El título de la exposición que conmemora el centenario de Agustina Bessa-Luís (1922-2019) evoca el nombre de una película del director con el que la escritora mantuvo una colaboración regular y fecunda: “Um Filme Falado” [Una película hablada] (2003) de Manoel de Oliveira. El punto de partida de la exposición fueron los libros Aforismos (1988), “Contemplação” “Carinhosa da Angústia” (2000), “Dicionário Imperfeito” (libro publicado en 2008 que reúne fragmentos de textos ordenados alfabéticamente) y “Ensaios e Artigos” (1951–2007) (2017), que abarcan un amplio abanico de asuntos, temas y personalidades. De la lectura de estos volúmenes, que tanto en su forma como en su contenido pueden entenderse como auténticas revelaciones del mundo de Agustina, se han identificado algunas de las ideas clave de la escritora. Estos temas son las entradas de este “diccionario-exposición”, cada uno creando un diálogo con obras de la Colección de Serralves, de artistas portugueses y extranjeros, contemporáneos o no de Agustina. El objetivo es crear reverberaciones, sinapsis inesperadas, entre palabras y piezas seleccionadas, ampliando sus respectivos significados y posibles interpretaciones. Tanto para leer como para ver, la exposición se presenta como un libro en tres dimensiones.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

METAMORFOSES se centra en la profusión y el proceso de integración del imaginario y los temas vegetales, minerales y animales en el espacio doméstico romántico, trayendo a las salas de la Casa de la Quinta da Macieirinha un gran número de piezas, algunas expuestas anteriormente en el antiguo Museo Romántico y en otros espacios del Museu da Cidade, otros nunca antes expuestas, mostrando la indudable calidad y diversidad de las colecciones municipales. Esta exposición también marca el inicio de la evocación del centenario de la muerte de la artista de Porto, Aurélia de Souza, momento central de la programación 2022/23. El célebre autorretrato del artista como “Santo António” (San Antonio), realizado alrededor de 1902, formará parte del nuevo conjunto que reúne pinturas, muebles, tapices y textiles, cerámicas, vajillas y vajillas de plata, además de otras sorprendentes piezas de la colección como conjuntos de abanicos, papeles recortados y malacología.

Esta primera exposición individual de la artista en Portugal, se centra en torno a su película más reciente, “Eu sou uma arara” [Soy un guacamayo] (2022), que se estrenará por primera vez en Serralves. Realizado en colaboración con la cineasta Mariana Lacerda, el mediometraje propone una reflexión crítica sobre el impacto de la deforestación en la Amazonía para los pueblos indígenas en un momento de tensión política y social. Esta obra es también el resultado de un largo período de investigación y de una serie de acciones en São Paulo que decenas de figuras inspiradas en la fauna y la flora brasileñas desfilaron por las calles de la ciudad, como un denso y poderoso bosque. Heredera del legado histórico de las vanguardias de la posguerra, del neoconcretismo a la tropicália, Rivane Neuenschwander (n. 1967) es uno de los nombres más destacados del arte contemporáneo brasileño. En su trabajo, la artista combina diferentes medios y formatos para construir un repertorio visual único que explora narrativas sobre una amplia gama de temas, que incluyen lenguaje y tiempo, literatura y cultura popular, psicoanálisis y arte, naturaleza y sociedad, política y filosofía, miedo y deseo. Una de sus obras más emblemáticas, “Eu desejo o seu desejo” [Deseo tu deseo] (2003), compuesta por una colección de deseos que recuerda a las pulseras del Senhor do Bonfim, se instalará en la Capilla de la Casa de Serralves.

Cindy Sherman: Metamorfosis presenta una serie de obras que recorren la carrera de la artista desde sus inicios hasta sus obras más recientes. La exposición se organizó en diálogo con la artista y en asociación con The Broad Art Foundation, Los Ángeles, una institución que lleva más de treinta años coleccionando la obra de Cindy Sherman. Principalmente conocida por imágenes en las que se retrata a sí misma como modelo de su propia obra, encarnando el papel de los estereotipos femeninos convencionalizados por los medios de comunicación en una amplia gama de personajes y entornos, Cindy Sherman fotografía sola en su estudio, actuando como directora artística, fotógrafa, maquilladora, peluquera e intérprete. La práctica del retrato que comenzó hace décadas es responsable de algunas de las imágenes más impactantes e influyentes del arte contemporáneo. Para esta ambiciosa presentación en Serralves, las salas del museo sufrirán una transformación radical, creando un escenario teatral para acoger el storyboard que componen las fotografías de la artista. La exposición incluirá también una obra inédita, especialmente creada para el Museo de Serralves: un extenso mural fotográfico, que dotará a la exposición de una singularidad adicional. Generalmente, la artista no pone títulos a sus obras, tratando de evitar interpretaciones preconcebidas o lecturas anticipadas que puedan influir en el observador, prefiriendo dejar al arbitrio de cada quien la construcción de las historias. Las imágenes, sin embargo, están organizadas por series y numeradas y exploran varios temas y técnicas, reforzando así la diferenciación y clasificación: Untitled Film Still [Sin título Film Still] (1983-1984), Fashion [Moda] (1983-84), Bus Rider [Pasajero de autobús] (1976-2000), The Fairy Tales [Los cuentos de hadas] (1985), The Disasters [Las catástrofes] (1986-89), The Historical Portraits [Los retratos históricos] (1988-90), Sex Pictures [Imágenes de sexo] (1992), Horror and Surrealistic Pictures [Imágenes de de terror y surrealistas] (1994), Masks [Máscaras] (1995), Broken Dolls [Muñecas rotas] (1999), The Hollywood /Hampton Ladies Portraits [Retratos de damas de Hollywood y de los Hamptons] (2000), The Clowns [Los payasos] (2003-05), Society [Sociedad] (2008). En la exposición de Serralves, estas series no estarán en un orden cronológico, sino que construirán una narrativa. En las obras de Sherman, las composiciones y narraciones individuales remiten a un repertorio completo y complejo de identidades femeninas: pero mientras las primeras obras están llenas de emociones visibles, en las fotografías posteriores las emociones se van excluyendo gradualmente. Las obras no son autorretratos, sino representaciones perfeccionadas por la distancia de la cámara o del objetivo que las capta o, como comentó Rosalind Krauss, son “una copia sin original”. A fines de la década de 1980, Sherman sintió la necesidad de suprimir su presencia y creó imágenes irreales y grotescas, escenas de accidentes, compuestas por personajes sobrenaturales y terroríficos que personificaban miedos irracionales y pesadillas y formaban escenarios macabros y repulsivos. Poco a poco, el cuerpo de la artista fue sustituido por pechos postizos, excrecencias humanas, fluidos corporales, residuos sexuales, prótesis médicas, que luego dieron origen a Sex Pictures (1992), una de sus series más atrevidas, en la que Sherman utiliza maniquíes para componer cuadros pseudopornográficos deliberadamente desprovistos de cualquier erotismo que desafíe los estándares de la industria pornográfica. El regreso de la artista al centro de la imagen se produce en el año 2000 con la serie Head Shots [Primeros planos], en la que protagoniza un conjunto de retratos de estudio, o la inquietante serie Clowns (2003-05) y, más tarde, imágenes de mujeres ancianas. Si las partes del cuerpo falsas o artificiales obligan al espectador a enfrentarse al aspecto escénico de la obra, el aspecto trágico y vulgar de los personajes le obliga a sentir cierta empatía y respeto por ellos. Por otro lado, hay un cambio evidente en el posicionamiento de la cámara, en la alteración de los decorados, en la saturación y superposición de atrezo y elementos extraños en la composición, así como en las dimensiones de las pruebas impresas. Más tarde, en la serie Society (2008), Sherman regresa a su exploración de los ideales distorsionados de belleza, autoimagen y envejecimiento en una sociedad obsesionada con la juventud y el estatus a través de personajes ubicados en ambientes suntuosos y presentando estas fotografías en marcos muy ornamentados. Sherman transita de la fotografía analógica a la digital y, al igual que sus personajes, experimenta diversas posibilidades: escenarios verdaderamente naturales en sus primeras imágenes, técnicas de filmación como la “retroproyección”, fotografía de estudio (lugar donde tiene mayor control sobre la construcción de la imagen), el ciclorama y finalmente la superposición de imágenes sobre fondos digitales. Aunque su trabajo es generalmente clasificado por críticos y teóricos como asociado con el feminismo, la violencia y el voyerismo y centrado en la representación, la propia artista tiende a evitar esta instrumentalización teórica y tales asociaciones. Al construir un personaje, Sherman no tiene en mente a una persona específica sino a un género, y la complejidad de la narrativa está determinada por la especificidad de la relación entre el escenario y el personaje.

Con una trayectoria reflexiva y singular, Vera Mota (Porto, 1982) viene desarrollando su trabajo en torno a las políticas del cuerpo, promoviendo y analizando su participación como metodología generativa y eje de formulaciones conceptuales. Recurriendo principalmente a la escultura, el dibujo y la performance, aprovechando la amplitud y permeabilidad que ofrecen estas disciplinas, su práctica artística involucra un fuerte componente matérico. En un proceso en el que el cuerpo se impone como agente casi siempre indispensable, imprimiendo en él sus gestos y circulaciones, la performance surge como medio de producción, composición o incluso puesta en escena. Con especial atención a la economía de la presencia, el esfuerzo y la acción, la artista propone sucesivos ejercicios de reposicionamiento del cuerpo, sometiéndolo a veces a procesos de erosión casi total de sus características. Asumiendo un animismo escultórico y reivindicando otras miradas del cuerpo y la materialidad, Vera Mota revalúa modos de representación, proponiendo procesos y estrategias de descalificación, transferencia o transfiguración de formas, estatus o funciones, entre cuerpos o las partes que los componen. SEM CORPO /DISEMBODIED, la primera exposición de la artista en un contexto museístico, como de las manos a la cabeza, propone un diálogo permanente y tenso entre el dibujo y la escultura, en el que el espectador se ve envuelto.

“Quien cuenta una historia añade un poco” es una expresión que se utiliza para indicar que cada persona que relata un hecho le añade detalles de su autoría. “Contar cuentos” es una de las expresiones que mejor definen la obra de la artista Paula Rego (Lisboa, 1935 – Londres, 2022); “añadir un poco”, básicamente lo que hacemos todos los lectores y espectadores, es la expresión que define con mayor precisión a los visitantes de las exposiciones. Paula Rego fue una de las artistas portuguesas más aclamadas en el país donde nació y creció (Portugal) y también en Inglaterra, donde estudió y vivió hasta su muerte, y en todo el mundo. Las lecturas de su obra destacaron sobre todo la relación de su pintura, dibujos y grabados con los cuentos populares y tradicionales (muchos de ellos de origen portugués), con la literatura (infantil y de otro tipo) y con su autobiografía (especialmente su infancia), así como su contribución a un constante cuestionamiento y redefinición del papel de la mujer en la sociedad. Celebrada en el mismo año que Paula Rego falleció, esta exposición, que reúne un número considerable de obras de la artista en la Colección de Serralves, entre ellas el impresionante políptico Possessão [Posesión] (2004), es una oportunidad para volver a admirar su obra.

The One. The Only. The Original. Andrew Lloyd Webber's Musical from London's West End. CATS, el musical más famoso de todos los tiempos, regresa a Portugal y ahora con espectáculos programados en Porto en el Super Bock Arena – Pavilhão Rosa Mota. Se estrenó el 11 de mayo de 1981 en el New London Theatre, donde permaneció en cartelera durante 21 años. En Broadway se repitió el éxito. Con música de Andrew Lloyd Webber, CATS es un verdadero fenómeno de la longevidad que, aún hoy, sigue atrayendo la atención del público, conquistando a las nuevas generaciones. Basado en la obra de TS Eliot “Old Possum's Book of Practical Cats”, CATS es un musical sobre la vida de un grupo de gatos, sus aventuras amorosas, sus altibajos, que se enfrenta al regreso de Grizabella, la gata que abandonó a su familia para ver el mundo pero que la nostalgia trae de vuelta. ¿Será aceptada? Con “música intemporal, decorados espectaculares y un elenco soberbio” (Daily Mirror), coreografías impresionantes y, por supuesto, la inolvidable “Memory”, CATS es un musical mágico, absolutamente único. Musical en inglés con subtítulos en portugués.

Creada en 2004, Essência do Vinho se consolidó rápidamente como el evento más importante de Portugal, dirigido a los consumidores y que, con el tiempo, ha despertado un interés creciente entre los profesionales del sector. En el monumental Palácio da Bolsa, un número creciente de curiosos y amantes del vino, expertos e invitados internacionales han comprobado y elogiado el concepto del evento. Es una mezcla de aprendizaje, didacticismo, experimentación. ¡Una invitación a nuevas experiencias! Un ‘nuevo espíritu’... Pero también es un gran espacio de reflexión, de intercambio de impresiones… un enorme Facebook en directo: + 20.000 visitantes 28% visitantes extranjeros + 200 periodistas acreditados 15.400 botellas de vino abiertas