejercicio cotidiano presente desde el gesto más simple como despertarse o comer. El espacio está ocupado por elementos cotidianos a partir de los cuales se tejen redes que crean tramas y registran narraciones simbólicas, de experiencias vividas, imaginadas o inventadas. Es un círculo vicioso, o simplemente un ciclo, en el que el final sólo se produce con un principio. Todos estos elementos convergen en una franja. Flecos que, como el contorno de la alfombra de arraiolos, definen la forma de una casa, alimentada por los telares presentados. Se trata de una instalación artística, en la que el autor nos enfrenta a la necesidad de tomar una decisión. ¿Digo o no digo? ¿Voy o no voy? Casarme o no casarme... ¡Olvidar o no olvidar! Gritar o no gritar.... Dar o no dar. Matar o no matar. Oigo o no oigo. ¡Entro o no entro! Mónica Faria vive en Oporto y trabaja entre Guimarães y Oporto. Estudió Artes Plásticas - Escultura en la FBAUP (2005), participó en el Programa Erasmus - Coventry (2003), desarrolló su maestría en Educación en Artes Visuales en la FPCEUP (2010), beca FCT (2012-2016) - con investigación en Trabajo de Campo en la comunidad quilombola Conceição das Crioulas, Pernambuco, Brasil - completó su doctorado en Educación Artística en la FBAUP (2016). Participó en la residencia artística Peninsulares - Contextile/Estúdio Índigo/Museu Nacional de Artes Decorativas Madrid (2021). Exposición individual, "Cultura Inestable" - Museu Nogueira da Silva (2023). Profesor invitado equivalente a profesor asistente en la Escuela de Arquitectura, Arte y Diseño - EAAD de la Universidad de Minho (desde 2018). Desde 2017, investigadora integrada en Lab2PT/SpaceR.

"Las brujas de Salem fue un acto de desesperación". Palabras del dramaturgo Arthur Miller sobre la génesis de esta obra, basada en hechos históricos. En 1692, en la pequeña comunidad estadounidense de Salem, mujeres y hombres son perseguidos y juzgados por brujería. Los rumores y las mentiras hacen estragos y nadie parece estar a salvo de la persecución o la venganza. Estrenada en 1953, Las brujas de Salem pretendía ser un paralelismo con las tinieblas del macartismo que corroían el corazón de Estados Unidos, consumido por la fiebre anticomunista, de la que también fue víctima Miller. De su epicentro -la fascinación primigenia por la paranoia, que sacrifica a los individuos en su furia colectiva- resuenan hoy múltiples ecos. Es con ella que Nuno Cardoso prosigue la indagación sobre los fundamentos de la vida comunitaria, en otro ensayo sobre la ceguera del hombre social. De nuevo Miller: "Bajo las preguntas sobre la justicia, la obra desentierra un caldo letal de sexualidad ilícita, miedo a lo sobrenatural y manipulación política". POR: ARTHUR MILLER DIRECCIÓN: NUNO CARDOSO INTERPRETADA POR: ANA BRANDÃO, CAROLINA AMARAL, JOANA CARVALHO, JORGE MOTA, LISA REIS, MÁRIO SANTOS, NUNO NUNES, PAULO FREIXINHO, PATRÍCIA QUEIRÓS, PEDRO FRIAS, SÉRGIO SÁ CUNHA PRODUCIDO POR TEATRO NACIONAL SÃO JOÃO DUR. APROX. 2:30 CON PAUSA M/12 AÑOS

Por primera vez en sus carreras, António Victorino d'Almeida y Mário Laginha se presentan juntos en un concierto completo, con el programa "Improvisación en dos Pianos". Ambos pianistas y extraordinarios improvisadores, aunque de generaciones y experiencias musicales diferentes, se proponen arriesgarse en una improvisación que recorrerá los caminos insondables de las experiencias musicales de cada uno, en un concierto único e irrepetible. Un momento histórico para dos grandes pianistas que se admiran mutuamente y que por fin hacen realidad su sueño de presentar un concierto uno al lado del otro. Sala Principal Clasificación por edades M/6 Duración aproximada 1h15 Apertura de puertas 20h00

Doble concierto con dos proyectos musicales apasionantes. En la primera parte, TROLL'S TOY aportan su feroz originalidad, una música enérgica que diluye fronteras, cruzando los universos del rock y el jazz. En la segunda parte, REI BRUXO estrenará su nuevo espectáculo multidisciplinar. Las nuevas composiciones de su próximo álbum se añadirán al repertorio de los últimos cinco años. Con proyección de vídeo, diseño de luces de Tiago Silva y diseño de sonido de Rui Barreiros, promete ser una experiencia sensorial sin precedentes que va más allá del concepto tradicional de concierto y materializa un estimulante espectáculo de música en directo. Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Rei Édipo, de SillySeason, parte del "canon occidental" del mito edípico de Sófocles para la época contemporánea. Reinterpreta y reescribe el tiempo presente a través de la exploración de varias etapas de reconocimiento y el pathos ético que las acompaña. Según Harold Bloom, Edipo tendrá complejo de Hamlet, una patología que le lleva a "pensar no demasiado, sino demasiado bien", siendo una especie de símbolo de la distorsión de la realidad en la que vivimos. Hoy en día, pensar demasiado bien o demasiado racionalmente es una tarea imposible, tanto ante la distopía reinante como ante la falta de herramientas que filtren la información recibida. En el Rey Edipo, el mito aparece -como símbolo del juicio imposible- inmerso en una retórica distorsionada, futurología, demagogia y misticismo, sin posibilidad de reconocer la verdad de los hechos. SillySeason afirma: "Esta será nuestra tragedia".

En premier nacional, el contratenor polaco Jakub Józef Orliński, acompañado por la orquesta Il Pomo d'Oro, actúa en el Teatro Rivoli. En homenaje a Jorge Gil (1943-2019), fundador de "Em Órbita", referencia en el panorama radiofónico portugués y en la organización de conciertos de música clásica. Para más detalles: https://www.teatromunicipaldoporto.pt

El 26 de marzo, a las 17h, celebraremos la llegada de la primavera con una visita guiada por el arquitecto paisajista João Almeida (ex director del Parque de Serralves) y Pedro Álvares Ribeiro, Presidente de la Casa São Roque. Al final de la visita disfrutará de un vino de Oporto junto al Jardín de Invierno del arquitecto Marques da Silva y el jardinero Jacinto de Matos. Las camelias nacen para ser contempladas y para que su Historia permanezca en el tiempo. Por eso le invitamos a descubrir las más de 200 especies de Camelias -70 de ellas centenarias- que florecen en el jardín de la Casa São Roque. Estas Camelias han sido clasificadas oficialmente por los coleccionistas e investigadores Armando Oliveira y António Assunção y permanecen como patrimonio natural e histórico de Oporto. La visita se realizará en inglés y portugués.

Spiritus es un espectáculo inmersivo único que tiene lugar en la icónica Iglesia de los Clérigos en la ciudad de Oporto. Después de haber recibido más de 70.000 visitantes, se vuelve a la majestuosa Iglesia de los Clérigos. Una experiencia para todas las edades, disponible todos los días de la semana. Spiritus - La mejor manera de viajar es sentir es un innovador espectáculo multimedia que trasciende los muros de la Iglesia de los Clérigos, en la ciudad de Oporto. Esta experiencia inmersiva explora la música, la luz, la energía y el color, creando una atmósfera de poesía visual, sincronía y ligereza que llena toda la arquitectura de la Iglesia de los Clérigos. Creado por OCUBO e inspirado libremente en el poema “Después de todo, la mejor manera de viajar es sentir” de Álvaro de Campos, Spiritus despierta la imaginación, la espiritualidad y la atención plena de cada espectador.