Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna El Museu Nacional Soares dos Reis ha inaugurado la exposición Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna, dedicada exclusivamente y por primera vez en Portugal al esmalte artístico. La exposición es una de las piezas «fundadoras» de la colección del Museo, una serie de 26 placas de esmalte pintadas en el siglo XVI, procedentes del Monasterio de Santa Cruz de Coimbra, para reunir y comparar de forma inédita diversas técnicas de esmalte aplicadas en un suntuoso conjunto de objetos litúrgicos, devocionales y de aparato. Las piezas que se expondrán fueron producidas entre los siglos XII y XIX, especialmente en los talleres de la región de Limoges, reconocidos como los más prestigiosos. Hay varias representaciones de esta singular y exigente técnica de ornamentación como el esmalte. La exposición traerá a Porto varios tesoros nacionales, entre ellos el tríptico de la Pasión de Cristo del Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, una de las piezas de esmalte existentes en nuestro país con mayor reconocimiento internacional. La exposición “Azul e Ouro” también incluye otras piezas de gran prestigio como dos cofres de la Catedral de Viseu, piezas del siglo XII codiciadas por el mercado ilícito de antigüedades, robadas en 1980 y encontradas años después en Milán en una acción conjunta de la Policía Judicial e Interpol, o una placa de encuadernación de finales del siglo XII, principios del siglo XIII, encontrada accidentalmente en una excavación entre Leiria y el Monasterio de Batalha. La última sección de la exposición está dedicada a los resurgimientos, réplicas y falsificaciones que se produjeron a gran escala en toda Europa, a lo largo de los siglos XIX y XX, a encantando y engañando a la mirada de los conservadores de museos y coleccionistas privados en Europa y en los Estados Unidos.

El Museu da Cidade inaugura la exposición “Errata – Uma Revisão Feminista à História do Design Gráfico Português”. Comisariada por Isabel Duarte y Olinda Martins, la muestra se puede visitar en el Vestíbulo del Auditorio de la Biblioteca Municipal Almeida Garrett. Esta exposición busca revisar el papel de la mujer en la historia del diseño. Un proyecto de investigación en desarrollo que pretende dar respuesta a este “olvido” a través de publicaciones, podcasts y presentaciones públicas. La exposición presentará el trabajo de las diseñadoras del siglo XX que están ausentes en la historia del diseño portugués y, al hacerlo, lanzará una mirada crítica sobre los mecanismos aún presentes que consienten y propagan estas omisiones. A partir de la recopilación, documentación y presentación del trabajo de las diseñadoras gráficas, la exposición mostrará mujeres que quedaron al margen de la historia del diseño. Una “errata” para corregir una omisión presente en la historia del Diseño.

"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Carr ha concebido un concepto curatorial que pone especial énfasis en la participación de las personas en el trabajo de Gander y será la primera y exclusiva aclaración de este aspecto en la extensa carrera en solitario del artista. Este enfoque reúne un contexto adicional en el presente, en un momento en el que las relaciones humanas en todo el mundo se están abordando, revaluando y cuestionando y potencialmente renovando. Gander ha adquirido fama internacional por su prolífica producción que se mueve incesantemente entre una multitud de formas de arte, incluyendo escultura, pintura, dibujo, instalación, performance y diseño gráfico. El enfoque ilimitado de la práctica de Gander se refleja en el carácter temático abierto, estratificado y, a menudo, fracturado de su obra, que plantea cuestiones de lenguaje y conocimiento, así como el proprio acto de hacer arte. Muchas de las obras del artista están impregnadas de narrativas que parecen desmentir la apariencia visual de sus obras. Él coloca pistas que invitan a los espectadores a desenredar, descifrar y, en última instancia, a formar sus propias conexiones con lo que se puede ver y lo que se elude, incitando a que se produzca nuestra cognición, percepción y comprensión. Al mapear el carácter colaborativo y comunicativo del trabajo realizado por Gander a lo largo de los años, Other People Place extrae las relaciones humanistas y coloca cuestiones fundamentales en primer plano relativas a nuestra experiencia vivida. La exposición incluye obras que tienen a las personas como tema, moviéndose entre formas de representación claras y abstractas. La exposición presenta artistas y artesanos, así como la familia del artista y cuando el propio artista está representado es a través de la lente de otra persona. En una serie de trabajos inéditos, las formas de comunicación y lenguaje están presentes, lo que sugiere formas de interacción recién descubiertas, pero basadas en las formas de protesta sociales actuales. La red de relaciones que existe entre las personas tanto dentro como entre las obras presentadas en la exposición, incluido usted, el espectador, también entabla otra conversación cuando se dirigen a la galería en sí, señalando su ubicación e historia. Muchas obras son el resultado de conversaciones con los artesanos y fabricantes y su ayuda. Ocupando un edificio histórico en Porto, la galería fue un antiguo lugar de trabajo para los canteros que antiguamente trabajaban en el edificio y continúan operando en otra parte de la ciudad.

La Gran Exposición Serralves em Luz invita a contemplar el patrimonio natural, paisajístico y arquitectónico existente en el Parque de Serralves a través de la experiencia de un concepto creativo basado en un ambicioso juego de la luz. Participe en una programación específica de visitas guiadas en torno a la dinámica de la luz y el color que dan como resultado una narrativa impactante a través de diferentes atmósferas y fuentes de luz que potencian nuevas perspectivas sobre el Parque, en una simbiosis única vivida in loco. Utilizando diversas fuentes de luz, como LED, halógenas, hmi, láser o video, se crean nuevas experiencias visuales y sensoriales que transportan al visitante en diferentes percepciones entre lo real y lo imaginario, construyendo diálogos estáticos o en movimiento, con 24 instalaciones a lo largo de un recorrido de 3km que atraviesa todo el Parque. La introducción de color, sonido y efectos visuales innovadores permite al público vivir el Parque de una manera diferente al habitual. Las instalaciones luminosas transforman el espacio en ambientes inmersivos que nos transportan a las diferentes estaciones del año, que permiten la conexión con diversos elementos naturales del Parque, como el agua y la vegetación, y experimentar, de una forma original, manifestaciones luminosas de la naturaleza como el sol, la luna, los reflejos, el arco iris y otros efectos atmosféricos. El uso de mascarilla es obligatorio.

“Atrás dos Tempos Vêm Tempos” es una canción que Fausto cantó por primera vez en “Madrugada dos Trapeiros”, en 1977, con el aroma de los claveles todavía fresco en la memoria de todos. Casi 20 años después, este título se utilizaría para una antología de su obra. Ahora, se vuelve a utilizar para nombrar un espectáculo poco común. No solo es raro porque Fausto sea parsimonioso relativamente al pisar el escenario, él que siempre ha preferido la reserva a la exhibición, la ausencia en ser el centro de atención. Es raro porque casi todas las veces que Fausto llevaba sus creaciones a los escenarios lo hacía con la idea de que el presente, y no el recuerdo, era lo que merecía su atención. Por lo general, un concierto significaba la exploración del último trabajo, la oportunidad de exhibir en vivo lo que se había creado tan meticulosamente en el estudio. La idea de "grandes éxitos" nunca encontró un gran eco en su mente. Sin embargo, es innegable que, en sus 5 décadas de aclamada carrera, el hombre que remontó un río, saltó más allá de las cordilleras, pisó tierra en llamas y escaló montañas, dejó muchos hitos en su camino. Será a partir de estos hitos que se hará este nuevo espectáculo, en la Casa da Música y en un mundo que ya se espera que sea diferente.

Como ya es tradición, el jazz forma parte de la banda sonora de la Feria del Libro de Porto. El programa del evento vuelve a integrar Porta-Jazz ao Relento, un ciclo de verano organizado por la asociación de músicos de Porto. En su décima edición, la iniciativa presenta, en directo, tres discos editados en 2021 por Carimbo, el sello discográfico de Porta Jazz: 27 ago: Miguel Ângelo - Dança dos Desastrados; 3 set: Demian Cabaud - Otro cielo; 10 set: Puzzle 3 - D. Los tres conciertos comienzan a las 21:30 horas, junto al Lago dos Cavalinhos, en el centro de los Jardines del Palácio de Cristal, con el Duero de fondo.

80 años son historia, misión, tradición y responsabilidad. El 2021 señala el regreso de proyectos que forman parte de la génesis del Coliseu, y la ópera es una de las principales apuestas. El 4 de septiembre se abre la temporada con “Così fan tutte”, de Wolfgang Amadeus Mozart. Tercera y última ópera de la exitosa trilogía de colaboraciones de Mozart con el libretista veneciano Lorenzo da Ponte, tras “Las bodas de Fígaro” en 1786 y “Don Giovanni” en 1787, la trama de “Così fan tutte” (1789) gira en torno a dos parejas jóvenes, inexpertas en los límites entre la fantasía y la realidad: Guglielmo y Ferrando, quienes, manipulados por el cínico D. Alfonso, se ven llevados a apostar por la fidelidad de sus respectivas novias, Fiordiligi y Dorabella. Con Lorenzo da Ponte, Mozart creó tres obras maestras musicales y teatrales, culminando con esta controvertida obra en dos actos, revolucionaria para la época, que proyectó una mirada diferente sobre las relaciones entre hombres y mujeres, pero sobre todo sobre la condición humana. A pesar del título “Così fan tutte, ossia La scuola degli amanti…” (“Así son ellas, es decir, La escuela de los amantes…”), la historia también lanza una mirada crítica sobre la conducta de los personajes masculinos, seduciendo al público con ingeniosas bromas, divertidas ironías y giros novelísticos que se traducen en duras lecciones sobre las profundidades del amor. “Così fan tutte” se presentará en el “Coliseu Porto Ageas” con talentosos cuerpos artísticos nacionales y solistas, que se anunciará próximamente, en coproducción con el “Politécnico do Porto”.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

80 años son historia, misión, tradición y responsabilidad. 2021 marca el regreso de proyectos que forman parte de la génesis del Coliseu, y uno de los aspectos más destacados es el regreso de los icónicos “Concertos Promenade”, en una versión 2.0 pensada para el público hodierno. Introducidos en Portugal por el Coliseu en 2005, en sus distintas temporadas hasta 2014, los “Concertos Promenade” atrajeron a 130 mil espectadores. Ahora vuelven para ofrecer una experiencia lúdica a familias y niños, que todos los meses, los domingos por la mañana, podrán descubrir los secretos y curiosidades de un repertorio ecléctico de conciertos y espectáculos de danza comentados, con la participación de diversas orquestas. En un ambiente informal, explicaremos aspectos y detalles de obras nacionales e internacionales como “Pedro y el lobo” de Prokofiev, “Rhapsody in Blue” de Gershwin, el cuento “A Arca do Tesouro” de Alice Vieira musicado por Eurico Carrapatoso, la “Cenicienta” de Lotte Reiniger, canciones del mundo que se han hecho famosas y otras melodías e historias. Con dirección artística del director Cesário Costa, comentarios en vivo del musicólogo Jorge Castro Ribeiro y un componente multimedia creado por Sara Botelho, el ciclo “Concertos Promenade 2.0” presenta siete espectáculos imperdibles, del 30 de mayo al 19 de diciembre. La mañana del 5 de septiembre, la “Orquestra Clássica do Politécnico do Porto” dará vida a la tercera y última ópera de la exitosa trilogía de las colaboraciones de Mozart con el libretista veneciano Lorenzo da Ponte, después de “Las bodas de Fígaro”, de 1786, y “Don Giovanni”, de 1787. La trama gira en torno a dos parejas jóvenes, inexpertas en los límites entre la fantasía y la realidad: Guglielmo y Ferrando, quienes, manipulados por el cínico D. Alfonso, se ven llevados a apostar por la fidelidad de sus respectivas novias, Fiordiligi y Dorabella. De la obra maestra musical que es “Così fan tutte” (1789), el público podrá escuchar en el Coliseu una selección de las principales arias de esta ópera bufa (nombre que se utiliza para clasificar las óperas cómicas italianas), dirigida por Cesário Costa.

Según JazzLogical, Diogo Alexandre “realizó el mejor concierto en la Festa do Jazz” en 2019, y se destacó como baterista singular y como compositor. Ese año ganó el Prémio Jovens Músicos RTP/Antena 2 (Premio Jóvenes Músicos RTP/Antena 2), y en 2020 ganó el Prémio Músico Revelação RTP/Festa do Jazz (Premio Musico Revelación RTP/Festa do Jazz). Su atrevida forma de tocar el instrumento no pasa desapercibida independientemente del contexto musical. En su grupo, busca extrapolar sus propias composiciones y subvertir los parámetros de la música escrita e improvisada, con un pie dentro y otro fuera, entre el vacío y la forma.

Caetano Veloso vuelve a los escenarios en uno de los formatos predilectos del público: voz y guitarra. El regreso a Portugal está previsto para septiembre con espectáculos los días 1 y 2, en el Coliseu dos Recreios, en Lisboa; el día 5, en el Teatro Municipal da Guarda; y el día 7, en el Coliseu Porto Ageas. Estos conciertos marcan el cierre de una gira europea que pasará por las prestigiosas salas Elbphilharmonie de Hamburgo, el 26 de agosto, Philharmonie de París, el 28 de agosto, y Arena5, en Bruselas, el 30 de agosto.

Romanovsky fue el ganador más joven del Concurso Internacional Busoni y es medallista del Concurso Tchaikovski. Ganó el Concurso Krainev a los 11 años y recibió la Medalla de Honor de la Sociedad Filarmónica de Bolonia a los 15 años, algo que solo lograron Mozart y Rossini. Dedica este recital a uno de los más grandes pianistas de todos los tiempos, Sergei Rachmaninoff, con la integral de sus “Études-Tableaux”, importantes estudios de concierto que exploran los recursos orquestales del piano y han marcado el repertorio del siglo XX. El recital termina con la pasión y el virtuosismo trascendente de la “Sonata No. 2”, una obra que exige al pianista enormes recursos técnicos, pero también una profunda comprensión de su elaborada arquitectura.

La verdad es que últimamente no hemos tenido mucho de qué reírnos, pero la risa vuelve en grande forma con el COMEDY CLUB - que tendrá lugar durante los meses de septiembre y octubre en el “Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota” y que estará en el escenario los mejores de la comedia nacional. ¿Pero por dónde empezar? Nuestra lista es amplia: Fernando Rocha, Eduardo Madeira, Francisco Menezes, Sofia Bernardo, Alexandre Santos, Carlos Vidal y muchos otros… que prometen devolverle el ánimo y la alegría en un total de ocho noches muy especiales. Serán 8 noches de Comedia, donde Fernando Rocha, que no necesita presentación, abrirá este evento el 10 de septiembre, junto con João Dantas, el 15 de septiembre es el turno de Carlos Vidal y Zé Pedro. La semana siguiente, el 22 de septiembre, suben al escenario Alexandre Santos y Joel Ricardo Santos. João Seabra también subirá a este escenario el 29 de septiembre y traerá a Rúben Branco con él, con mucha comedia y buen humor. El mes de octubre empieza con Miguel 7 Estacas y Pedro Neves el 5 de octubre y el día 13 le toca a Francisco Menezes de “jugar” en casa e invitar a Max Coliban a unirse. La semana siguiente, el 18 de octubre, Eduardo Madeira no dejará indiferente a nadie con su buen humor y a ello se une Adriano Moura. Terminamos como empezamos, con nuestro Fernando Rocha que, antes de terminar las noches del “Comedy Club”, viene con Sofia Bernardo para una increíble despedida de noches de mucha diversión y risas.

La banda Cock Robin dirigida por el cantante / compositor y multi instrumentalista Peter Kingsbery, Anna Lacazio, Clive Wright y Lou Molino III, se convirtió en un fenómeno musical internacional a fines de la década de 1980, coincidiendo con el nacimiento de MTV y una nueva era que revolucionó los años 80. La popularidad de la banda continuó creciendo particularmente entre el público europeo, con temas como "When Your Heart Is Weak", "The Promise You Made" y "I Thought You Were On My Side", así como el álbum homónimo "Cock Robin", que logran múltiples premios y un éxito sin precedentes. En 2015, después de la partida de Anna LaCazio, una de las vocalistas de la banda, es de la mano de Peter Kingsbery que Cock Robin renace nuevamente. El proyecto que, a finales del siglo, ya había sobrevivido a la transición de cuarteto a dúo, ahora también tiene la voz de Coralie Vuillemin, ofreciendo un nuevo impulso a la banda que ha conquistado el público por todo el mundo. En 2021, Cock Robin regresa a los escenarios portugueses esta vez con el regreso de Peter Kingsbery al bajo en la presentación de un nuevo álbum de originales titulado "Homo Alien" con un sonido más pop / rock. Un nuevo trabajo que el público portugués puede ver en el Coliseu Porto Ageas, donde habrá muchos éxitos que inmortalizaron a Cock Robin como uno de los grandes nombres de la cultura pop.

Entre el 10 de julio y el 11 de septiembre, la Comissão de Viticultura da Região dos Vinhos Verdes (CVRVV) promueve el Ciclo Cinema na Vinha con sesiones que invitan a ver películas portuguesas y extranjeras con vino Vinho Verde. Bajo el lema “A Viagem” (El viaje), el Ciclo propone diferentes formas de interpretar el concepto de “viaje”, abordando la relación entre espacio y tiempo, en una expedición cinematográfica a través de cinco momentos de evasión. Comisariado por Daniel Ribas y Rita Morais, el ciclo Cinema na Vinha lleva alrededor de una docena de películas a Porto, la Casa do Vinho Verde acoge cine en el jardín. Las sesiones comienzan a las 20:30 horas y están limitadas a un máximo de 50 personas. Los boletos están disponibles en www.vinhoverde.pt o a través de la Casa do Vinho Verde. Julio Día 10 - “Viajo porque preciso, volto porque te amo” (Marcelo Gomes, Karim Ainouz) Día 16 - "First Cow" (Kelly Reichardt) Agosto Día 14 - “Los espigadores y la espigadora” (Agnès Varda) Día 21 - "Cemetery of Splendour" (Apichatpong Weerasethakul) Septiembre Día 11 - "Tabú" (Miguel Gomes)

La inconfundible voz de José Cid se conjuga con el encanto y la tradición de 184 años de historia de la Banda Marcial de Gueifães. "Nuestra BANDA y una VOZ única, juntas para recuperar la música, la poesía y la canción portuguesa ... ¡Para homenajear a lo mejor que nuestra cultura tiene!" BMG.

En mayo de 1927, George Enescu visitó la ciudad de Porto, invitado por la sociedad de conciertos “Orpheon Portuense”, para dar dos recitales en colaboración con Luiz Costa. Este recital conmemora la presencia en Porto de la mayor figura de la música rumana, a través de importantes obras de música para piano de ambos países. El programa incluye piezas portuguesas de inspiración impresionista y incluye algunos compositores rumanos, y termina con una obra de juventud de Enescu que conquistó a grandes franceses como Debussy, d'Indy y Lalo. Al piano estará Constantin Sandu, pianista rumano residente en Portugal, poseedor de varios premios internacionales y ampliamente elogiado por su trayectoria como concertista.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

El coreógrafo y bailarín Filipe Pereira presenta “Arranjo Floral” (Arreglo floral), una conferencia-performance sobre un artista nacido en Fátima, entre grandes procesiones, arreglos florales y tiendas de recuerdos religiosos. Un viaje que nos lleva a través de una biografía que va de la fe al ateísmo, de la virginidad al despertar sexual, del arte de las flores al arte de la danza y viceversa. Acompañado de flores, coreografías e historias, el coreógrafo propone una reflexión sobre cuánto de nuestro pasado está en todo lo que hacemos, cuánto de nuestro destino está escrito y cuánto está en nuestras manos.

There is an unsettling and enchanting visceral quality in BITCHO. A hybrid being that swallows its own mutant condition and expels it in bardic and shamanic spasms. There is an aggregative and metamorphic universality in BITCHO. A beast that is people, in-between harshness and fragility, between sensuality and disgust, between words and images from another time-today. Ancestry turned into an encounter in the middle of the path of all paths. Tracks turned into a fragmented and united body. There is a BITCHO that channels murmurs and ecstasies. As if they were skin. As if they were flesh. As if they were bone. There is a bone that frightens the soul and wakes it with a scare. A humanoid, mestizo, nomadic bone that moves from being to being and prepares for a war. There is something that is before artifice, shaped intelligence – Gisela Leal

En su motete “Si bene perpendi”, el compositor renacentista Orlando di Lasso dice algo como: “Si no me equivoco, hay cinco razones para beber: la llegada de un invitado, la sed actual, la sed que está por llegar, la excelencia del vino, la preservación de los derechos individuales y la conciencia de la reproducción de pulgas”. Lassus Grand Cru es un concierto con vinos adecuados a la música que se tocará. O tal vez ... una cata de vinos con música pensada para sus aromas y sabores. Las composiciones proceden del Renacimiento y están firmadas por Orlando di Lasso y otros artistas sus contemporáneos. En el escenario está el galardonado ensamble Zefiro Torna, conocido por dar vida a la herencia cultural medieval, renacentista y barroca de una manera absolutamente original, favoreciendo las intersecciones de diferentes tradiciones musicales con otras artes, ciencias y filosofía.

El origen de Scolari se remonta a mediados de 2019, entre invitaciones a improvisadas jams, cervezas en mano y un entusiasmo generalizado por mezclar jazz, noise y drone en el estudio, con todas las posibilidades y libertades técnico-tácticas que existen entre medio. SCOLARI es António M. Silva (Sal Grosso, Peak Bleak), Bruno Pereira (Aires, Shikabala, Peak Bleak) y Luís Vicente en un diálogo claramente exploratorio basado en ideas y conceptos comunes al trío, como ruido / silencio, abstracto / concreto, melódico / disonante, amargo / dulce. Recientemente ha editado un split con Larmschütz en el sello discográfico holandés Faux Amis, y este debut en Porto servirá como presentación de su álbum debut “Mata-Mata”.

Una de las ferias más emblemáticas de la ciudad, se destina exclusivamente a la venta de objetos usados, en particular, ropa, vajilla, muebles y artículos decorativos, discos, libros, aparatos eléctricos y / o electrónicos, utensilios para el hogar y herramientas de trabajo. Ubicación: Avenida 25 de abril

El concepto 'neobabilonios' fue desarrollado por Guy Debord, Constant Nieuwenhuys, Har Oudejans y Pinot-Gallizio del proyecto situacionista, New Babylon, y está relacionado con algunas de las ideas fundamentales que hicieron surgir el movimiento, como la psicogeografía, la deriva, el urbanismo unitario. Es a partir de este concepto que el artista y comisario Pedro G. Romero propone a la Galeria Municipal do Porto un ejercicio de cuestionamiento de nuestra percepción de la vida de grupos nómadas, gitanos, flamencos y exiliados libertarios. La exposición constituye un análisis del campo sensible de estas maneras de vivir con especial atención a su desplazamiento por América, África y otros archipiélagos atlánticos. La ciudad de Porto actúa como una geografía de partida para indagar sobre rutas, flujos y derivas de estos "neobabilonios" a partir del contexto portugués y sus territorios fronterizos.

Una varita rota pierde toda su magia. O tal vez no… Depende de quién la use, dicen algunos; ni eso, dicen otros. Para acabar con estas dudas, ¡estamos seguros de que el auditorio del Museo Futebol Clube do Porto es el lugar indicado! Bajo la ingeniosa y performativa batuta de Rui Ramos, esta es otra “História com Magia para Dragõezinhos” dirigida a los niños, pero sin olvidar a los mayores… El evento está pensado para la participación en familia, ya que, en este universo de encantamiento, ¡hasta los adultos se lo pasan en grande!

El vino se disfruta y celebra junto con este otro gran placer, la música. En el programa de este concierto, obras de tres grandes compositores austriacos evocan esta conexión de diferentes maneras. Partiendo de una obertura festiva, con un famoso vals de Johann Strauss II, el punto de llegada es “La canción de la tierra”, una de las creaciones más originales y fascinantes de Mahler. Escrita en los últimos años de su vida e inédita en el momento de su muerte, la obra se enmarca entre los géneros de la sinfonía y de la canción orquestal y toma como punto de salida textos derivados de la poesía china, a la que Mahler sirve con una orquestación especialmente imaginativa y refinada. La Orquestra Sinfónica también interpreta el raro y muy original “Der Wein”, en el que Alban Berg combina la herencia de Mahler, el dodecafonismo y una variedad expresiva profundamente ecléctica.

En su sexta edición, MEXE se propone a “reinventar la manera de estar juntos para vivir el riesgo de volver a ser humanos”. El Encuentro Internacional de Arte y Comunidad está de vuelta a la ciudad y al Teatro Carlos Alberto, eligiendo el “riesgo” como tema. Una idea que incluye “Paisajes Para No Colorear” de la compañía chilena La Re-Sentida, espectáculo que resultó de un largo proceso de recogida de testimonios de más de cien niñas víctimas de actos de violencia. En el escenario, nueve adolescentes chilenas utilizan casos reales para interpretar el mundo y la brutalidad que han presenciado o vivido. Crean el retrato de una sociedad que ha interiorizado y normalizado la violencia de género, buscando superar las injusticias y desigualdades en una revolución cultural sin precedentes. Bajo dirección de Marco Layera, estos “Paisajes Para No Colorear” se completan con “Tenemos Mucho que Decir”, un taller donde el colectivo La Re-Sentida propone explorar los mundos subjetivos de cada participante, sus vivencias inmediatas, referentes, inquietudes, necesidades e imaginaciones. ¿Objetivo? Descubrir, a través de expresiones teatrales, un apoyo a la manifestación social e ideológica que se pueda traducir en un aporte efectivo al grupo de participantes y a la comunidad donde actúan.

“Es con alegría y preocupación que afronto este concierto, feliz con nuestro reencuentro y preocupado por la responsabilidad de una presentación en el Coliseu Porto Ageas. Vamos a presentar el 20-20-20 completo con una cuidada escenografía y algunos extras más… Cuento con vosotros para que participéis y nos ayudéis, como siempre, a pasar una velada inolvidable en una sala tan importante como esta. ¡Que tengáis un buen concierto!”

Pandemic nos lleva a un estado de grado cero para enfrentar la fragilidad y la finitud del cuerpo, de la enfermedad y la cordura, y de las luchas humanas arraigadas en el mundo y en la naturaleza. Esta exposición es el resultado de una invitación de la Galeria Municipal do Porto al artista Filipe Marques para cuestionar conceptos virales. En su trabajo, el artista parte de la poética apocalíptica para conducirnos, como espectadores, a un aprendizaje de la impotencia de la condición humana y un intento de controlar las contaminaciones invisibles o los equilibrios de fuerzas y resistencias. El trabajo de Filipe Marques, que estudió en Portugal y Alemania, se desarrolla a partir de las teorías de los filósofos y escritores modernos de la Antigüedad clásica, en un intento por comprender la Humanidad y la construcción de un Dios. Utiliza mecanismos anacrónicos con imágenes de personas y lugares, recreando urbanidades en ruinas y museografías saqueadas, y revisitando metáforas sobre fracasos y autodestrucciones de las que, como artista, no quiere escapar.

Encuentro en el bosque Todos hemos experimentado un bosque. Basta pensar en el aire que respiramos, la paz y la tranquilidad que nos da, la sombra que proporciona, la silla en la que nos sentamos, el libro que leemos y muchos otros ejemplos. Seguir disfrutando de todos sus beneficios requiere conocerlo en sus diversas dimensiones y respetar su forma de expresarse y comunicarse. La visita taller a la exposición “A Floresta”, nos brinda con un viaje de exploración e interacción con los diversos elementos que caracterizan a los ecosistemas forestales y las relaciones que establecen entre sí. Inscripción obligatoria a a.silva@serralves.pt, hasta las 17:00 horas del viernes anterior. Aforo: 14 personas

“De Volta à Praça” (De vuelta a la plaza) es el proyecto saltimbanqui que une el Teatro Nacional São João con el Coliseu Porto Ageas, involucrando también a varios municipios de la región norte. Tres espectáculos, el Circo de Coliseu do Porto y dos proyectos más o menos circenses de compañías de la ciudad coproducidos por el TNSJ, se presentan en Porto, que circolando por Terras de Basto, Arcos de Valdevez, Marco de Canaveses, Cinfães, Paços. de Ferreira y Santo Tirso, para finalmente volver a las plazas de Porto, al inicio de una nueva temporada. La Companhia Erva Daninha presenta “Rasto”, un espectáculo entre la danza y la acrobacia, que utiliza la osadía de un tractor como elemento escenográfico, en una presentación que piensa en la relación entre el cuerpo y la máquina, pero también la forma en que lo rural y lo urbano están indisolublemente ligados. Los espectáculos estarán acompañados de talleres de circo y títeres, diseñados para explorar las narrativas y tradiciones orales de cada una de las tierras de este proyecto itinerante.

El Coliseu Porto Ageas acoge el concierto conmemorativo de los 500 años del primer viaje de circunnavegación. Un concierto que reúne en el escenario a los portugueses Os Músicos do Tejo y a los españoles Música Antigua en una aventura musical, con la dirección musical de Os Músicos do Tejo y Eduardo Paniagua, músico y especialista en música antigua medieval. Este concierto también cuenta con la participación del cantante de fado Marco Oliveira. El repertorio del concierto incluye obras que Fernão de Magalhães (Fernando de Magallanes) y sus marineros habrán escuchado en sus viajes por mares y puertos, sobre estrellas, héroes, amores y nostalgias, de los “villancicos” y romances de cancioneros hispánicos de finales del siglo XV y principios del siglo XVI. Canciones que narran con emoción la gran aventura marítima que cambió para siempre la percepción del mundo, los actos heroicos de los marineros que la realizaron por los puertos y mares que atravesaron. Un espectáculo comentado, con presentación y contextualización histórica de Juan Marchena, que conmemora el viaje promovido por la Corona de España y comandado por el navegante portugués Fernão de Magalhães (1480-1521), nombrado por Carlos I, con el objetivo de encontrar una nueva ruta a las Islas de las Especias. Con un fuerte componente multimedia de Miguel Osório / La Valise d'Images, el espectáculo que llega ahora al Coliseu Porto Ageas es distinto y original. Una coproducción con Transiberia Productions, en colaboración con la Estrutura de Missão do V Centenário da Primeira Viagem de Circum-Navegação, y con la dirección artística de Carlos Gomes.

João Gil lleva el espectáculo “Caixa de Luz” a Porto para una residencia de 5 días en la Sala 2 de la Casa da Música e invita a Tatanka, Tiago Nacarato, Pedro Abrunhosa, Vozes da Rádio y Maria Mendes y Miguel Araújo a unirse a él en el escenario, del 22 al 26 de septiembre, respectivamente. Firmado por João Gil, “Caixa de Luz” es mucho más que un concierto que cuenta con diferentes invitados cada noche. “Caixa de Luz” es también una experiencia visual, en la que la artista plástica Ana Mesquita firma la escenografía, habiendo creado cerca de un centenar de imágenes y vídeos inspirados en la obra del músico, y ayudando a crear, como su nombre indica, una “Caixa de Luz” que ilumina las fronteras habitualmente erigidas entre artista y público. En resumen, “Caixa de Luz” es un recorrido por el cancionero de João Gil, uno de los compositores más prolíficos de la historia de la música portuguesa en las últimas décadas, que se ha ido descubriendo cada vez más como intérprete, como podemos escuchar en sus últimos sencillos, “O Exacto Oposto”, “A Marcha da Polícia”, “Quântica” y el más reciente “Dedo do Meio”.

El descrédito en la vida política, el alejamiento de lo sensible y de los cuerpos, el poder reforzado de la tecnología, las emergencias climáticas, la desorientación social y el vaciamiento del espacio público disputan la vida cotidiana de las ciudades. En su sexta edición, MEXE - Encuentro Internacional de Arte y Comunidad se centra en el tema “El riesgo”, aceptándolo como parte de la vida, asumiéndolo como esencial para la creación artística. El espectáculo “Classe do Jaime” concreta este deseo de arriesgarse en el cruce de mundos que muchas veces nos parecen lejanos. En la región de Santarém, punto de partida de esta creación, en el lenguaje típico de Minde, no hay palabra para “Danza”, pero para “baile” hay dos: “O-do-Barreiro” y “Classe do Jaime”. Se trata de una obra en pareja, basada en los bailes tradicionales “Serra De Aire” y “Serra dos Candeeiros. Una bailarina y un músico van al encuentro con varios grupos para una práctica continua de este tipo de repertorio. Bajo la superficie de la obra se han hecho preguntas que piden a la composición de temas como el género, el erotismo y el peso. ¿Qué pregunta la danza tradicional a la danza contemporánea?

UMWELT, pensada como un contexto con sus propias reglas, emplea una perspicaz puesta en escena que utiliza puertas y espejos, aberturas y cierres, que estructuran nuestra visión fugaz. En este marco vibrante, hecho posible por el sonido amplificado de tres guitarras, los cuerpos en movimiento se mueven hacia adelante y hacia atrás, aparecen, desaparecen y se embarcan en instantes de la vida cotidiana. Pueden blandir un objeto, abrazar, caminar, comer o desaparecer. La máquina comienza a descontrolarse gradualmente, deja de funcionar, se repite y vuelve a ponerse en marcha. Los diversos cuerpos del espacio se separan y se repiten en el límite de su propia existencia. UMWELT vacía el futuro de nuestro medio ambiente en toda su vanidad y fragilidad.

¿Quién no reconoce la delicada flauta que hace despuntar la “Mañana” de Peer Gynt? ¿O la “En la gruta del rey de la montaña”, que evoca a los troles del imaginario popular nórdico y que tantas veces ha aparecido en el cine y la televisión? Ambos forman parte de la música incidental que el noruego Edvard Grieg compuso para la obra de teatro de Ibsen, cuyos momentos más memorables conforman las dos suites presentadas en este programa. La obra de Sibelius también está incluida en el programa. La serena “Sinfonía nº 6”, en la que se vislumbra un aprecio por la depuración del estilo de Palestrina, su autor se ha recordado “el aroma de las primeras nieves”. El arte orquestal del compositor finlandés se ilustra además en uno de sus poemas sinfónicos más notorios, “En Saga”, considerado por él como su obra más profunda, que contiene toda su juventud.

La Orquestra Barroca se entrega al vino ... O mejor: se entrega a la música con las más variadas referencias a esta bebida con miles de años de historia. Ya sea una escena de Purcell protagonizada por un poeta borracho o una suite de Marais centrada en los amores de Baco, el dios del vino. Los placeres de otra bebida, el café, se evocan con extractos de una cantata cómica de Bach. La segunda parte del concierto está dedicada al oratorio de “Belshazzar” de Händel, basado en el relato bíblico de la caída de Babilonia y la liberación de los judíos. Entre los extractos presentados se encuentra un festín con grandes cantidades de vino promovido por Baltasar, el rey de Babilonia.

Ya sea de pie, sentado o tumbado, siempre es bueno vivir un momento de celebración. Y al acercarse el 128º aniversario del Futebol Clube do Porto y los 8 años del Museo Futebol Clube do Porto, que se celebran el 28 de septiembre, vamos a anticipar la alegría de una fecha tan feliz en un taller pedagógico y divertido, donde la creatividad de cada participante es la clave de todas las sonrisas de felicidad. Con la ayuda de los adultos y usando las técnicas y materiales ciertos, los niños crearán figuras que interpretarán la celebración de un momento memorable y alegre, como una victoria o un logro, por ejemplo.

En el día del 8 aniversario del Museo Futebol Clube do Porto y los 128 años del Futebol Clube do Porto, la exposición temporal 'O Relato', de Fernando José Pereira, se lanza en un desafío a la creatividad, a través de este taller abierto y perfecto para participar en familia y sin límite de edad. Después de una visita al Espaço João Espregueira Mendes (EJEM), la capacidad artística de los participantes se destacará en creaciones que, de alguna manera, buscarán inspiración en la torre de iluminación que constituye el último vestigio del Estádio das Antas aún superviviente en el terreno donde se encontraba el antiguo escenario de las emociones del FC Porto. La exposición temporal 'O Relato', de Fernando José Pereira, artista de referencia nacional invitado por Miguel von Hafe Pérez, comisario de EJEM, estará abierta hasta el 9 de enero de 2022.

El 8º aniversario del Museo FC Porto se celebra con una programación ineludible. La sorpresa forma parte de la fiesta, pero diversión, cultura e historia se cruzarán en este día tan importante, que también celebra los 128 años del FC Porto. Esté atento a más novedades sobre la celebración y el entretenimiento que hemos preparado para usted y descubra lo especial que será visitar el Museo ¡en este día feliz! Compre su entrada en nuestras Oficinas de Turismo o en nuestra plataforma online.

Beatriz Felício se enamoró del fado cuando escuchó a Amália Rodrigues a cantar en la televisión, tenía 7 años. Recibió enseñanzas de sus mayores, en casas de fado, y eligió a sus grandes referentes: Amália, Fernanda Maria, Teresa Tarouca, Lucília do Carmo, Ana Moura y Carminho. Hoy canta en casas como Mesa de Frades, Parreirinha de Alfama, Casa de Linhares - Bacalhau de Molho, Fado Menor, etc. Ha participado en programas de televisión como Uma Canção Para Ti, Grande Prémio do Fado y The Voice Portugal, y también en Festival da Canção RTP, en 2017. A los 22 años, canta con la frescura de una voz joven enraizada en la tradición.

Para explorar las diversas formas de mal, un grupo que se hunde en un mar de papel se convierte en un coro colocado en una tribuna. El título de esta obra de Marlene Freitas hace varias referencias a la ambivalencia del mal. El mal puede referirse a inquietud, malestar, dolor, sufrimiento, agonía, pena, tormento, vacío, horror y también el mal. Sin embargo, la “Embriaguez Divina” posiciona el mal como un estado de alucinación divina, de éxtasis dionisíaco. El mal adopta muchas formas. Aparece como fuerza determinante en un gran número de historias, y el teatro ha sido durante mucho tiempo un contexto en el que se revela y se expone. Para algunos, la experiencia del abismo del mal es un requisito previo para el arte. George Bataille coloca el mal y el arte en estrecha proximidad, como dos fuerzas que se oponen a un mundo lícito de cálculo racional. Percibe a los niños como seres comprometidos con el mal, rebelándose contra un mundo adulto de convenciones inhibidoras. La exaltación Divina como insurrección transformadora del Mal contra el Bien, invitando a romper con el orden, a escapar de las normalizaciones y a desviarse del guión.

Lara Martins fue una de las principales estrellas del musical “El Fantasma de la Ópera”, en el mítico West End de Londres, ciudad donde desarrolló su educación musical. Con un repertorio muy amplio, se ha ganado excelentes elogios de la crítica y varios premios. En este recital presentará su primer álbum debut en solitario, “Canção”, una búsqueda a ambos lados del Atlántico tamizada por los ritmos del tango, el fado, la música brasileña y las canciones de jazz clásico contemporáneas del pianista y compositor Daniel Bernardes. Rindiendo homenaje a la cultura musical iberoamericana, Lara Martins propone un diálogo entre las influencias clásicas y populares de los últimos 100 años.