Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Algunas personas pueden asociar al barro, la alfarería y la cerámica con la tradición y la tradición con el pasado. Algunos podrán asociar la tecnología, la comunicación digital y las bases de datos con lo nuevo y lo nuevo con el futuro. ¿Y si el futuro es una tecnología tan antigua y peculiar como el barro? ¿Y si, entonces, el barro es un material que se autorrenueva permanentemente y da al tiempo sus configuraciones impredecibles? ¿Y si el barro es el futuro y el futuro es el barro? ¿Y si los pies de barro solo revelan vulnerabilidad porque el resto del cuerpo está hecho de un material diferente? ¿Y si los pies de barro realmente arraigan a las personas en la tierra, conectándolas a través del mismo material? ¿Y si los pies de barro son una forma de establecer una comunicación postecnológica, que no requiere redes ni cables? ¿Sólo nuestros muchos, uno, dos, ocho, veinte pies y alguno barro? Estas son algunas de las preguntas y enigmas que las comisarias Chus Martínez (comisaria, historiadora del arte, escritora y directora del Art Institute de la FHNW Academy of Art and Design Basel) y Filipa Ramos (escritora, comisaria de la sección de cine Art Basel y una de las comisarias de la última edición del Fórum do Futuro) han puesto en relieve al reunir a un grupo de artistas que utilizan el barro, la alfarería y la cerámica para imaginar, proyectar y dar forma al mundo en que viven.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.

Feria urbana que tiene como objetivo contribuir para mantener el carácter típico y pintoresco de la antigua venta callejera, integrada en la estrategia de entretenimiento de la ciudad. Aquí se venden toallas/mantelería y otros productos para la promoción turística de la ciudad.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

Conocer la Historia de la Danza en Portugal, hoy, implica pensar hoy en un espacio global, cruzado y en relación. La dimensión histórica, social y política convocada en el proyecto expositivo Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal (Para una línea de tiempo existir, genealogías de la danza como práctica artística en Portugal) que presentamos en los Vestíbulos del Auditorio de Serralves, integrada en la VI Edición del Festival DDD, seguramente contribuirá a nosotros hacerlo, a profundizar nuestro conocimiento en este campo. A partir de una reflexión sobre el presente, el equipo que creó la exposición construyó una compleja metodología histórica y artística que la llevó a una investigación profunda y multidisciplinar, siempre en marcha, sobre los procesos creativos, filosóficos y simbólicos que marcaron la Danza en el siglo XX y principios del siglo XXI, en el país. Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal es un ejercicio colectivo de señalización de hitos relacionados con el desarrollo y la difusión de la danza como práctica artística en Portugal en los siglos XX y XXI. Desarrollada de forma intermitente desde 2016 y asumiendo el presente como lugar de enunciación, cada edición sufre mutaciones que conducen a una reconfiguración física y metodológica de lo que es exhibido. Combina las fuentes bibliográficas con la escucha de testimonios, la recopilación de documentos originales con la investigación iconográfica, el diseño de narrativas y relaciones, buscando crear un lugar múltiple para la comprensión de lo que es o puede ser la danza, y proponiendo una familiaridad con las obras, los autores “cánones”, corporalidades, épocas y visiones del mundo, cuestionándolos estética y políticamente.

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Hasta el 1 de agosto, el Museu Nacional de Soares dos Reis acoge la exposición temporal “José Régio: [Re]visitações à Torre de Marfim”, una propuesta de los Ayuntamientos de Vila do Conde y de Portalegre, en el contexto del grupo de trabajo nacional estructurado en virtud de la evocación del 50 aniversario de la muerte de José Régio, que se celebró en 2019. Dibujos de carácter íntimo, referencias de la imaginación del poeta, diseñados en tinta china, acuarela, lápices de colores y cera pigmentada, consolidando el trazo previo en grafito, marcan el manuscrito del autor, a veces incluido en la composición del poema, a veces anticipándolo o sucediéndolo, materializando la fugaz impresión que parecía eludirle.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Carr ha concebido un concepto curatorial que pone especial énfasis en la participación de las personas en el trabajo de Gander y será la primera y exclusiva aclaración de este aspecto en la extensa carrera en solitario del artista. Este enfoque reúne un contexto adicional en el presente, en un momento en el que las relaciones humanas en todo el mundo se están abordando, revaluando y cuestionando y potencialmente renovando. Gander ha adquirido fama internacional por su prolífica producción que se mueve incesantemente entre una multitud de formas de arte, incluyendo escultura, pintura, dibujo, instalación, performance y diseño gráfico. El enfoque ilimitado de la práctica de Gander se refleja en el carácter temático abierto, estratificado y, a menudo, fracturado de su obra, que plantea cuestiones de lenguaje y conocimiento, así como el proprio acto de hacer arte. Muchas de las obras del artista están impregnadas de narrativas que parecen desmentir la apariencia visual de sus obras. Él coloca pistas que invitan a los espectadores a desenredar, descifrar y, en última instancia, a formar sus propias conexiones con lo que se puede ver y lo que se elude, incitando a que se produzca nuestra cognición, percepción y comprensión. Al mapear el carácter colaborativo y comunicativo del trabajo realizado por Gander a lo largo de los años, Other People Place extrae las relaciones humanistas y coloca cuestiones fundamentales en primer plano relativas a nuestra experiencia vivida. La exposición incluye obras que tienen a las personas como tema, moviéndose entre formas de representación claras y abstractas. La exposición presenta artistas y artesanos, así como la familia del artista y cuando el propio artista está representado es a través de la lente de otra persona. En una serie de trabajos inéditos, las formas de comunicación y lenguaje están presentes, lo que sugiere formas de interacción recién descubiertas, pero basadas en las formas de protesta sociales actuales. La red de relaciones que existe entre las personas tanto dentro como entre las obras presentadas en la exposición, incluido usted, el espectador, también entabla otra conversación cuando se dirigen a la galería en sí, señalando su ubicación e historia. Muchas obras son el resultado de conversaciones con los artesanos y fabricantes y su ayuda. Ocupando un edificio histórico en Porto, la galería fue un antiguo lugar de trabajo para los canteros que antiguamente trabajaban en el edificio y continúan operando en otra parte de la ciudad.

Theritch es un personaje enigmático en constante cambio. Maestro en diseño, desarrolla un lenguaje propio que representa la culminación de sus experiencias personales y profesionales alrededor del mundo. La creación de caracteres únicos que identifican cada letra del alfabeto latino es la esencia de la identidad de su lenguaje. Al incentivar al espectador a hacer un ejercicio de decodificación, su lenguaje pasa a tener una connotación literaria inherente al concepto abordado. El futuro (del latín: futurus) es el intervalo de tiempo que comienza después del presente y no tiene un final definido. Referente a algo que sucederá, el futuro es el estado que se usa en la mecánica clásica para decir algo que aún está por venir.

¿El significado de esta sentencia divina continúa siendo oscuro para ti? Sobre la novela O Duelo [El Duelo] (1811), de Heinrich von Kleist, que tradujo y ahora adaptó para la puesta en escena de Carlos Pimenta, dice Maria Filomena Molder: “Ni clásico ni romántico, Kleist es el primer moderno entre los poetas alemanes”. Uno de los autores predilectos de Kafka, pero rechazado por Goethe y Hegel, que repudiaron su “teatro invisible”, Kleist creó una obra que no se adaptaba a su tiempo y sus leyes. Una historia romántica con un contorno policiaco ambientada a finales del siglo XIV, en O Duelo el honor y la sinceridad del triángulo de protagonistas parece decidir en el enfrentamiento que le da título, donde el juicio de Dios dará el triunfo a la espada que defienda la verdad. Pero nada es lo que parece, ni Dios es tan preciso como podría esperarse. Obra de teatro sobre el cálculo y el azar, el fracaso y el éxito, regida por el vértigo de una justicia poética y guiada por la voz y el cuerpo del actor Miguel Loureiro. Al final de O Duelo, Maria Filomena Molder, José Bragança de Miranda y José Gomes Pinto reflexionan sobre el potencial de este texto para iluminar la vida contemporánea en la conferencia Kleist: o(s) sentido(s) da justiça.

Escapando del foco de atención y actuando en tierra, el Circo Aïtal es una pareja: Victor y Kati. Tumbados en el suelo, chillando y gritando por la vida, se funden con los ritmos y el polvo, respirando gasolina, entre los perros, pasando de la risa a las lágrimas, encontrando la muerte, siempre en la carretera, dentro del coche, tristes, felices ... Pour le meilleur et pour le pire (En la prosperidad y en la adversidad) cuenta la historia de dos artistas inmersos en la poesía, el rocanrol y el humor. Se trata de la vida en pareja y expone el estilo de vida circense. La radio del coche está tocando mientras comparten su intimidad y su extraordinaria relación con el público. Realizando increíbles acrobacias cuerpo a cuerpo, juegos de Ícaro, hazañas aéreas, números de equilibrismo, etc., Víctor y Kati, juntos en el escenario, presentan su propia visión del circo. Pour le meilleur et pour le pire es un espectáculo de circo fuerte y fascinante que promete atacar lo mejor y lo peor de la naturaleza humana.

El director de orquesta venezolano Carlos Izcaray dirige un programa íntegramente dedicado al continente americano. Si el argentino Alberto Ginastera nos trae la nostalgia de las grandes melodías enriquecidas por el virtuosismo orquestal, ya el mexicano Silvestre Revueltas se centra en los ritmos de la danza caribeña, con un lenguaje atractivo y bienhumorado que ha creado comparaciones con Stravinski. El compositor ruso, a su vez, vivió en Estados Unidos durante tres décadas y escribió el concierto Dumbarton Oaks para el trigésimo aniversario de boda de los Bliss, una de las parejas filantrópicas más famosas de la historia del país. Un concierto lleno de grandes solos para los más diversos instrumentos de la orquesta y donde el componente rítmico tiene un efecto verdaderamente contagioso.

Venta de productos de agricultura biológica.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

Creada en 2018 dentro de Arte no Tempo, el ars ad hoc pretende ser un espacio de interpretación y difusión de la gran música de cámara, con altos estándares de exigencia. Iniciando su colaboración con la Fundación Serralves, ars ad hoc propone un adelanto del futuro, presentando un programa repleto de obras creadas en el siglo XXI, tres de las cuales fueron escritas en el último año para el propio grupo. Este es el caso de Studies for figures and forms de João Carlos Pinto, aquí en preestreno, pero también de Adagio & Beethovenfest de Kristine Tjøgersen, y Kreise de Ricardo Ribeiro, ambas estrenadas en la bienal Aveiro_Síntese y compuestas para el ars ad hoc. Ambos residentes en Berlín, el danés Simon Steen-Andersen será el compositor destacado en la temporada 2021/22 de ars ad hoc y la británica Joanna Bailie será la invitada de la bienal Aveiro_Síntese de 2022.

La KISMIF Conference y Summer School proporciona un foro único en el que los participantes debaten y comparten información sobre culturas underground y prácticas de bricolaje (DIY [Do-it-Yourself]). Se centra en las prácticas culturales que se utilizan para enfrentar formas de producción, creación y de mediación cultural más masivas y estandarizadas, destacando las “artes de hacer” cotidianas. Actualmente es el único congreso en el mundo que analiza la teoría y la práctica de las escenas underground y las culturas del bricolaje como formas culturales y artísticas cada vez más significativas del enfrentamiento del cambio social global. La KISMIF tiene una posición interdisciplinaria, por lo que el programa de la edición 2021, bajo el lema DIY Cultures and Global Challenges. Comprende conciertos, documentales, exposiciones y conferencias y lanzamiento de libros, cuyo objetivo es debatir no solo la música, sino otros campos artísticos, como el cine y el vídeo, el grafiti y el arte urbano, el teatro y las artes escénicas, la literatura y la poesía, la radio, la programación y la edición, el diseño gráfico, el dibujo, la arquitectura o incluso dibujos animados y cómics.

(...) and low for another at her window another like herself the little like another living soul one other living soul at her window… (Rockaby, Beckett) Tiempo y muerte. Tempus Fugit. Hablar mientras la muerte descansa: en una silla o en un ataúd funerario, en todas partes. El hombre es el único animal al que se le ha dado el lenguaje y con él la posibilidad de poblar el mundo con nombres, alias, reglas. Babel, la torre de las lenguas, nunca ha desaparecido, porque el gesto del habla exige el ejercicio de la escucha y la palabra es el poliedro novariniano. Entre la tragedia de existir y el abismo de desaparecer, Beckett elige darnos, malgré tout, figuras humanas, voces y escasez. Ante la muerte, hablar. ¿Puede el teatro seguir siendo esta ágora a medio camino entre el verbo creativo y la muerte? Creemos que sí, aquí estamos. - Renata Portas

Dos retrospectivas de dos grandes nombres del cine de animación: un cineasta pionero de los años 20 y 30 y uno de los cineastas contemporáneos más inventivos. Lotte Reiniger - Directora pionera del cine de animación y creadora de la inconfundible técnica de las siluetas. Don Hertzfeldt - Director de animación contemporánea, dos veces nominado a los Oscar.

Al clausurar O Duelo, abrimos un espacio de reflexión sobre el poder de esta novela de Kleist, escrita en 1811, para iluminar la vida contemporánea. ¿Cómo es que una historia, ambientada a finales del siglo XIV, en que se convoca el arbitraje de Dios en un duelo para llegar a la verdad, nos envía y cómo la recibimos? Entre la ley y el amor, el azar y el cálculo, la razón y lo invisible, la justicia humana y la justicia poética, todo en esta obra se arroja a los pliegues de la vida y sus duelos particulares. Para reflexionar sobre ella y ampliar sus lecciones, en la conferencia de Kleist: o(s) sentido(s) da justiça reunimos a la filósofa Maria Filomena Molder, que tradujo y ahora adaptó este texto para la puesta en escena de Carlos Pimenta, y los profesores y ensayistas José Bragança. de Miranda y José Gomes Pinto.

Entre el 10 de julio y el 11 de septiembre, la Comissão de Viticultura da Região dos Vinhos Verdes (CVRVV) promueve el Ciclo Cinema na Vinha con sesiones que invitan a ver películas portuguesas y extranjeras con vino Vinho Verde. Bajo el lema “A Viagem” (El viaje), el Ciclo propone diferentes formas de interpretar el concepto de “viaje”, abordando la relación entre espacio y tiempo, en una expedición cinematográfica a través de cinco momentos de evasión. Comisariado por Daniel Ribas y Rita Morais, el ciclo Cinema na Vinha lleva alrededor de una docena de películas a Porto, la Casa do Vinho Verde acoge cine en el jardín. Las sesiones comienzan a las 20:30 horas y están limitadas a un máximo de 50 personas. Los boletos están disponibles en www.vinhoverde.pt o a través de la Casa do Vinho Verde. Julio Día 10 - “Viajo porque preciso, volto porque te amo” (Marcelo Gomes, Karim Ainouz) Día 16 - "First Cow" (Kelly Reichardt) Agosto Día 14 - “Los espigadores y la espigadora” (Agnès Varda) Día 21 - "Cemetery of Splendour" (Apichatpong Weerasethakul) Septiembre Día 11 - "Tabú" (Miguel Gomes)

Una Gala de Ballet inolvidable que reúne a más de 200 participantes llenos de energía y garra. 10 escuelas de diversas partes del país en una de las salas más icónicas de Portugal, en un viaje por los diferentes mundos de la danza: Ballet, Danza Moderna, Teatro Musical, Danza Contemporánea, Hip-Hop, Flamenco y Danza Aérea. Venga a ver uno de los mejores momentos de la Danza.

Es más, una celebración y más un momento en el que los estudiantes de escuelas de música muestran su talento. Cada año, al maratón cuenta con la participación de varias docenas de violonchelistas, ya sea en solitario o en pequeños grupos, o incluso en grandes ensembles. En 2021 también esperamos una participación fuerte y apasionada, esta vez en formato de video transmitido por Internet.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Durante el verano, el Parque de Serralves se caracteriza por un conjunto único arbóreo-arbustivo que alcanza todo su esplendor durante esta estación del año. La invitación es para observar estas especies y explorar todos los espacios que conforman y definen el Parque de Serralves, aprovechando para conocer un poco la historia de este patrimonio único del arte paisajístico en Portugal.

A lo largo de una semana, la Casa da Música acoge las pruebas de la categoría principal del 23º Concurso Internacional Santa Cecília, convirtiéndose en la capital del piano para decenas de pianistas de todo el mundo. Los tres finalistas interpretarán una obra del repertorio concertante y estarán acompañados por la Orquestra Filarmónica Portuguesa bajo la dirección de Osvaldo Ferreira. El concierto incluye una ceremonia de entrega de premios, durante la cual se anunciará el ganador.

Folefest tiene un papel crucial en la difusión del acordeón clásico, a través de un concurso y un festival que han dado a conocer instrumentistas y un repertorio de excepcional calidad, bajo la coordinación artística de un referente del instrumento, Paulo Jorge Ferreira. Uno de los momentos importantes de Folefest es el Concierto de Laureados, que se realiza anualmente en la Sala 2 de la Casa da Música, mostrando la diversidad de formaciones en las que participa el acordeón con un repertorio fascinante.

Fragmentario e inacabado, situado en la confluencia del romanticismo y el realismo social, Woyzeck es ante todo un manifiesto en forma teatral que sigue identificando estrategias de perversión de la dignidad humana. Optando por una estrategia de denuncia, por una escritura casi terrorista, Georg Büchner nos obliga a reflexionar sobre la miseria y el dolor como núcleos fundadores de las llamadas sociedades democráticas. Woyzeck es el ejemplo más elocuente de "drama abierto" en la dramaturgia premoderna. Nunca se sabrá qué habría sido esta obra si Büchner no hubiera muerto prematuramente, a los 23 años. Materia movediza y resplandeciente, como la de los sueños, que configura dramáticamente una existencia singular, la del hombre Woyzeck, perdedor y alienado, criminal y proletario, víctima y conejillo de indias, rural y urbano, ser inquieto y esclavo de otros. Es con esta “herida Woyzeck”, la “herida abierta”, como la llamó Heiner Müller, que los directores y pedagogos Luísa Pinto y Roberto Merino construyen el espectáculo de los estudiantes de último curso de Teatro de la Escola Superior Artística do Porto.

Ekaterina Richter es profesora asociada del Conservatorio de Moscú y una fuerte representante de la escuela rusa de piano. Discípula de Elena Richter y Elisso Virssaladze, en Moscú, también estudió bajo Klaus Hellwig en Berlín y bajo Pavel Giliov en Colonia, habiendo sido premiada en importantes concursos internacionales. En este recital interpreta obras clave de Chopin y otros compositores de origen polaco que, más tarde, no escaparon a la influencia de ese icono del romanticismo. De Rachmaninoff, considerado por muchos como el último gran romántico, Richter presenta cuatro de sus virtuosos preludios.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Esta obra surge del enfrentamiento de las herramientas de investigación y composición coreográfica de Sofia Dias y Vítor Roriz con los cuerpos y sensibilidades de los artistas de Companhia Maior. Una obra que comienza con una apelación a la experimentación, que no es más que un intento de encontrar lo que no dominamos o que nos pone en una zona de conflicto, de riesgo e incluso quiebra. Nos parece que es en este lugar, entre o que se domina y lo que se desconoce, donde el cuerpo adquiere la calidad del presente, una transparencia que permite ver su forma de actuar y pensar. O lugar do canto está vazio es un juego de alternancias entre lo abstracto y lo figurativo, lo reconocible y lo extraño, lo individual y lo colectivo, lo biográfico y lo ficticio. Una composición de partituras sonoras, gestos que se vinculan con palabras, narraciones breves interrumpidas por movimientos y objetos que dan lugar a voces.

La música se vuelve más realista cuando nace de las impresiones que deja la inmensa autenticidad del arte popular, que lo abarca todo. Al menos así lo pensó y escribió Béla Bartók, que encontró su camino artístico a través de la inmersión en la música tradicional húngara. El conjunto de curtas Canciones campesinas que abre este programa es uno de los frutos admirables resultantes de las colecciones etnográficas que utilizó como fuente para innumerables composiciones. Años más tarde, estos pasos fueron seguidos por su compatriota Ligeti: el Concierto rumano se convirtió en un reflejo de su profundo amor por la música y las tradiciones populares rumanas. Distintos caminos recorren las otras obras que se presentarán en este concierto, de las que podemos destacar la dimensión emocional y la elaboración del Segundo Ensayo de Samuel Barber, una de las obras más apreciadas del célebre compositor norteamericano. El concierto cuenta con la dirección de Nuno Coelho, director de Porto con una trayectoria internacional en clara ascenso desde que ganó el Concurso Internacional de Cadaqués, en 2017.

Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna El Museu Nacional Soares dos Reis ha inaugurado la exposición Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna, dedicada exclusivamente y por primera vez en Portugal al esmalte artístico. La exposición es una de las piezas «fundadoras» de la colección del Museo, una serie de 26 placas de esmalte pintadas en el siglo XVI, procedentes del Monasterio de Santa Cruz de Coimbra, para reunir y comparar de forma inédita diversas técnicas de esmalte aplicadas en un suntuoso conjunto de objetos litúrgicos, devocionales y de aparato. Las piezas que se expondrán fueron producidas entre los siglos XII y XIX, especialmente en los talleres de la región de Limoges, reconocidos como los más prestigiosos. Hay varias representaciones de esta singular y exigente técnica de ornamentación como el esmalte. La exposición traerá a Porto varios tesoros nacionales, entre ellos el tríptico de la Pasión de Cristo del Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, una de las piezas de esmalte existentes en nuestro país con mayor reconocimiento internacional. La exposición “Azul e Ouro” también incluye otras piezas de gran prestigio como dos cofres de la Catedral de Viseu, piezas del siglo XII codiciadas por el mercado ilícito de antigüedades, robadas en 1980 y encontradas años después en Milán en una acción conjunta de la Policía Judicial e Interpol, o una placa de encuadernación de finales del siglo XII, principios del siglo XIII, encontrada accidentalmente en una excavación entre Leiria y el Monasterio de Batalha. La última sección de la exposición está dedicada a los resurgimientos, réplicas y falsificaciones que se produjeron a gran escala en toda Europa, a lo largo de los siglos XIX y XX, a encantando y engañando a la mirada de los conservadores de museos y coleccionistas privados en Europa y en los Estados Unidos.

El director Abel Pereira es muy conocido entre el público de Porto, ya que fue director de la sección de trompas de la Orquestra Sinfónica. Su intensa carrera internacional le llevó a los Estados Unidos de América, y hace varios años que vive ahí, y este concierto comienza precisamente con una famosa fanfarria escrita para promover el sentimiento de patriotismo en ese país. Luego viajamos al universo de la serenata, un género clásico que asociamos con las partituras mozartianas y al que, cien años después, otros compositores quisieron volver. El concierto finaliza con la Sinfonía “italiana” de Mendelssohn, inspirada “en la gente, los paisajes y el arte” de ese país.

El Teatro Nacional São João acoge una vez más el espectáculo final de Território, un programa de los Estúdios Victor Córdon, en colaboración con la Companhia Nacional de Bailado. Durante un mes, 12 jóvenes bailarines de escuelas de danza de todo el país tienen la oportunidad de vivir una experiencia artística con dos coreógrafos integrados en el circuito internacional. La cuarta edición cuenta con el multipremiado coreógrafo británico Wayne McGregor y el coreógrafo emergente israelí Shahar Binyamini. Sirviendo como plataforma para iniciar una carrera, el programa ayuda a ampliar el espectro de opciones profesionales y aclarar el futuro artístico de cada participante. João Afonso Vaz es el director del cortometraje que integra el espectáculo, como ganador del premio Território | Estúdios Victor Córdon, en la categoría de Mejor Director Portugués en InShadow - Lisbon ScreenDance Festival 2020.