Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

Modus Operandi tomó como punto de partida una lectura atenta de la Colección de Serralves desde sus inicios, con el conjunto de obras adquiridas por la Secretaría de Estado de Cultura incluso antes de la creación de la Fundación Serralves y el Museo, hasta las últimas incorporaciones. Desde el principio, esta Colección tuvo la ambición de incluir formas artísticas de vanguardia, de carácter experimental y de alcance internacional, mirando al mundo desde la especificidad estética y cultural portuguesa de los años posteriores a la Revolución de 1974. También destaca el cruce y la mezcla de disciplinas artísticas como las artes plásticas, música, performance y literatura. Esta exposición reúne una selección de obras que reflejan diversos enfoques experimentales y conceptuales transdisciplinarios que demuestran las actitudes, contextos y preocupaciones de la producción artística desde la década de 1960 hasta la actualidad. El título proviene de la obra homónima del artista estadounidense Joseph Kosuth, perteneciente a la Colección de Arte Contemporáneo del Estado Portugués (Coleção de Arte Contemporânea do Estado-CACE) almacenada en Serralves, que se presenta en la exposición. Modus Operandi apunta a diferentes formas de hacer, de operar, a saber, de hacer y pensar el arte. Es precisamente en este sentido que la presentación, por primera vez, de un portafolio, también del CACE, en el que 30 artistas internacionales rinden homenaje a Joseph Beuys en una demostración de la importancia de su legado en la forma de hacer arte, de su creencia de que el arte puede cambiar el mundo y que todos pueden ser "artistas".

“Desdesenho” de Tomás Cunha Ferreira. Comisariado por el Centro de Programación del Museu da Cidade Tomás Cunha Ferreira (Lisboa, 1973) combina varios formatos, en una práctica de circuito abierto y transfronteriza - cada obra se asume como un prototipo que puede adoptar diferentes formas, funcionando como posible partitura, notación, poema visual, emblema, patrón, pintura, entre otros. En esa medida, cada obra da como resultado una figura híbrida condensada, cuya lectura está en constante transición entre elementos visuales y elementos rítmicos o sonoros. El Sábado, 13 de noviembre a las 16:30, Casa Guerra Junqueiro presenta “Desdesenhos Animados” performance-concierto con Tomás Cunha Ferreira.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

La magia de la Navidad ha llegado a la Immersivus Gallery con “O Fabuloso Circo de Natal” (El fabuloso circo navideño). Una experiencia audiovisual inmersiva con varios momentos llenos de sorpresas y diversión. El público es guiado al interior de la tienda mágica por la voz del locutor y comediante Nuno Markl, donde la magia de la Navidad ocurre con un espectáculo fabuloso. A lo largo del espectáculo, se pueden encontrar varias animaciones con referencias a la ciudad de Porto, en una animación inmersiva, permitiendo al público identificarse y unirse a la aventura. El mago, el payaso, la orquesta, animales de todo el mundo, son algunos de los números artísticos que se pueden ver en el espectáculo. Todos los personajes, el entorno, las animaciones y los hologramas transforman la Immersivus Gallery en un verdadero circo virtual, involucrando al espectador en esta experiencia inmersiva en 360º.

La exposición GERMANO ARCHIVO presenta una selección de la vasta colección que Germano Silva donó recientemente al Archivo Histórico Municipal y tiene lugar en un momento en el que el historiador, periodista, bibliófilo y coleccionista celebra su 90 aniversario, marcando el vasto e importante legado que viene construyendo desde hace siete décadas sobre la historia de la ciudad.

“La hora antes de la puesta del sol tiene una magia propia ...” palabras de Rosa Luxemburg a su amigo Hans Diefenbach en una carta enviada desde la prisión de Wronke, en el verano de 1917. A partir de esta correspondencia, la artista colombiana Milena Bonilla nos invita a reflexionar sobre las posibilidades de construir un universo imaginario que navegue por la literatura, la botánica, los referentes históricos ocasionales y las mitologías colectivas. Aquí, “esa hora antes de la puesta del sol” aparece como una concepción de un momento temporal mágico que vincula el pasado con el presente a través de la creación de resonancias afectivas. Para la construcción de esta exposición, la artista explora los límites del archivo como forma de articular la memoria colectiva. El proyecto se infiltra en los espacios simbólicos de intersticio entre el Jardín de Palácio de Cristal, la Biblioteca Municipal Almeida Garrett y la Galeria Municipal do Porto con el fin de relacionar diferentes formas de producción de conocimiento para investigar el concepto de algo que podríamos llamar 'temporalidad histórica suspendida'.

El miedo al fracaso (simultáneo con el deseo de éxito), impulsado por el sistema económico capitalista (que infecta a todos los demás sistemas sociales y culturales), se ha convertido tanto en uno de los mayores impulsos humanos como en el valor del juicio mediante el cual nos evaluamos a nosotros mismos, sirviendo como medida que establece jerarquías sociales. Pero los conceptos de fracaso y éxito nunca están libres de prerrogativas: la idea de éxito está intrínsecamente ligada a varios condicionantes estructurales: color de piel, género, sexualidad, etc., y, sobre todo, cumplir los roles esperados dentro de estas categorías. El fracaso y el aprendizaje del fracaso asumen un rol importante en la producción artística: entre la insatisfacción, el rechazo, la duda, el error y la experiencia, la idea de sucesivamente intentar y fallar se convierte en combustible para la experimentación especulativa y para la creación conceptual. Asumiendo la premisa del fracaso como una herramienta de resistencia contrahegemónica, esta exposición, comisariada por Marta Espiridião, llama a la crítica de los modelos estáticos de éxito y fracaso, y a cuestionar su rol en la construcción de la vida personal y normal.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Todo aquí es falso, y todo debe ser tratado con extrema delicadeza". Escritor y poeta, Jean Genet no se veía a sí mismo como dramaturgo, pero hizo de la virulencia de su escritura dramática un escalpelo de las normas sociales y literarias. La citación arriba condensa la esencia de “O Balcão” [El Balcón] (1955), una obra de teatro que revisó obsesivamente y que convierte el burdel de lujo donde tiene lugar en un arquetipo del mundo y el teatro. Tras el estreno en noviembre de 2020, Nuno Cardoso nos vuelve a traer a esta casa de las ilusiones, un lugar “cercano a la muerte, donde todas las libertades son posibles”. En este espacio celular y vigilado circulan personajes que actúan como figuras de poder. Básicamente, hay una revolución que se enciende y consume. “El verdadero tema de la obra de teatro es la ilusión”, dijo Genet. El equívoco entre lo fingido y lo auténtico, el interior y el exterior (del burdel o de la escena) es permanente, exponiendo la maquinaria de la farsa del poder y su dinámica social. En “O Balcão”, somos voyeurs y figuras en un teatro de marionetas donde ver y ser visto es primordial. En este juego de espejos se interrumpe con poesía y irrisión. Allí, “con seriedad y sonriente”, como quería Genet, nos vemos en el ritual y en los avatares de nuestros deseos.

“La Bienamada permanece por encima del Tiempo, más allá de cualquier técnica musical, rítmica o literaria, más allá de la propia muerte”, escribió Messiaen sobre sus “Cinq Rechants”. En ellos hay símbolos de amor de diversos orígenes, desde Shakespeare hasta la cultura popular latinoamericana. En un concierto sobre el amor, el ineludible legado romántico se hace presente a través de algunas de las páginas más populares de la música vocal de Brahms, primero a capella, con una de las “Cinco Canciones, op. 104”, luego con las famosas “Liebeslieder-Walzer” para coro y piano a 4 manos, que cierran el concierto con la ligereza del estilo popular y la elegancia del vals.

La gira más famosa de Europa. Inspirado en la tradicional cita musical que cada año se celebra en Viena, el Gran Concierto de Año Nuevo, tras el éxito de ediciones anteriores, con una atractiva selección de los mejores valses, polcas y marchas de Strauss. La Strauss Festival Orchestra y el Strauss Festival Ballet Ensemble interpretarán títulos tan conocidos del músico austríaco como Napoleón, Fiesta de las Flores, Klipp Klapp, El vals del Imperador o Champagne. No faltará el vals más célebre de todos, El Bello Danubio Azul, ni la Marcha Radetzky que acompasada por las palmas del público, generalmente cierra la velada. Más de cinco millones de espectadores han visto y elogiado la producción de la Strauss Festival Orchestra en toda Europa: en el Musikverein de Viena, el Concertgebouw en Ámsterdam, en la Philarmonie de Berlín, en el Musikhalle de Hamburgo, en el Auditorium Parco della Musica de Roma, en el Gran Teatre del Liceu o el Palau de la Música de Barcelona, el Teatro Real y el Auditorio Nacional de Música de Madrid, el Coliseu de Lisboa y el Coliseu de Porto, etc. El ballet, con estilizadas coreografías y vestuarios de ensueño, restituye un aspecto esencial a aquellas compasiones musicales creadas para acompañar la danza. El concierto es uno de los momentos culminantes de la temporada musical de Euroconcert, no solo por el extraordinario clima festivo que lo envuelve, sino también por la gran participación de un público que año tras año asiste ansiosamente al concierto para celebrar la llegada del Año Nuevo. ¡Una tradición que no debe perderse!

La película “Noche de Estreno” [Noite de Estreia] (1977), de John Cassavetes, llevó el teatro al cine. Al devolverlo al escenario, Martim Pedroso nos da “un espectáculo sobre una película que se trata de un espectáculo”. El corazón de esta mise en abyme late en el viaje solitario y a contracorriente de Myrtle Gordon, la actriz que interpreta a Virginia en la obra dentro de la obra que vemos nacer, “The Second Woman”, Myrtle no se reconoce en las convenciones de masculino y femenino que transmite el texto. Su incomodidad en el papel se precipita, al presenciar la muerte de una admiradora, en una espiral de crisis que lo pone todo en entredicho, sobre todo a la propia obra, que quiere poner de patas arriba. La “Noite de Estreia” de Martim Pedroso, en su juego de espejos entre teatro y cine, manteniéndose cerca de Cassavetes y su “método” de representación, es un elogio a los actores y a la capacidad íntima del teatro para buscar la esperanza, como le pide Myrtle a la dramaturga y a su director, capaz de romper todos los estereotipos. ¿Quién es esta segunda mujer, después de todo, que sube al escenario por asalto en “la noche de todos los estrenos o en el delicioso de todos los fracasos”?

1. Batería 2. Contraluz 3. Luz frontal 4. Picada 5. Lateral 6. Contorno 7. Recorte 8. Indirecta 9. Efecto persiana 10. El Gobo 11. Luz Estroboscópica La lista de efectos de luz utilizados no es relevante para el espectáculo. De hecho, este suele ser el caso de la luz. Crea el entorno, apoya la experiencia emocional del espectáculo e incluso puede ser un apoyo dramatúrgico, marcando, por ejemplo, el paso del tiempo. Pero, en realidad, si el espectáculo, debido a problemas técnicos, no se puede hacer con luz general, es porque el espectáculo no vale nada. En cuanto a la historia del espectáculo, es solo el interior de la cabeza de un hombre que está en un banco de parque alimentando a las palomas con maíz. Él tira el maíz y las palomas comen, no hay mucho más que decir. Quizá sólo quede mencionar la música. Los músicos hicieron las melodías incluso antes del texto escrito, basándose únicamente en las fotos de Júlio Eme, cada una sobre cada uno de los efectos de luz elegidos por Ricardo Alves. - Palmilha Dentada

Xutos & Pontapés en el Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota en un concierto que marca 40 años de carrera. La mítica banda de rock portuguesa con un concierto donde no faltarán todos los grandes éxitos de estos 40 años de historia. Demostrando que la música realmente es un lenguaje universal, esta vez Xutos ha desafiado al director de orquesta Osvaldo Ferreira y a la Orquestra Filarmónica Portuguesa a unirse a los 4 músicos. En el escenario, más de 70 músicos e instrumentos clásicos interpretarán las canciones con arreglos del portugués Mário Laginha, el brasileño Joaquim França Ramos, el filipino Saunder Choi y el francés Nicolas Mazmanian, en una experiencia musical única. ¡Los días 13 y 14 de enero no se lo puede perder este gran espectáculo!

Va a salir mal de nuevo ... ¡La función está de vuelta! En 2020, llegó a Portugal para ganar el Globo de Oro en todas las categorías, pero COVID-19 tiró esta oportunidad para más adelante. Es un formato replica show "Ridículamente divertida." (The Times) y "Un triunfo técnico." (Time Out) con comentarios como "Por un momento pensé que iba a hiperventilar." (Daily Mail) o "Nos reímos hasta que las lágrimas escurrieran por nuestros rostros." (Joanna Lumley)

Celebramos el encuentro entre imaginación y técnica en tonos suaves que nos trasladan a los actos blancos de los ballets clásicos. Celebramos esos momentos a través de la diversidad de las obras que componen este programa. Luís Marrafa, coreógrafo portugués afincado en Bruselas, presenta su primera coreografía para los bailarines de la Companhia Nacional de Bailado-CNB. Yannick Boquin regresa a la Compañía, no como profesor visitante, sino ahora para coreografiar una nueva obra donde la fantasía y el ingenio balletístico se exaltan en un pas de deux sobre una composición de Shostakovich. La gracia e inteligencia del movimiento del maestro George Balanchine es revisada en este programa a través de su emblemático “Concierto Barroco”, que vuelve a escena más de 37 años después que la Compañía lo ha actuado por la primera vez en 1984.

Arte y paisaje definen el Parque de Serralves y sus caminos son el vehículo que utilizamos para explorarlo con detenimiento. La diversidad cuenta con la presencia de árboles notables, diferentes jardines temáticos, una organización espacial y diversidad biológica únicas en el corazón de la trama urbana de Porto. La relación con los espacios arquitectónicos circundantes hace de este Parque uno de los mayores referentes paisajísticos de Portugal, donde las rutas diseñadas en forma de visitas guiadas buscan promover, sensibilizar y concienciar sobre la importancia de la biodiversidad presente. Se requiere registro hasta las 17 horas en la víspera del evento, para el correo electrónico: a.silva@serralves.pt

Carmina Burana es sin duda la obra más famosa del compositor alemán Carl Orff, y está inspirada en una colección de alrededor de 300 cantos escritos por clérigos y estudiantes vagabundos de los siglos XII y XIII, que llevaban una vida fuera de las reglas. Así, en 1937 compuso una cantata escénica que lleva el mismo nombre que el original literario y cuyo fragmento más conocido es "O Fortuna". Los poemas, escritos mayoritariamente en latín, incluyen canciones de amor, de taberna, sátiras, canciones estudiantiles… pero todos constituyen un canto de amor y placeres carnales, posición que choca directamente con la concepción tradicionalmente atribuida a la época medieval. La Sinfonía n.° 9 de Beethoven es el himno más conocido a la hermandad humana y se escucha a menudo en eventos oficiales como la Reunificación alemana o los Juegos Olímpicos. Su estreno, en el Teatro de la Corte Imperial de Venecia en 1824, fue recibido con gran expectación: nadie quería perderse la interpretación de la esperada sinfonía, que se esperaba que fuera la última actuación pública del genio alemán, como así resultó ser, ya que durante los tres años siguientes y hasta su muerte, Beethoven permaneció en casa aquejado de diversas enfermedades. El recital cumplió plenamente todas las expectativas.

“La más melódica, cálida, dinámica y colorida de todas mis obras”. Fue con estas palabras que Messiaen describió su grandiosa “Sinfonía Turangalîla”, inspirada en la leyenda de Tristán e Isolda. Considerada también por el autor como una “canción de amor”, tema central y recurrente a lo largo de la obra, la Sinfonía fue encargada por Serge Koussevitzky para la Orquesta Sinfónica de Boston y estrenada bajo la dirección de Leonard Bernstein. Con un carácter concertante en el uso del piano, es una de las creaciones más innovadoras del siglo XX en cuanto a ritmo y timbre, con una sorprendente paleta sonora en la que destacan los múltiples instrumentos de percusión, la influencia del Oriente y las etéreas ondas de Martenot, socios concertantes del piano.

Carolina Deslandes regresa a los Coliseus como una de las más grandes artistas de la actual generación de cantantes y compositores portugueses. Fue distinguida, por segundo año consecutivo, con el Prémio Cinco Estrelas “Personalidade na área da Música”, días después del lanzamiento de su muy esperado último EP ‘MULHER’, que presentó en vivo en un evento con entradas agotadas en horas y que ahora regresa a los Coliseus. El último proyecto de Carolina Deslandes es un EP, un cortometraje y la máxima expresión de una artista que se trasciende a sí misma en cada paso que da. El cortometraje de ‘MULHER’, en el que se pueden escuchar las canciones del EP y ver la ficción escrita, narrada y protagonizada por Carolina Deslandes, representa a varias generaciones de mujeres víctimas de violencia doméstica. ‘MULHER’ fue el número 1 en iTunes el día del lanzamiento y el sencillo "Não Me Importo" tuvo una entrada directa en el top 100 de Spotify en Portugal.

En su sexta edición, IndieJúnior — Festival Internacional de Cine Infantil y Juvenil de Porto regresa al Teatro Rivoli y a otros espacios de Porto, para presentar el cine infantil y juvenil más creativo y original que se hace en todo el mundo. El Festival incluye una competición internacional de largometrajes y cortometrajes, con cerca de 50 películas recientes, entre ficción, documentales y animaciones, casi todas en estreno en Portugal, y que son evaluadas por tres jurados que premian otorgan los premios del Festival. Varias de las películas a concurso son seleccionadas por alumnos de escuelas de la ciudad (desde preescolar hasta secundaria) que forman parte de la iniciativa “Eu Programo um Festival de Cinema”, organizada en colaboración con “Paralelo” - Programa de Artes Escénicas del “Teatro Municipal do Porto”. Del 25 al 30 de enero de 2022, IndieJúnior trae a Porto una gran fiesta del cine, un puente hacia la gran pantalla donde caben todas las ideas y los sueños.

Con su “Teatro do Vestido”, Joana Craveiro ha hecho de la memoria su principal objeto de investigación. En “Aquilo que Ouvíamos” la trabaja revisitando una época en la que la música confería una identidad y una pertenencia. Una obra de teatro-concierto compuesta por las experiencias musicales de su elenco, cuatro actores y cinco músicos (entre ellos, los Loosers), autores de la banda sonora original, es un viaje a los años formativos de la adolescencia en las décadas de 1980 y 1990. En estas “historias de la música” se cuenta cómo su materialidad contaba tanto: comprar vinilos con las escasas pagas semanales, estudiar sus carátulas, leer las letras impresas en ellos, intercambiándolas y hacer amigos en ese intercambio, exhibir un disco de elección como insignia, señalándose así ante sus pares y desmarcándose de los demás, grabando casetes de discos vinilos prestados, conciertos raros o programas de radio improvisados en casa, preciosas pruebas de quién era. “Aquilo que Ouvíamos” rescata un pasado, “un tiempo en que había tiempo”, con la ternura y la ironía del saber perdido, pero presente en los lazos que se crearon a través de la música y aún perduran.

Joseph Haydn gozó de un inmenso éxito en sus giras europeas: la Sinfonía n.º 83 “La Poule” forma parte del conjunto de sinfonías parisinas, la primera que compuso tras toda una vida de servicio en Eszterháza, llamada así por el público del estreno por su tema vívido que recuerda el deambular de una gallina. También escrita para París, en una de las giras de Mozart, la “Sinfonia Concertante K. 364” se encuadra en un género que fusiona las texturas de la sinfonía y el concierto, dando así espacio a los solistas de la orquesta. El inicio de la ópera “Las bodas de Fígaro” es quizás una de las obras orquestales más conocidas y emocionantes de Mozart, donde consigue expresar la locura y la emoción de la folle journée de Beaumarchais-Da Ponte, una de las páginas más memorables de la historia de la música. A pesar de haber sido escrita en el siglo XX, la “Sinfonietta” de Poulenc es una revisitación del estilo clásico de Haydn y Mozart.

Las clases tienen lugar todos los lunes y jueves, entre las 17:30 y las 19:30 horas, y todos los sábados y domingos, entre las 10 y las 12 horas, en el Skate Park de Ramalde. Cada clase junta a dos maestros y un máximo de 20 alumnos simultáneamente, y cada participante preferiblemente debe traer su propio equipo (tabla y equipo de protección). La empresa municipal Ágora suministra la tabla y el casco a quienes los necesiten, y se evita compartir el equipo entre los estudiantes. La inscripción en las clases es obligatoria todas las semanas, y los interesados deben enviar un correo electrónico a desporto@agoraporto.pt, con su nombre, edad (deben tener más de seis años y menores de 60) y el día en que quieren la clase de skateboarding. Cada usuario puede registrarse un máximo de dos clases por semana.

Compositores clave del clasicismo vienés, Haydn y Mozart supieron utilizar su música como vehículo para los más variados estados de ánimo, incluida la comedia. En este concierto comentado, descubrimos dos obras que encarnan el espíritu jocoso de los dos genios austriacos. Haydn ha incluido un tema que se asemeja al cacareo de la gallina en el primer movimiento de la sinfonía “La Poule”. Mozart satirizó las relaciones amorosas de la época en óperas muy divertidas, traduciendo encuentros y desencuentros en una escritura orquestal fascinante. Es con estas caricaturas musicales y buen humor que marcamos la pauta de la “Série Famílias” de la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música.

Según la hermana de John Lennon, Julia Baird, "Hay muchas bandas tributo a los Beatles en todo el mundo, pero los Mersey Beatles son una de las mejores que he escuchado". The Mersey Beatles, una de las mejores bandas tributo al cuarteto que revolucionó definitivamente la música y el mundo de los fans, llega a Portugal con el genial sonido de los Beatles. Al igual que los originales, los Mersey Beatles provienen de Liverpool. En 1999 comenzaron a tocar los grandes éxitos de la banda y a partir de 2002 lo hacen regularmente en el mítico lugar, The Cavern Club, el mismo lugar donde se reunían los Beatles. Los Mersey, formados por Steven Howard, Mark Bloor, Craig McGown y Brian Ambrose, también actuan en numerosos festivales y espectáculos en todo el Reino Unido y también en diferentes países del mundo, desde Francia, Alemania, Italia hasta Estados Unidos, Australia y Indonesia.