Pandemic nos lleva a un estado de grado cero para enfrentar la fragilidad y la finitud del cuerpo, de la enfermedad y la cordura, y de las luchas humanas arraigadas en el mundo y en la naturaleza. Esta exposición es el resultado de una invitación de la Galeria Municipal do Porto al artista Filipe Marques para cuestionar conceptos virales. En su trabajo, el artista parte de la poética apocalíptica para conducirnos, como espectadores, a un aprendizaje de la impotencia de la condición humana y un intento de controlar las contaminaciones invisibles o los equilibrios de fuerzas y resistencias. El trabajo de Filipe Marques, que estudió en Portugal y Alemania, se desarrolla a partir de las teorías de los filósofos y escritores modernos de la Antigüedad clásica, en un intento por comprender la Humanidad y la construcción de un Dios. Utiliza mecanismos anacrónicos con imágenes de personas y lugares, recreando urbanidades en ruinas y museografías saqueadas, y revisitando metáforas sobre fracasos y autodestrucciones de las que, como artista, no quiere escapar.

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna El Museu Nacional Soares dos Reis ha inaugurado la exposición Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna, dedicada exclusivamente y por primera vez en Portugal al esmalte artístico. La exposición es una de las piezas «fundadoras» de la colección del Museo, una serie de 26 placas de esmalte pintadas en el siglo XVI, procedentes del Monasterio de Santa Cruz de Coimbra, para reunir y comparar de forma inédita diversas técnicas de esmalte aplicadas en un suntuoso conjunto de objetos litúrgicos, devocionales y de aparato. Las piezas que se expondrán fueron producidas entre los siglos XII y XIX, especialmente en los talleres de la región de Limoges, reconocidos como los más prestigiosos. Hay varias representaciones de esta singular y exigente técnica de ornamentación como el esmalte. La exposición traerá a Porto varios tesoros nacionales, entre ellos el tríptico de la Pasión de Cristo del Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, una de las piezas de esmalte existentes en nuestro país con mayor reconocimiento internacional. La exposición “Azul e Ouro” también incluye otras piezas de gran prestigio como dos cofres de la Catedral de Viseu, piezas del siglo XII codiciadas por el mercado ilícito de antigüedades, robadas en 1980 y encontradas años después en Milán en una acción conjunta de la Policía Judicial e Interpol, o una placa de encuadernación de finales del siglo XII, principios del siglo XIII, encontrada accidentalmente en una excavación entre Leiria y el Monasterio de Batalha. La última sección de la exposición está dedicada a los resurgimientos, réplicas y falsificaciones que se produjeron a gran escala en toda Europa, a lo largo de los siglos XIX y XX, a encantando y engañando a la mirada de los conservadores de museos y coleccionistas privados en Europa y en los Estados Unidos.

El Museu da Cidade inaugura la exposición “Errata – Uma Revisão Feminista à História do Design Gráfico Português”. Comisariada por Isabel Duarte y Olinda Martins, la muestra se puede visitar en el Vestíbulo del Auditorio de la Biblioteca Municipal Almeida Garrett. Esta exposición busca revisar el papel de la mujer en la historia del diseño. Un proyecto de investigación en desarrollo que pretende dar respuesta a este “olvido” a través de publicaciones, podcasts y presentaciones públicas. La exposición presentará el trabajo de las diseñadoras del siglo XX que están ausentes en la historia del diseño portugués y, al hacerlo, lanzará una mirada crítica sobre los mecanismos aún presentes que consienten y propagan estas omisiones. A partir de la recopilación, documentación y presentación del trabajo de las diseñadoras gráficas, la exposición mostrará mujeres que quedaron al margen de la historia del diseño. Una “errata” para corregir una omisión presente en la historia del Diseño.

"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Para explorar las diversas formas de mal, un grupo que se hunde en un mar de papel se convierte en un coro colocado en una tribuna. El título de esta obra de Marlene Freitas hace varias referencias a la ambivalencia del mal. El mal puede referirse a inquietud, malestar, dolor, sufrimiento, agonía, pena, tormento, vacío, horror y también el mal. Sin embargo, la “Embriaguez Divina” posiciona el mal como un estado de alucinación divina, de éxtasis dionisíaco. El mal adopta muchas formas. Aparece como fuerza determinante en un gran número de historias, y el teatro ha sido durante mucho tiempo un contexto en el que se revela y se expone. Para algunos, la experiencia del abismo del mal es un requisito previo para el arte. George Bataille coloca el mal y el arte en estrecha proximidad, como dos fuerzas que se oponen a un mundo lícito de cálculo racional. Percibe a los niños como seres comprometidos con el mal, rebelándose contra un mundo adulto de convenciones inhibidoras. La exaltación Divina como insurrección transformadora del Mal contra el Bien, invitando a romper con el orden, a escapar de las normalizaciones y a desviarse del guión.

En 1786, Haydn recibió un encargo especial de Cádiz, España: música instrumental para la ceremonia de las Tres Horas, evocadora de la Pasión de Cristo. La ceremonia duró entre el mediodía y las tres de la tarde del Viernes Santo y promovió la meditación de siete frases pronunciadas por Jesús en la Cruz, según los Evangelios. Este proyecto dio a Haydn la oportunidad de explorar un universo de misticismo ya que no tenía espacio en Austria, y la versión original de la obra para orquesta fue un gran éxito en toda Europa. Originalmente ha sido tocada en una cueva debajo de la Iglesia del Rosario, con todas las entradas de luz cubiertas y solo una gran lámpara en el centro rompiendo la oscuridad. Esta noche, la obra se entremezcla con música de C. P. E. Bach, un compositor que se ganó la admiración de Haydn. Su más famoso concierto para teclado es interpretado aquí por Christian Zacharias, en la doble función de solista y director.

La Gran Exposición Serralves em Luz invita a contemplar el patrimonio natural, paisajístico y arquitectónico existente en el Parque de Serralves a través de la experiencia de un concepto creativo basado en un ambicioso juego de la luz. Participe en una programación específica de visitas guiadas en torno a la dinámica de la luz y el color que dan como resultado una narrativa impactante a través de diferentes atmósferas y fuentes de luz que potencian nuevas perspectivas sobre el Parque, en una simbiosis única vivida in loco. Utilizando diversas fuentes de luz, como LED, halógenas, hmi, láser o video, se crean nuevas experiencias visuales y sensoriales que transportan al visitante en diferentes percepciones entre lo real y lo imaginario, construyendo diálogos estáticos o en movimiento, con 24 instalaciones a lo largo de un recorrido de 3km que atraviesa todo el Parque. La introducción de color, sonido y efectos visuales innovadores permite al público vivir el Parque de una manera diferente al habitual. Las instalaciones luminosas transforman el espacio en ambientes inmersivos que nos transportan a las diferentes estaciones del año, que permiten la conexión con diversos elementos naturales del Parque, como el agua y la vegetación, y experimentar, de una forma original, manifestaciones luminosas de la naturaleza como el sol, la luna, los reflejos, el arco iris y otros efectos atmosféricos. El uso de mascarilla es obligatorio.

Una de las ferias más emblemáticas de la ciudad, se destina exclusivamente a la venta de objetos usados, en particular, ropa, vajilla, muebles y artículos decorativos, discos, libros, aparatos eléctricos y / o electrónicos, utensilios para el hogar y herramientas de trabajo. Ubicación: Avenida 25 de abril

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

Roswitha Bronski (Alexandra Kluge) es otro de los grandes personajes femeninos del cineasta. Roswitha es una mujer exhausta, dividida entre las tareas domésticas, cuidar de su esposo e hijos, y los abortos clandestinos que realiza para compensar el presupuesto familiar. Encontrará nuevas energías en los movimientos revolucionarios a los que se une, pero el primer paso hacia el cambio se da dentro de la “unidad familiar”. Como dice una frase dentro de la película, "Roswitha siente una fuerza tremenda dentro de sí misma, y ​​sabe por las películas que esa fuerza realmente existe". Incomprendido por muchos en el momento de su estreno, “Trabajo ocasional de una esclava” es una película profundamente actual. (Cinemateca Portuguesa)

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

La verdad es que últimamente no hemos tenido mucho de qué reírnos, pero la risa vuelve en grande forma con el COMEDY CLUB - que tendrá lugar durante los meses de septiembre y octubre en el “Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota” y que estará en el escenario los mejores de la comedia nacional. ¿Pero por dónde empezar? Nuestra lista es amplia: Fernando Rocha, Eduardo Madeira, Francisco Menezes, Sofia Bernardo, Alexandre Santos, Carlos Vidal y muchos otros… que prometen devolverle el ánimo y la alegría en un total de ocho noches muy especiales. Serán 8 noches de Comedia, donde Fernando Rocha, que no necesita presentación, abrirá este evento el 10 de septiembre, junto con João Dantas, el 15 de septiembre es el turno de Carlos Vidal y Zé Pedro. La semana siguiente, el 22 de septiembre, suben al escenario Alexandre Santos y Joel Ricardo Santos. João Seabra también subirá a este escenario el 29 de septiembre y traerá a Rúben Branco con él, con mucha comedia y buen humor. El mes de octubre empieza con Miguel 7 Estacas y Pedro Neves el 5 de octubre y el día 13 le toca a Francisco Menezes de “jugar” en casa e invitar a Max Coliban a unirse. La semana siguiente, el 18 de octubre, Eduardo Madeira no dejará indiferente a nadie con su buen humor y a ello se une Adriano Moura. Terminamos como empezamos, con nuestro Fernando Rocha que, antes de terminar las noches del “Comedy Club”, viene con Sofia Bernardo para una increíble despedida de noches de mucha diversión y risas.

Un programa heteróclito que, a través de un montaje de películas y extractos de películas producidas para cine y televisión a lo largo de una decena de años, nos introduce en el universo caleidoscópico de Alexander Kluge. Entre los homenajes a Manoel de Oliveira, Jean-Luc Godard (una extraordinaria conversación entre Kluge y Godard que aborda la relación entre un “amor ciego” y la pasión por hacer y ver películas) o las multiproyecciones de Hans Richter (a quien está dedicada “Múltiplas Imagens para 5 Projetores”), la sesión se organiza en torno al propio cine, ya sea a través de una reflexión sobre la luz, su materia prima (muy presente en DER ZAUBER DER VERDUNKELTEN SEELE), o sobre su relación con lo real (Lampedusa, la Guerra de Irak, “la zona cero”). De una teoría de las ruinas, pasamos a un artista de demolición (Helge Schneider, presencia habitual en el cine de Kluge), o a una reconfortante visión de la permanencia de los ya centenarios proyectores de cine. (Cinemateca Portuguesa)

La obra A “História do Soldado” (La historia del soldado) es el resultado de la colaboración del compositor Igor Stravinsky con el escritor suizo CF Ramuz durante el período de la Primera Guerra Mundial, en 1918. La historia es contada por tres actores, un grupo de bailarines y una banda de siete músicos. Musicalmente, “A História do Soldado” ocupa un lugar importante en la producción de Stravinsky y en la historia de la música del siglo XX en general. Un soldado que regresa a su tierra con una licencia de quince días, se detiene a descansar y toca su violín. Es interrumpido por el Diablo, disfrazado de anciano, que lo convence de que le dé el violín a cambio de un libro mágico que predice el futuro. El diablo invita al soldado a ir a su casa durante tres días para enseñarle a tocar. Cuando el soldado finalmente llega a su pueblo, encuentra a su novia casada con otro y todos los que lo ven, incluso su madre, piensan que es un fantasma. Se da cuenta de que lo habían engañado - “no fueron tres días, fueron tres años” - y se desespera. Ni siquiera la inmensa fortuna que había amasado pudo animarlo. Cuando el diablo, esta vez disfrazado de anciana, le ofrece de nuevo su violín, no consigue sacar ningún sonido del instrumento. Abatido, lo tira, rompe el libro y decide marcharse. Hasta que llega a otro país, donde vive un Rey, que tiene una hija atrapada en una extraña melancolía. El rey había decretado que cualquier hombre que pudiera curarla podía tomar su mano en matrimonio. El soldado decide probar suerte y se dirige audazmente al palacio. Allí encuentra un competidor: el Diablo, disfrazado de violinista virtuoso. Pero consigue ganarle en una partida de cartas y deliberadamente pierde toda su fortuna ganada deshonestamente. Luego descubre que puede volver a tocar el violín y, mejor aún, el sonido de su música reanima a la Princesa. El Diablo, ahora sin estar disfrazado, intenta intervenir, pero se ve obligado a bailar al son del violín hasta que colapsa exhausto. El Soldado y la Princesa están alegremente unidos, pero el Diablo jura venganza.

En 1888, Alfred Jarry estrenó su “Rey Ubu”, representado por las Marionetas del Teatro das Phynanças. Más de cien años después, el dramaturgo británico Simon Stephens imaginó una secuela, “O Julgamento de Ubu” [El Juicio de Ubu] (2010), una obra ahora representada por el “Teatro de Marionetas do Porto” y dirigida por Nuno M. Cardoso. En la primera parte, es a través del arte de la marioneta que se nos devuelve el nonsense escatológico de la saga Ubuesca de Jarry, para luego, a través de la figuración humana, sentar a Ubu en el banquillo de los acusados ​​de un Tribunal Penal Internacional e instigar un examen de conciencia colectivo. sobre el poder y sus trâmites. “Este juicio. Este lenguaje. Es importante para ustedes, ¿no?”, Nos lanza Ubu. En el juego de manipulación y escala de títeres y figuras humanas, se dibuja una salvaje sátira sobre el duelo entre justicia legal y justicia moral, que nos pone cara a cara con la intransigencia de Ubu, símbolo de los dictadores contemporáneos. "¿Sabes lo que pasa por mi cabeza cuando te escucho hablar de justicia?"

“Desdesenho” de Tomás Cunha Ferreira. Comisariado por el Centro de Programación del Museu da Cidade Tomás Cunha Ferreira (Lisboa, 1973) combina varios formatos, en una práctica de circuito abierto y transfronteriza - cada obra se asume como un prototipo que puede adoptar diferentes formas, funcionando como posible partitura, notación, poema visual, emblema, patrón, pintura, entre otros. En esa medida, cada obra da como resultado una figura híbrida condensada, cuya lectura está en constante transición entre elementos visuales y elementos rítmicos o sonoros. El Sábado, 13 de noviembre a las 16:30, Casa Guerra Junqueiro presenta “Desdesenhos Animados” performance-concierto con Tomás Cunha Ferreira.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

Caixa para guardar o vazio es una escultura performativa con una perspectiva pedagógica, creada en 2005 por invitación del Teatro Viriato. Esta caja es materia, es forma y también es un acontecimiento. Es un lugar para explorar con el cuerpo, en un proceso de descubrimiento individual o colectivo. Se presenta como una “caja de madera cerrada” que es activada por los cuerpos de dos bailarines, quienes la revelan en diálogo con grupos de niños a través del movimiento y la voz. El espacio se abre, se pliega, se despliega y se expande, creando un clima de comunicación y descubrimiento que culmina con la revelación del interior de la escultura, un momento en que nos damos cuenta de que nuestro cuerpo también es un lugar.

La Gran Exposición de Serralves em Luz es una oportunidad única para obtener fotografías hermosas y singulares del Parque de Serralves. La luz, o la ausencia de ella, son poderosas herramientas de creación que permiten mostrar una versión de la realidad de una manera encantadora y misteriosa. Tomar una fotografía de paisaje de noche puede ser un reto, pero aprendiendo las técnicas adecuadas, es posible obtener un resultado interesante y sorprendente. Los participantes deben estar equipados con una cámara digital, que permita el control manual de la exposición, el enfoque, la sensibilidad y la temperatura del color, y un trípode. No es obligatorio, pero se recomienda utilizar un disparador de cable o un obturador remoto y las baterías cargadas. El uso de mascarilla es obligatorio. Profesor: Filipe Braga Punto de encuentro: recepción del museo Aforo: 15 adultos. Número mínimo de participantes para la realización del taller: 8

Francesco Filidei vuelve a estrenar una obra en Porto, esta vez un concierto para piano y orquesta, un final de la tarde íntegramente dedicado al País tema. Tanto el director como el solista debutan en la Casa da Música: Tito Ceccherini es el fundador del prestigioso ensemble Risognanze y es un impulsor de la música contemporánea; Maurizio Baglini es un galardonado del Concurso Chopin y, a los 24 años, ganó el World Music Piano Master en Montecarlo. El programa se completa con composiciones italianas en estreno en Portugal.

Nelson Freitas presenta “Dpos d'Quarentena” en concierto. Nelson Freitas vuelve al escenario para presentar su nuevo disco “Dpos d'Quarentena” donde abraza la diversidad de estilos musicales caboverdianos combinándola con otros géneros musicales que aportan una nueva energía. En este concierto podemos encontrar sabores musicales que vienen de Nigeria, Ghana o Sudáfrica. El álbum incluye el sencillo de oro "Dpos d'Quarantena" con más de 9 millones de visualizaciones en YouTube y apariciones muy especiales de Mr Eazi, Dino D'Santiago, Rony Fuego, Julinho KSD, Mikas Cabral, June Freedom y Neyna. Un concierto que reúne nuevas músicas, nuevas energías y grandes sorpresas.

Pianista estadounidense de ascendencia china, Claire Huangci ha ido construyendo una carrera de gran calibre. Ganó el Primer Premio y el Premio Mozart en el Concurso Géza Anda, en 2018, premios que se suman a innumerables otros logros. Sus interpretaciones combinan el virtuosismo con una sensibilidad refinada y le han valido los más amplios elogios de la crítica. Dos años después de tocar en concierto con la Orquestra Sinfónica do Porto Casa da Música, ahora debuta en recital en la misma sala con un programa marcado de obras favoritas del repertorio pianístico.

En el otoño de 1977 la República Federal de Alemania vivió la crisis política más grave desde su fundación en 1951. El enfrentamiento entre los grupos de extrema izquierda y el Estado alcanzó su apogeo: la Facción del Ejército Rojo secuestró a Hans-Martin Schleyer y desvió dos aviones para obtener la liberación de sus miembros. La respuesta del Estado fue una brutal represión, con el apoyo de la opinión pública y el dudoso suicidio de los líderes de la Facción del Ejército Rojo, en una prisión de máxima seguridad. Un grupo de cineastas, entre ellos Alexander Kluge, Rainer W. Fassbinder y Edgar Reitz, decidió hacer una película por episodios sobre esta crisis y sus significados más profundos. (Cinemateca Portuguesa)

Modus Operandi tomó como punto de partida una lectura atenta de la Colección de Serralves desde sus inicios, con el conjunto de obras adquiridas por la Secretaría de Estado de Cultura incluso antes de la creación de la Fundación Serralves y el Museo, hasta las últimas incorporaciones. Desde el principio, esta Colección tuvo la ambición de incluir formas artísticas de vanguardia, de carácter experimental y de alcance internacional, mirando al mundo desde la especificidad estética y cultural portuguesa de los años posteriores a la Revolución de 1974. También destaca el cruce y la mezcla de disciplinas artísticas como las artes plásticas, música, performance y literatura. Esta exposición reúne una selección de obras que reflejan diversos enfoques experimentales y conceptuales transdisciplinarios que demuestran las actitudes, contextos y preocupaciones de la producción artística desde la década de 1960 hasta la actualidad. El título proviene de la obra homónima del artista estadounidense Joseph Kosuth, perteneciente a la Colección de Arte Contemporáneo del Estado Portugués (Coleção de Arte Contemporânea do Estado-CACE) almacenada en Serralves, que se presenta en la exposición. Modus Operandi apunta a diferentes formas de hacer, de operar, a saber, de hacer y pensar el arte. Es precisamente en este sentido que la presentación, por primera vez, de un portafolio, también del CACE, en el que 30 artistas internacionales rinden homenaje a Joseph Beuys en una demostración de la importancia de su legado en la forma de hacer arte, de su creencia de que el arte puede cambiar el mundo y que todos pueden ser "artistas".

En 2020, el “Festa do Cinema Francês” (Festival de Cine Francés) ha resistido al Covid-19, a pesar de las restricciones sanitarias, constituyendo una hermosa edición de resiliencia, recibiendo a más de 11.000 espectadores que, repartidos en cinco ciudades diferentes, han disfrutado de 54 películas. Este año, el evento tiene lugar en el Teatro Municipal do Porto, del 17 al 23 de octubre, con una selección especial para el público en general y también con las tradicionales sesiones escolares. El programa volverá a traer lo mejor de la cinematografía francesa producida en el último año. Algunas películas irán acompañadas de debates con pensadores franceses y portugueses, enriqueciendo aún más los lazos culturales entre ambos países. Adiós, idiotas”, de Albert Dupontel, la película que abrirá el festival, le hará vivir momentos de gravedad y ligereza con sus tres cautivadores personajes. A través de “El triunfo” de Emmanuel Courcol podrá participar en una formidable aventura humana gracias a un taller de teatro en una prisión. Sumérjase en Emmanuel Mouret y su película “Las cosas que decimos, Las cosas que hacemos” y las diversas historias sentimentales hábilmente construidas. Con “Gagarine” de Fanny Liatard y Jérémy Trouilh, el público joven seguirá a Youri, de 16 años, que siempre quiso ser astronauta, en su lucha por salvar su ciudad.

Los espectáculos de la 32ª edición del FIMP-Festival Internacional de Marionetas do Porto repiensan el arte de los títeres y cuestionan nuestro papel en el mundo. El colectivo Alma d’Arame presenta “O Que o Mundo Precisa é de uma Deusa”, en coproducción con Companhia João García Miguel, creador del texto dramatúrgico inspirado en la “Lisístrata” de Aristófanes y la pregunta: ¿es el sexo un arma? Proponiendo una poética de la alucinación, entre el sueño y la realidad, esta performance-espectáculo convierte a la imaginación en el vehículo para la búsqueda de una nueva conciencia.

El septeto Omniae Ensemble de Pedro Melo Alves se convirtió rápidamente en un referente del jazz portugués. Ganó el Premio de Composición Bernardo Sassetti 2016 y fue incluido en las listas de mejores álbumes del año, gracias a la unión de talentosos músicos con la prodigiosa escritura de un joven compositor. La propuesta que trae a “Outono em Jazz” surgió de una invitación del festival Guimarães Jazz 2020: el septeto se expande a un grupo atípico de 22 músicos, reuniendo nombres que han marcado la actual música improvisada, experimental y erudita contemporánea en Portugal, bajo la dirección del director Pedro Carneiro. Con un álbum a punto de ser lanzado por Clean Feed, este es un lado poderoso de la música de Pedro Melo Alves, un compositor heterodoxo que creó música de acuerdo con las tendencias estilísticamente desterritorializadas del siglo XXI.

En “Violences”, Léa Drouet busca traernos el reverso de las imágenes de violencia dominantes. Considerando que estas imágenes, por su capacidad paralizante, nos impiden de actuar y sentir, intenta introducir movimiento en la identificación preconstruida de personas y situaciones. Sola en el escenario, dentro de un cajón de arena, construye y deshace arquitecturas de paredes, paisajes y fronteras, a través de las cuales evoluciona la narrativa. En una dramaturgia de resonancias, la historia de su abuela Mado, obligada a cruzar la frontera para escapar de la Redada del Velódromo de Invierno de París, resuena en hechos recientes como la historia de Mawda, una niña kurda de dos años que fue asesinada a tiros por un policía belga en 2018, que muestran la violencia contemporánea y las formas de resistirla. Quizás en la fragilidad de los granos de arena se pueda encontrar la fuerza, y no el poder, para recomponer un mundo que asume sus conflictos fuera de un estado de guerra.

Es la libertad holística del clásico trío de jazz lo que se sublima aquí, según la inquietud impresionista de João Lencastre, baterista y compositor con dos décadas de dedicación a la música en escenarios de todo el mundo. Con 15 años de historia, su proyecto Communion ya ha reclutado a instrumentistas como Bill Carrothers, David Binney o Thomas Morgan, y más recientemente Jacob Sacks y Eivind Opsvik, dando como resultado dos álbumes editados por Clean Feed y apreciados por la crítica nacional e internacional. En esta nueva encarnación del trío, Lencastre se encuentra con la escrupulosa expresión geométrica del bajista estadounidense Drew Gress (que ha grabado con gigantes como Uri Caine, Dave Douglas, Marc Copland, John Abercrombie, Steve Lehman o Tim Berne) y con la agilidad exploratoria del pianista argentino Leo Genovese (principal presencia en colectivos liderados por Esperanza Spalding, Joe Lovano, Jack DeJohnette o Sara Serpa).

Tras un gran éxito en Brasil, TIRULLIPA celebra su dosis de Alegría con un gran e innovador espectáculo TIRÚVAC. Hijo del también cómico TIRIRICA, presentará un stand-up comedy repleta de bromas, parodias, imitaciones y doblajes, música, vestuario e improvisaciones. Apto para todo tipo de público, el espectáculo presenta situaciones cotidianas, además de las más divertidas imitaciones de varios personajes, cantantes y celebridades. ¡No deje pasar esta oportunidad!

La primera creación artística del Espaço João Espregueira Mendes (EJEM), en el Museo Futebol Clube do Porto, es la fuente de inspiración de esta actividad, dirigida a todas las edades. A partir de una visita a la exposición temporal 'O Relato', de Fernando José Pereira, en el EJEM, el taller desafía la creatividad de los participantes, que son invitados a 'inventar' un micrófono especial y luego grabar el sonido de las narraciones que hará del gol de talón de Madjer en la victoria del FC Porto en la final de la Copa de Campeones de Europa de la UEFA, en 1987. ¡Al final, todos los sonidos se combinarán en un relato muy original! El taller tiene el sello del Servicio Educativo del Museo FC Porto. La exposición temporal 'O Relato', de Fernando José Pereira, artista de referencia nacional invitado por Miguel von Hafe Pérez, comisario de EJEM, estará abierta hasta el 9 de enero de 2022.

¡Octubre es el mes de la cerveza! ¡En Porto es el mes de la cerveza y la sidra! ¡En pleno centro de Porto, descubra cervezas y sidras artesanales! ¡Un mercado de cerveza y sidra artesanal, que le permitirá conocer a productores portugueses y descubrir algunas de nuestras mejores cervezas y sidras! En un espacio relajado, con todas las comodidades para disfrutar, beber y descubrir lo mejor que se produce en nuestro país. Las salas del Mercure Porto Santa Catarina, llenas de luz y confort, en la emblemática y céntrica Praça da Batalha, albergarán el “Artesanal”, favoreciendo el contacto con visitantes y turistas. Conozca fantásticas cervezas y sidras, ¡hable con los productores! El lugar ideal para beber y comprar cerveza artesanal, por copa y botella. Tapas regionales para acompañar su descubrimiento, en un ambiente guay y relajado, ¡con buena música! Música ambiental de DJ, ¡creando el ambiente perfecto para estar con familiares y amigos!

Los espectáculos de la 32ª edición del Festival Internacional de Marionetas de Porto (FIMP) repiensan el arte de los títeres y cuestionan nuestro papel en el mundo. En “Big Bears Cry Too”, la primera producción de la artista belga Miet Warlop para un público infantil, el escenario es un patio de recreo para criaturas-objetos en busca de su individualidad: un corazón de plástico impaciente e ineficaz, un comprimido gigante con la función incorrecta o un peluche víctima de su propia gracia. Risas y lágrimas pautan un extraño universo que expone nuestra vulnerabilidad.

Marco Paulo, un nombre ineludible en la música portuguesa, una carrera de más de 50 años, una historia de intercambio con el público que hace recuerdos para siempre a partir de melodías. La emoción en cada palabra cantada, la implicación y pasión de la voz que sigue seduciendo a generaciones y públicos rendidos al encanto de Marco Paulo. Desde las habituales canciones como “Eu tenho dois amores”, “Maravilhoso Coração”, “Taras e manias”, pasando por la gran canción “Nossa Senhora” hasta los éxitos más recientes “Como passaram os anos”, “Na hora do Adeus” y "Abraça-me". El inicio de la Gira 2021 comienza en el Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota, en un concierto extraordinario con la voz única y carismática de Marco Paulo, acompañado de una orquesta de músicos excepcionales. ¡Un gran espectáculo que no debe perderse!

La profesora de historia Gabi Teichert (Hannelore Hoger) busca las raíces de la historia alemana. Es mejor estudiar esta historia, si no se quiere ser destruido por ella. Como exige su profesión, Teichert es una firme defensora de la educación y los valores de la Ilustración. En el congreso del Partido Socialdemócrata de Alemania (SPD), en su enseñanza diaria o en su vida privada, aspira al cambio y lucha por una causa por la que vale la pena comprometerse. Pala en mano, excava entre los escombros de la historia, imagen que puede extenderse a toda la obra de Kluge, quien, en una entrevista reciente, se atribuyó a sí mismo el papel de arqueólogo. (Cinemateca Portuguesa)

Fundada en 1937 por Glenn Miller, esta famosa big band nos transporta a la época del contagioso swing de las pistas de baile estadounidenses de los años treinta, y continúa encantando con los grandes éxitos "Moonlight Serenade", "In The Mood", "Tuxedo Junction" y "Chattanooga Choo Choo". Ray McVay dirige a los casi 20 músicos y cantantes talentosos que tienen siempre aforo completo en las salas por donde pasan.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

HAPPY LAMENTO revela claramente la libertad y el radicalismo de Alexander Kluge cuando, muchos años después de su último largometraje, regresa de verdad al cine. Una película que cuenta con la participación del artista y director filipino Khavn de la Cruz, que será co-firmante con Kluge su último largometraje para el cine, Orphea, Reconocemos aquí todo el trabajo de edición ecléctico, los motivos, e incluso las imágenes y sonidos de muchas de sus producciones anteriores. Como él mismo dirá: “Es una película musical peculiar. El núcleo tiene que ver con la luz eléctrica, el circo, la canción Blue Moon y las violentas guerras callejeras entre bandas de niños en el norte de Manila”. (Cinemateca Portuguesa)

Tras Tampere (Finlandia) y la versión digital de Budapest (Hungría), Porto acogerá, en 2021, el WOMEX. Con más de 26 años de historia, WOMEX es uno de los eventos musicales más importantes para los profesionales de la industria musical. Porto será, por tanto, un escenario para el mundo, que acogerá un evento diseñado para el networking de profesionales como, artistas y agentes, editores y periodistas, mánageres y técnicos, conciertos showcase, una feria, un ciclo de conferencias, películas y una ceremonia de entrega de premios que distingue anualmente algunos de los más grandes de la música mundial. Durante 5 días y 5 noches, el más grande encuentro mundial de música del mundo traerá a Porto a más de 2500 profesionales que participarán en los distintos momentos de WOMEX.

Tras el éxito de las dos últimas ediciones, “VAGA - Mostra de Artes e Ideias” regresa al Palácio do Bolhão. Son cuatro fines de semana llenos de teatro, performances, instalaciones, música, conversaciones y cine, en gran parte a cargo de los exalumnos de “ACE Escola de Artes”. Diseñar VAGA es como preparar un encuentro para tanta gente que hay que dar un cambio a la casa. Es abrir las puertas de par en par, poner las habitaciones patas arriba, llenar los asientos de gente. Es ser el punto de encuentro entre los que vienen de lejos, los que vienen de cerca y los que todavía están aquí todavía y por primera vez. Es ser de ahora y desde hace mucho tiempo. Es poder dar la palabra. Es poder unir voces. Es reconocer formas de hablar. Y es perder el hilo de la conversación. Permitir el acceso a las entrañas de una casa que es una escuela y que es una compañía de teatro y que también es un entrar y salir de sueños, expectativas y logros. Dejar la sala llena de preocupaciones, el pasillo lleno de novedades, la maravillosa escalera y las ventanas con historias de los tiempos que vivimos.

La exposición GERMANO ARCHIVO presenta una selección de la vasta colección que Germano Silva donó recientemente al Archivo Histórico Municipal y tiene lugar en un momento en el que el historiador, periodista, bibliófilo y coleccionista celebra su 90 aniversario, marcando el vasto e importante legado que viene construyendo desde hace siete décadas sobre la historia de la ciudad.

La memoria y la democracia son asuntos que han dado la energía a los creadores Eduardo Molina, João Pedro Leal y Marco Mendonça. Después del “Parlamento Elefante”, en “Cordyceps” comienzan con una idea de fin. Estamos en el último día de la democracia y este es el último espectáculo que se ve en libertad. El agente provocador es “cordyceps”, un hongo tan real como el virus que nos ataca en estos días. Este endoparásito, que en la naturaleza infecta a los insectos y los convierte en una especie de zombis, comienza a contaminar a los humanos, entorpeciendo su voluntad y libre albedrío, convirtiéndolos en presa fácil de mentiras y conspiraciones. ¿Ya estamos todos infectados? ¿Qué vendrá después del derrumbe de la democracia? La maleabilidad de la memoria, la manipulación y los universos paralelos nos colocan en esa fina línea entre la verdad y la mentira, en la vida cotidiana y en el teatro, sean o no los autores de “Cordyceps” sus supremos conspiradores. En esta distopía, planeada antes de la pandemia, el colectivo nos devuelve un retrato distorsionado pero verdadero del tiempo que vivimos.

“Über Alles” explora la naturaleza banal y universal del nacionalismo moderno infiltrado en nuestra vida cotidiana en forma de pequeños símbolos y hábitos de lenguaje que definen la idea de “nosotros”. Tomando los himnos nacionales como punto de partida, exploramos la historia y los relatos, elementos de iconografía y sociología. Reflexionamos sobre el papel que desempeñan estas canciones en la construcción de la mitología de la nación y las dinámicas de inclusión y exclusión asociadas a este proceso. ¿Quiénes son los “héroes del mar” que van a levantar “hoy de nuevo el esplendor de Portugal”? ¿Serán “los egregios antepasados” que esclavizaron a naciones enteras los que deberían seguir representando la idea de ser portugués? ¿Quién es, después de todo, parte de este "noble pueblo"? - Carlos Azeredo Mesquita

¡El 31 de octubre, únase a nosotros y celebre Halloween en Immersivus Porto! “Lendas Assombradas” es el taller creativo que proponemos, en alianza con Casa da Imagem, para participar en familia y con amigos. Después de ver el espectáculo Porto Legends, los participantes darán nueva vida a los personajes mediante la construcción de pequeños teatros de luces y sombras.

Un médico joven se siente inútil. Una familia está sentada delante de un ordenador como alrededor de una cocina. Alguien tiene prisa. Una educadora (Jutta Hoffmann) debe entregar a los padres el niño que ha cuidado durante un año. La acogida que recibe es tal que acaba llevando a su hijo con ella. Finalmente, la historia del cineasta ciego. Perdió la vista durante el rodaje y, sin ver nada, hizo su mejor película. Una metáfora poderosa que apela a tantas historias de personajes ciegos contadas por el propio Kluge a lo largo de tantas obras, desde Fritz Lang hasta James Joyce, pasando por el padre ciego de la conversación con Jean-Luc Godard, que abre esta retrospectiva. (Cinemateca Portuguesa)

La banda belga viene a presentar su nuevo álbum “Sand”. Este nuevo trabajo comenzó a escribirse en la última gira de 2019, donde presentaron su aclamado disco “Fever”. El plan había sido lanzar un nuevo álbum poco después de "Fever", pero la gira fue interrumpida por el confinamiento mundial obligatorio, y el grupo tuvo que regresar a casa en Gante. Maarten Devoldre y Jinte Deprez, el dúo que lidera la banda, se ha adaptado a esta nueva realidad afrontando todos los retos de trabajar de forma remota y digital, dejando atrás su forma habitual de trabajar en el estudio. La necesidad es la madre de la invención, y una nueva realidad llevó al dúo a experimentar nuevos caminos musicales para “Sand”. Que resultó ser un álbum emocionante para la banda.

En la noche más aterradora del año, Cinema Passos Manuel despertará a los muertos con la proyección de la película “Re-Animator”, uno de los grandes clásicos de culto del cine de terror de los 80. La película dirigida por Stuart Gordon, con Jeffrey Combs y Bruce Abbott en el elenco, se basa libremente en la obra de H.P. Lovecraft. La historia sigue la búsqueda obsesiva de un estudiante de medicina de una fórmula capaz de devolver la vida a los muertos. Como de costumbre, estas cosas nunca salen muy bien. Antes de la película, para entrar en el espíritu, se proyectarán algunos tráileres que rezuman toda la mística de esta fecha tan marcada por la cultura pop. Después de la película, habrá una fiesta hasta altas horas de la noche, todo en el mismo espacio; la creatividad en la indumentaria no es obligatoria, pero se fomenta.

Después de un año y medio de aislamiento forzoso en casas que tantas veces hemos visto como hospicios, ahora llega el 31 de octubre hora de tratar todos los traumas del confinamiento en una sesión de terapia oficial. El lado más oscuro y siniestro del drum'n'bass está de vuelta en Porto en la noche de Halloween, en una fiesta que traerá al Hard Club nombres como Section 63, aka The Sect, Deck Disorder, Smashed Brain, The Outside Agency, Hostil y Tenebris.