Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

Se trata de la primera exposición en Portugal de Korakrit Arunanondchai (Tailandia, 1986), un artista que se mueve entre los campos del vídeo, la performance, la escultura y la instalación y que se divide entre dos culturas: la del este, donde nació y creció y la del occidental, en particular la de Estados Unidos, donde desde 2009 estudió arte y donde ha vivido en los últimos años (alternando con estancias en Tailandia). La obra de Arunanondchai explora y relaciona temas como la religión y mitología oriental, el medio ambiente, la ecología, la música, la geopolítica y el desarrollo tecnológico, contrastando la espiritualidad asiática con el pragmatismo occidental. Arunanondchai reflexiona sobre la vida contemporánea y la situación de la humanidad en la era de la tecnología, especulando sobre las consecuencias del Antropoceno, una definición reciente y que marca el efecto de la actividad humana como la fuerza ambiental dominante en el planeta, capaz de alterar su composición geológica. En su práctica, el artista utiliza acontecimientos y experiencias autobiográficas. En varias obras, amigos y familiares participan y de alguna manera se involucran en el trabajo. No history in a room filled with people with funny names 5 (2019) es una instalación hecha en colaboración con el artista Alex Gvojic (Estados Unidos, 1984), amigo con el que trabaja desde hace varios años. Boychild, artista vinculada a la performance y a la danza que colabora habitualmente con Korakrit Arunanondchai, también es una figura presente en esta obra. No history in a room filled with people with funny names 5 involucra al espectador en un ambiente nocturno y misterioso en el que se combina una triple proyección de video con rayos láser emitidos por una escultura que sugiere una figura humana tendida. La tierra que recubre el suelo y la presencia de materiales naturales (conchas, ramas) se asemeja a un entorno prehistórico o posthistórico. No history in a room filled with people with funny names 5 reúne una gran diversidad de imágenes y sonidos, creando una atmósfera excesiva, envolvente y perturbadora. Los videos combinan imágenes originales, como las grabadas por un dron de la estación de radio de Ramasum Camp, símbolo de la historia reciente de Tailandia como aliado de los EE. UU. durante la Guerra de Vietnam y ahora convertida en un destino turístico, y otras preexistentes, como la transmisión televisiva del episodio mediático del rescate de 12 niños y su entrenador de fútbol que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia en 2018. Esta obra fue inicialmente encargada por el Centre d'Art Contemporain Genève para la Biennale of Moving Image de 2018 y presentada en la Bienal de Venecia en 2019.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

Conocer la Historia de la Danza en Portugal, hoy, implica pensar hoy en un espacio global, cruzado y en relación. La dimensión histórica, social y política convocada en el proyecto expositivo Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal (Para una línea de tiempo existir, genealogías de la danza como práctica artística en Portugal) que presentamos en los Vestíbulos del Auditorio de Serralves, integrada en la VI Edición del Festival DDD, seguramente contribuirá a nosotros hacerlo, a profundizar nuestro conocimiento en este campo. A partir de una reflexión sobre el presente, el equipo que creó la exposición construyó una compleja metodología histórica y artística que la llevó a una investigación profunda y multidisciplinar, siempre en marcha, sobre los procesos creativos, filosóficos y simbólicos que marcaron la Danza en el siglo XX y principios del siglo XXI, en el país. Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal es un ejercicio colectivo de señalización de hitos relacionados con el desarrollo y la difusión de la danza como práctica artística en Portugal en los siglos XX y XXI. Desarrollada de forma intermitente desde 2016 y asumiendo el presente como lugar de enunciación, cada edición sufre mutaciones que conducen a una reconfiguración física y metodológica de lo que es exhibido. Combina las fuentes bibliográficas con la escucha de testimonios, la recopilación de documentos originales con la investigación iconográfica, el diseño de narrativas y relaciones, buscando crear un lugar múltiple para la comprensión de lo que es o puede ser la danza, y proponiendo una familiaridad con las obras, los autores “cánones”, corporalidades, épocas y visiones del mundo, cuestionándolos estética y políticamente.

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

Entre sestas es una documentación y amalgama de sueños, recuerdos, viajes, de raíz poética y semi-presente en el mundo real. es el escape, un poco de lo que queda y mucho de lo que pasa en la avalancha constante de sus pensamientos. una oda a lo banal, pero también a la inmensidad, a los contrastes que caracterizan lo que es, al fin y al cabo, la vida. Maria Corvacho (Porto, 1989) desde temprana edad se perdió en lápices y pinturas como medio de crear la evasión a otras realidades. Sigue haciéndolo como pintora e ilustradora, le interesa principalmente lo trivial, todo lo que es orgánico y representar lo que para ella es la insignificancia del ego.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Hasta el 1 de agosto, el Museu Nacional de Soares dos Reis acoge la exposición temporal “José Régio: [Re]visitações à Torre de Marfim”, una propuesta de los Ayuntamientos de Vila do Conde y de Portalegre, en el contexto del grupo de trabajo nacional estructurado en virtud de la evocación del 50 aniversario de la muerte de José Régio, que se celebró en 2019. Dibujos de carácter íntimo, referencias de la imaginación del poeta, diseñados en tinta china, acuarela, lápices de colores y cera pigmentada, consolidando el trazo previo en grafito, marcan el manuscrito del autor, a veces incluido en la composición del poema, a veces anticipándolo o sucediéndolo, materializando la fugaz impresión que parecía eludirle.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Antonin es una especie de dandi. Es hábil con las palabras y podría haber sido un escritor famoso, pero en cambio las usa para escapar de los diversos problemas y líos en que se mete. Manteniendo la distancia social recomendada, tiene varias conversaciones, humorosas y a veces surrealistas, con las mujeres de su vida.

El hijo pródigo, Osvald Alving regresa a la casa de sus padres con una “infección”, una enfermedad que engendra fantasmagorías. En su presencia se adensan las sombras de un conjunto de “actitudes pasadas de moda y creencias muertas”, los “espectros” que envenenan el presente e hipotecan el futuro. Circunscritos a un lugar oscuro del que nadie sale ni entra, los personajes de Espectros (1881), del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, viven “con miedo a la luz”, descontentos con el estrangulamiento de sus vidas afectivas, ávidos de un vital impulso que les libere de una existencia regida por el conservadurismo y la omnipresencia del dinero. “Con Ibsen”, escribió George Steiner, “la historia del teatro comienza de nuevo. Esto es suficiente para convertirlo en el dramaturgo más importante desde Shakespeare y Racine". El director Nuno Cardoso lo incluye en el repertorio de este Teatro Nacional, en un gesto programático que es importante señalar. "¿Qué heredamos?", pregunta Helene Alving, la madre de Osvald. Heredamos una fuerza del pasado, tan fuerte y persistente que sigue resonando en nuestros “pocos y desalmados” días.

Feria urbana que tiene como objetivo contribuir para mantener el carácter típico y pintoresco de la antigua venta callejera, integrada en la estrategia de entretenimiento de la ciudad. Aquí se venden toallas/mantelería y otros productos para la promoción turística de la ciudad.

20 artistas, 19 canciones y un DJ. Al usar un sencillo mecanismo de acción/reacción entre los golpes y los cuerpos en movimiento, Jérôme Bel ha creado una obra que reúne afecto y concepto, subconsciente colectivo y demostración de singularidad. The show must go on es originalmente una canción de Queen y también el nombre de una de las obras más prolíficas del coreógrafo Jérôme Bel. La sencillez de sus efectos le confiere el valor de un manifiesto conceptual. Sin embargo, la obra, con su doble capa de referencias, que casi oculta su significado, es también una declaración: "el espectáculo debe continuar". Se convierte en una declaración de la persistencia de los cuerpos en movimiento y de la danza. El espectáculo está hecho de canciones, cuerpos y declaraciones. Se asemeja a una especie de karaoke coreográfico en el que los intérpretes hacen exactamente lo que se les dice en las letras de las canciones, alterando así la relación entre lo que vemos y lo que oímos, lo que esperamos y lo que recibimos, lo que sentimos y lo que percibimos. Desde su primera presentación en 2001, The show must go on no ha parado de seguir adelante.

El debut del maestro Donato Renzetti en la Casa da Música marca el regreso del gran violinista Benjamin Schmid a Porto para interpretar uno de los conciertos de su premiada discografía. Ermanno Wolf-Ferrari compuso principalmente óperas que no fueron bien recibidas en Italia, pero que conquistaron Alemania. Las piezas instrumentales corresponden al principio y al final de su carrera, fuertemente marcada por la Primera Guerra Mundial, sustituyendo el refinado humor de sus óperas por la melancolía. Tras el intermedio, una obra que no necesita presentación, especialmente entre los cinéfilos: la música que Nino Rota escribió para el clásico La Strada de Fellini, cineasta con el que forjó una fuerte relación artística.

Santa Casa Portugal ao Vivo llega al escenario del Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota con una 2ª edición, en los meses de mayo y junio de 2021. Con el fin de continuar la alianza entre Everything is New y PEV Entertainment y tal como en la 1ª edición, se celebrarán simultáneamente 10 espectáculos en Lisboa y 10 espectáculos en Porto, en el Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota, para un total de 20 espectáculos, que comenzarán el 21 de mayo y terminarán el 26 de junio. Aún sobre la premisa de "Cultura para todos" y con el objetivo de reanudar e incentivar la Cultura en Portugal, en esta segunda edición, la Santa Casa vuelve a sumarse a la iniciativa como naming sponsor, reforzando la llamada urgente de devolver la cultura a la vida cotidiana de todos los portugueses. Una necesidad que quiere promover el reencuentro entre el público y los artistas, prometiendo llevar al escenario lo mejor de la música y la comedia portuguesa. Para garantizar la seguridad de todos y mantener el lema "A Cultura é Segura" (La cultura es segura), cada espectáculo se diseña en base al estricto cumplimiento de las normas emitidas por la Direção Geral de Saúde-DGS (autoridad sanitaria). El uso de mascarillas es obligatorio, en un espacio delimitado para ese propósito, donde se marcarán todos los asientos, cumpliendo con la distancia obligatoria entre los espectadores que no formen parte del mismo grupo. Por último, para evitar cualquier tipo de aglomeración entre las personas, todas las entradas y salidas tendrán recorridos diferenciados con la señalización adecuada.

Venta de productos de agricultura biológica.

Volviendo a las historias de amor y afecto, Joana Providência busca ahora reflexionar sobre lo que une y construye una familia. El espectáculo Famílias imaginárias (Familias Imaginarias) busca desarrollar, a lo largo de 2020/2021, un trabajo cercano con un grupo de familias de Porto, explorando los lazos que las unen, pero también creando nuevas relaciones de proximidad y cuidado. Una familia se construye con diferentes lazos y nudos, que se enredan de diferentes maneras, produciendo tejidos de todos los colores y formas. Las Famílias imaginárias permitirán no sólo mirar a las familias ya establecidas, sino también crear nuevas familias: se puede buscar una abuela prestada en el grupo o probar hermanos en el escenario. Tíos, padres, madres, abuelos, primos, etc.: todos los lazos que podamos imaginar se pueden inventar en este proyecto. Para Famílias imaginárias, Joana Providência también ha invitado a familias que incluyen a profesionales de las artes escénicas, que trabajarán en continuidad con la comunidad, tejiendo juntos la red de historias y recuerdos que dará lugar a este espectáculo, interpretado y vivido por todos como una extraña familia inventada durante el proceso.

Cuando somos nuevos en un lugar, hay una serie de confrontaciones e inquietudes que condicionan nuestra estancia en ese nuevo universo. Cuecas em 8 (Bragas en 8) pretende ser una especie de manifiesto sobre el proceso de adaptación de una mujer en un país extranjero, concretamente a partir de los propios testimonios de las intérpretes y de las narraciones recogidas en las comunidades locales. Estos pareceres, que son, en cierto modo, "padeceres", exploran cómo se manifiestan los síntomas de estas adaptaciones e inadaptaciones, compartidas por mujeres de diferentes nacionalidades, en intérpretes "no vacunadas". - Ana Mula

Sin la música de Ornette Coleman, la historia hubiera sido otra para el jazz. Desde el momento en que publicó sus revolucionarios álbumes The Shape of Jazz to Come y Free Jazz en 1959 y 60, se abrió un nuevo mundo de posibilidades. La extraordinaria imaginación melódica y rítmica de este saxofonista pedía una libertad que necesitaba explorar otros caminos, y lo cierto es que su musicalidad asume toda la negrura que el jazz tiene en sus raíces. La Orquestra Jazz de Matosinhos se encuentra con la música de este gran maestro del jazz y propone un conjunto de nuevos arreglos para temas que son una puerta abierta a la intensa expresión musical de los solistas. Como invitados cuenta con dos saxofonistas excepcionales.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

La Galeria da Biodiversidade acoge el proyecto Plant Data de Yota Ayaan en colaboración con Mariana Sottomayor y Stefaan Van Leuven. Plant Data es un proyecto en la intersección del arte y la ciencia, que interpreta los datos obtenidos de las plantas, traduciéndolos en sonido. La obra comprende un grupo de decenas de fresnos y un sistema de altavoces multicanal instalados en el Vestíbulo Central de la Galeria da Biodiversidade. El espacio vibra con una pieza sonora de veinticuatro horas, basada en datos numéricos obtenidos de las 'emisiones acústicas', o EA, de fresnos, registrados por un sistema de detección de última generación en el laboratorio de Kathy Steppe en la Universidad de Gante.

Un escenario, un violín, una voz, un piano, una serie de pequeñas luces led brillando, efectos y máquinas. En el escenario IAN está sola... Pero ella, la música y la imagen están ahí... todo está ahí. Cuando nos damos cuenta, el escenario de IAN está realmente lleno. Lleno de elegancia, de modernidad, de extrañeza, de soledad y vivencias, de alegrías y tristezas, de inconformismos e inconformidades, de problemas y soluciones. Los viajes de IAN en el escenario comienzan solos, pero rápidamente nos unimos al viaje, nos sentamos a su lado, la miramos a los ojos y a veces nos dejamos bailar.

Hemos pasado el último año viendo los grandes debates de la actualidad. Primero las medidas de confinamiento, luego los numerosos debates de las elecciones presidenciales, después los planes de recuperación y resiliencia, siempre con moderadores e invitados que hemos escuchado en todos los canales. En " Quantos mais debates…", vamos a virar todo al revés. Queremos escuchar nuevas voces, con énfasis en las que suelen quedar fuera del debate público. Personas sin hogar y emprendedores, niños y jubilados, profesionales liberales y trabajadoras del sexo, músicos, escritores, tenedores de libros, siete invitados en cada charla se reunieron en el Coliseu para pensar y debatir sobre los temas que nos unen, independientemente de nuestros orígenes y ocupaciones: el amor, la libertad, la confianza, la felicidad, la ciudadanía, la muerte. Temas esenciales para todos nosotros, que no obedecen a la actualidad, pero que se ven naturalmente afectados por ella. En estas charlas habrá más dudas que certezas. Compartiremos con los demás lo incompleto que nos es común, independientemente de lo que seamos, de lo que hagamos, de lo que tengamos. Y juntos romperemos los prejuicios que nos hacen ignorar lo mucho que nos une. Con entrada gratuita, a recoger la entrada en la taquilla del Coliseu. Entradas disponibles a partir de las 13:00 horas del mismo día (máximo 2 / por persona).

Para Moullinex, una pista de baile es "un elemento capaz de cambiar las sociedades". Tras un año en el que las relaciones se han vuelto mayoritariamente digitales, Luís Clara Gomes combina la ciencia y el arte para crear empatía entre desconocidos. En su cuarto álbum, Requiem For Empathy, ha creado un laboratorio experimental con músicos, neurocientíficos y psicólogos para entender cómo se puede medir esta empatía entre extraños o cómo un artista puede contribuir a ella. Moullinex dirige ahora este laboratorio sonoro, guiándonos con canciones y voces que exploran los límites del universo pop, acompañadas de un vídeo en tiempo real que traduce las emociones en el escenario.

80 años son historia, misión, tradición y responsabilidad. El 2021 marca el regreso de proyectos que forman parte de la génesis del Coliseu, y la ópera es una de las principales apuestas. La primera producción es “Cavalleria Rusticana” de Pietro Mascagni, cuyo estreno está programado para el 9 de junio. Considerada la primera ópera verista italiana, corriente que introdujo un mayor realismo en la narrativa, frente al romanticismo, “Cavalleria Rusticana” es una ópera en un solo acto donde el amor, la traición y la venganza son los ingredientes principales. La acción tiene lugar en la mañana de Pascua, en un pueblo siciliano, y cuenta la historia de Turiddu y Santuzza. Al regresar a casa del servicio militar, Turiddu descubre que su prometida, Lola, se ha casado con Alfio, un campesino adinerado. Con la esperanza de ponerla celosa, Turiddu seduce a Santuzza. Lola acaba involucrándose con Turiddu, y Santuzza, de corazón roto, revela a Alfio la infidelidad entre los dos amantes. Retado por Alfio a un duelo, Turiddu se despide de su madre y parte hacia su encuentro fatal. Estrenada en Roma en 1890, la obra maestra de Pietro Mascagni se presentará en el Coliseu Porto Ageas con talentosos cuerpos artísticos portugueses y solistas, que se anunciará próximamente, en una producción que marca el gran regreso de la ópera a este teatro.

En KastroKriola, el dramaturgo caboverdiano Caplan Neves recrea el Castro de António Ferreira, proponiendo una creolización escénica que intenta descubrir cómo este texto clásico resuena simbólicamente en el Cabo Verde actual. La tragedia de la contienda real es ahora vista desde la perspectiva de las intrigas internas de los partidos políticos de nuestro tiempo. Si, en la obra de Ferreira, el riesgo de ocupación extranjera y la impureza de “un oro limpio” es el motivo por detrás del castigo del amor de Pedro e Inês, en KastroKriola es el escándalo de la relación homoafectiva declarada entre Petra - una mujer con un futuro prometedor en el círculo del poder - y Kastro que viene “a incendiar este partido y este país”. Ambos también enfrentan la persecución de sus pares por “razones de estado” y usan las mismas armas frente a la ceguera y la tiranía. Se dice de Petra: "Ella obedece a un orden mayor: su corazón ". KastroKriola marca la culminación de una residencia de artistas caboverdianos en TNSJ, bajo la dirección de Nuno Cardoso y en estrecha colaboración con nuestros equipos, posible gracias al convenio de cooperación firmado en septiembre de 2019 entre el Ministerio de Cultura y de Industrias Creativas de Cabo Verde, el Ministerio de Cultura de Portugal y el Teatro Nacional São João.

Eurípides Laskaridis amplía su universo escénico con una nueva obra hecha para muchos cuerpos. Un espacio donde las cosas que sabemos que conocíamos se han quedado atrás. ELENIT es una tragedia cómica con personajes conmovedoramente reales y meticulosamente interpretados, pero descaradamente imaginarios. Personajes que existen en una máquina interesada ​​solo en la urgencia del momento. Eurípides Laskaridis explora el ridículo y la transformación para analizar la perseverancia de la humanidad frente a lo desconocido. Sus obras se caracterizan por una sensación de caos contenido: inmersiones profundas y detalladas que exploran quiénes somos manteniéndose fieles a los detalles de una mirada muy personal. Poco convencionales y no lineales, juegan con las posibilidades de lo que nos rodea: rompiendo, distorsionando, modernizando y jugueteando con materiales vulgares y los detritos de la vida cotidiana para crear lo inesperado. El cuerpo es el medio a través del cual los espacios de Eurípides cobran vida. Estos abren nuevos territorios que alternan abruptamente entre lo hilarante y lo aflictivo, lo grotesco y lo conmovedor, lo grotesco y lo absurdo. ELENIT es una obra de conjunto para diez criaturas y una turbina eólica que renuncia a la razón para forjar un espacio sin pasado ni futuro.

Lenine, el trovador brasileño, vuelve a Portugal para presentar su nuevo disco “Em Trânsito”. Tras cuatro años de ausencia de nuestro país, el multi ganador de los Premios Grammy Latinos sigue transformando en música los amores y las cuestiones importantes de nuestro tiempo. “Lo que me mueve, lo que me molesta termina siendo el material con la que hago las canciones”, nos dice el artista. “El hecho de que el sencillo del proyecto sea "Intolerância" no es por acaso. Ella está siendo la estrella del momento, en todos los universos ves la intolerancia como el portavoz de todo”. En el nuevo espectáculo, los viejos clásicos que deleitan a su público no serán olvidados. 6 Grammys Latinos y 12 Premios de la Música brasileña son una de sus tarjetas de presentación, pero nada se compara con la emoción de escucharlo cantar y tocar en vivo. Un espectáculo lleno de energía.

Algunas personas pueden asociar al barro, la alfarería y la cerámica con la tradición y la tradición con el pasado. Algunos podrán asociar la tecnología, la comunicación digital y las bases de datos con lo nuevo y lo nuevo con el futuro. ¿Y si el futuro es una tecnología tan antigua y peculiar como el barro? ¿Y si, entonces, el barro es un material que se autorrenueva permanentemente y da al tiempo sus configuraciones impredecibles? ¿Y si el barro es el futuro y el futuro es el barro? ¿Y si los pies de barro solo revelan vulnerabilidad porque el resto del cuerpo está hecho de un material diferente? ¿Y si los pies de barro realmente arraigan a las personas en la tierra, conectándolas a través del mismo material? ¿Y si los pies de barro son una forma de establecer una comunicación postecnológica, que no requiere redes ni cables? ¿Sólo nuestros muchos, uno, dos, ocho, veinte pies y alguno barro? Estas son algunas de las preguntas y enigmas que las comisarias Chus Martínez (comisaria, historiadora del arte, escritora y directora del Art Institute de la FHNW Academy of Art and Design Basel) y Filipa Ramos (escritora, comisaria de la sección de cine Art Basel y una de las comisarias de la última edición del Fórum do Futuro) han puesto en relieve al reunir a un grupo de artistas que utilizan el barro, la alfarería y la cerámica para imaginar, proyectar y dar forma al mundo en que viven.

Theritch es un personaje enigmático en constante cambio. Maestro en diseño, desarrolla un lenguaje propio que representa la culminación de sus experiencias personales y profesionales alrededor del mundo. La creación de caracteres únicos que identifican cada letra del alfabeto latino es la esencia de la identidad de su lenguaje. Al incentivar al espectador a hacer un ejercicio de decodificación, su lenguaje pasa a tener una connotación literaria inherente al concepto abordado. El futuro (del latín: futurus) es el intervalo de tiempo que comienza después del presente y no tiene un final definido. Referente a algo que sucederá, el futuro es el estado que se usa en la mecánica clásica para decir algo que aún está por venir.

No se lo pierda la Sesión Especial: Matías Piñeiro, en el Auditorio del Museo de Serralves. Organizada en colaboración con la Escola das Artes (Escuela de Artes) de la Universidade Católica do Porto, como parte de una residencia artística del director Matías Piñeiro, la sesión está conformada por dos obras inaugurales de la filmografía del joven cineasta argentino: Una Mujer Silenciosa (desarrollada como trabajo de fin de carrera en la Universidad del Cine) y su primer largometraje, El hombre robado. La obra de Piñeiro es rica en apuntes humorísticos, atenta a los gestos del cotidiano y a las conversaciones entre amigos, creando seductores juegos de espejos entre ficción y documental, entre verdadero y falso, prolongando personajes y situaciones de unas películas a las siguientes. Eruditas y eclécticas, las películas del director están repletas de referencias literarias, desarrollándose a través de medios artísticos (museos y teatros) y dialoga con el cine de la Nouvelle Vague, reinventándolo en el presente utilizando el formato anacrónico de la película de 16 mm. En El hombre robado hemos incluido una visita guiada al Museo de Historia de Buenos Aires, mientras nos sumergimos en un esquema de arte falsificado al ritmo de “Facundo”, la obra maestra del escritor y reformador Domingo Faustino Sarmiento. La película marca el inicio de una colaboración con las actrices Julia Martínez Rubio, María Villar y Romina Paula, que reaparecerán en sus películas posteriores y que, sin embargo, se han convertido en los rostros de la nueva generación del cine argentino.

Puentes de la ciudad de Porto En la prepandemia, fue posible conocer “por dentro” algunas de las infraestructuras más impresionantes de Porto, como los túneles del Metro do Porto o el tablero técnico del icónico Puente de São João. En las circunstancias actuales, la iniciativa “Inovação Fora de Portas – Engenharia Civil à Mostra” se realiza en casa, en formato digital, pero los viajes prometen zarpar todos los meses. Esta sesión estará dedicada a los puentes actuales de la ciudad de Porto y Gaia, aplicando la perspectiva de la innovación en la ingeniería civil. La sesión será acompañada de la presentación de un vídeo documental.

Carr ha concebido un concepto curatorial que pone especial énfasis en la participación de las personas en el trabajo de Gander y será la primera y exclusiva aclaración de este aspecto en la extensa carrera en solitario del artista. Este enfoque reúne un contexto adicional en el presente, en un momento en el que las relaciones humanas en todo el mundo se están abordando, revaluando y cuestionando y potencialmente renovando. Gander ha adquirido fama internacional por su prolífica producción que se mueve incesantemente entre una multitud de formas de arte, incluyendo escultura, pintura, dibujo, instalación, performance y diseño gráfico. El enfoque ilimitado de la práctica de Gander se refleja en el carácter temático abierto, estratificado y, a menudo, fracturado de su obra, que plantea cuestiones de lenguaje y conocimiento, así como el proprio acto de hacer arte. Muchas de las obras del artista están impregnadas de narrativas que parecen desmentir la apariencia visual de sus obras. Él coloca pistas que invitan a los espectadores a desenredar, descifrar y, en última instancia, a formar sus propias conexiones con lo que se puede ver y lo que se elude, incitando a que se produzca nuestra cognición, percepción y comprensión. Al mapear el carácter colaborativo y comunicativo del trabajo realizado por Gander a lo largo de los años, Other People Place extrae las relaciones humanistas y coloca cuestiones fundamentales en primer plano relativas a nuestra experiencia vivida. La exposición incluye obras que tienen a las personas como tema, moviéndose entre formas de representación claras y abstractas. La exposición presenta artistas y artesanos, así como la familia del artista y cuando el propio artista está representado es a través de la lente de otra persona. En una serie de trabajos inéditos, las formas de comunicación y lenguaje están presentes, lo que sugiere formas de interacción recién descubiertas, pero basadas en las formas de protesta sociales actuales. La red de relaciones que existe entre las personas tanto dentro como entre las obras presentadas en la exposición, incluido usted, el espectador, también entabla otra conversación cuando se dirigen a la galería en sí, señalando su ubicación e historia. Muchas obras son el resultado de conversaciones con los artesanos y fabricantes y su ayuda. Ocupando un edificio histórico en Porto, la galería fue un antiguo lugar de trabajo para los canteros que antiguamente trabajaban en el edificio y continúan operando en otra parte de la ciudad.

Inês Leite nació en 2003 y comenzó a estudiar piano a los 6 años en el Conservatorio de Música Joly Braga Santos de Portimão. Tuvo clases privadas de Álvaro Teixeira Lopes, y actualmente pertenece a su clase de piano y está cursando el 7º grado de piano en el Curso de Música Silva Monteiro de Porto. Obtuvo el tercer lugar en el XIX Concurso Internacional de Piano Ciudad de San Sebastián, en 2015. En Portugal ganó, entre otros, los primeros premios del Concurso Internacional Ciudad de Fundão (2011), del Concurso de Piano Olga Prats (Palmela, 2012), del Concurso Nacional de Piano de São Teotónio (Coimbra, 2011 y 2014) y del XIII Concurso Santa Cecília en Porto.

Frutorra presenta I AM HUMOR: Especial São João. I AM HUMOR vuelve al Coliseu Porto Ageas el 19 de junio a las 21 horas. En la víspera de São João, los norteños Fernando Rocha, Miguel 7 Estacas, Hugo Sousa, João Seabra, el dúo Quim Roscas & Zeca Estacionâncio y el inconfundible Toy se unen para una edición especial y exclusiva de este espectáculo de humor. Los siete artistas suben al escenario para una verdadera verbena de São João, lleno de comedia, música popular y muchas otras sorpresas...

En el Parque de Serralves existe una gran diversidad de plantas que pueden ser utilizadas para nuestra alimentación, salud y bienestar, plantas aromáticas, culinarias y medicinales. A través de la exploración sensorial, observaremos, oleremos, sentiremos y descubriremos el fascinante mundo de estas plantas. Déjate contagiar por la diversidad de características de estos curiosos seres y conócelos mejor.

Vem aí o São João Vai chegar depressinha Tenho de ir à Terra do Dragão Chegar a brasa à minha sardinha! Ya tenemos un cuarteto, e incluso podrá ser una buena idea agregar a esta actividad educativa, pero muy divertida, como manda la regla de São João en el Museo FC Porto. Los adultos ayudan a los más pequeños y todos usarán su creatividad para hacer sardinas muy especiales con alambre, hilo y pintura. ¡Ya se puede imaginar la animación familiar!

Rope es una “reconstrucción” fotográfica del famoso cuento de Ambrose Bierce An Occurrence at Owl Creek Bridge: un hombre al borde de un puente, una cuerda alrededor de su cuello, a punto de ser ahorcado y un amor más grande que la vida (y la muerte). Pero, más que eso, también es una investigación sobre las posibilidades de la cronofotografía en la época del cine digital. Sauve qui peut (la vie) [Salve quien pueda (la vida)] marcó, en 1980, el regreso de Jean-Luc Godard al circuito cinematográfico más “convencional”, tras unos años de ausencia en los que se dedicó al cine de carácter revolucionario. La película, se organiza como una partitura musical compuesta por cuatro movimientos (el imaginario, el miedo, el comercio y la música), cuenta con Isabelle Huppert, el cantante Jacques Dutronc, y Nathalie Baye. Dos películas donde se explora la descomposición fotográfica del movimiento como herramienta para interrogar los mecanismos internos del cine.

Aclamado como un "genio del teclado", Arcadi Volodos es uno de los pianistas más perfectos y notables del mundo. Su virtuosismo ilimitado, junto con su singular noción del fraseo, el color y la poesía, lo convirtieron en un narrador ideal de las historias musicales del romanticismo. La reciente discografía de Volodos ha sido muy elogiada por sus interpretaciones de las Sonatas de Schubert, compositor que abre el recital. En el programa que marca su regreso a la Casa da Música, el pianista también incluyó una partitura llena de lirismo y ternura, las Seis Piezas para piano de Johannes Brahms.

La pregunta da que pensar: ¿quién saltó del sombrero mágico? ¿Y qué sombrero es éste, que alguien salta de allí? ¡Debe ser un sombrero grande! O, quien salta desde adentro, puede ser pequeño ... Cuando Rui Ramos sube al escenario del Auditorio Fernando Sardoeira Pinto (Museo), las palabras cobran vida y los cuentos se vuelven aún más mágicos. Bajo la batuta ingeniosa y performativa del anfitrión, esta es otra História com Magia para Dragõezinhos dirigida a niños. Pero el evento está pensado para la participación en familia, porque en este universo encantado, ¡hasta los adultos se lo pasan en grande!

Sabine Lancelin es una de las directoras de fotografía europeas más experimentadas, habiendo tomado ese rol en muchas de las películas más recientes de Manoel de Oliveira, a saber, Je Rentre à la Maison (2001), O Quinto Império: Ontem como Hoje (2005), Belle Toujours (2007), Cristobal Colón, el enigma (2008), Singularidades de una chica rubia (2009) y El extraño caso de Angélica (2011) - y ha colaborado con destacados cineastas contemporáneos como Chantal Akerman, Alain Guiraudie, Philippe Grandrieux, Raoul Ruiz, Michel Piccoli, entre otros. En esta charla-conferencia a cargo de António Preto, director de Casa do Cinema, Sabine Lancelin hablará sobre los retos a los que se enfrenta la dirección de fotografía cinematográfica en la actualidad, a partir de su experiencia con algunos de los directores con los que trabajó y, en particular, de sus colaboraciones con Manoel de Oliveira. Al final, se presentará Je Rentre à la Maison (Vuelvo a Casa, 2001), la primera película de Oliveira con la colaboración de Sabine Lancelin. Esta película se inspiró directamente en un incidente ocurrido durante el rodaje de la película anterior, Palabra y utopía (2000), en el que Manoel de Oliveira invitó al actor Renato De Carmine a, en una emergencia de última hora, reemplazar a Michel Piccoli en el rol del padre Jeronimo Cattaeno. El diálogo era extenso, el tiempo para memorizarlo era escaso y Oliveira pretendía filmarlo de una sola vez. A pesar de ser un actor experimentado, De Carmine se equivocó repetidamente y, desesperado, abandonó el plató diciendo: "Ritorno a casa". Impresionado con la conduta del actor, Oliveira inmediatamente tuvo la idea de hacer una película a partir de ahí. Piccoli, quien involuntariamente fue el causador de esta situación, interpretaría el rol de ese mismo actor renombrado que, al final de su vida, se ve obligado a abandonar la escena en “Vuelvo a Casa”.

Bernardo sabe que su esposa Júlia lo está engañando. Engendra una forma de vengarse. Por telegrama invita al amante, Roberto, a ir a su casa, firmando el telegrama con el nombre de su esposa. En el cara a cara entre los dos, Bernardo le da dos opciones; o lo mata o se acosta con la esposa de Roberto. Después de algunas vacilaciones, Roberto acepta la segunda opción. Bernardo organiza para esa misma noche una cena en su casa y de Julia con el objetivo de conocer a Julieta, la esposa de Roberto. La cena los reunirá a los cuatro y a la criada, Maria Luisa. Pero Roberto, en lugar de llevar a su verdadera esposa, lleva a una amiga aventurera, desinhibida, más joven y muy atractiva para que se haga pasar por su esposa… Durante las diversas peripecias, incómodos, pasiones que la cena provoca, aparece otro personaje. La verdadera esposa de Roberto. Los ingredientes de esta loca comedia de puertas están dispuestos. ¿Cómo va a terminar? Nunca se sabe ... Lo que sabemos es que casi todos están mintiendo ... pero ¿estarán todos a traicionar? Andreia Dinis, António Machado, Jorge Kapinha, Melânia Gomes, Núria Madruga y Sofia Baessa prometen una velada inolvidable.

Cerrando el ciclo Cinema e Fotografia: Visões Espectrais se presenta una sesión embrujada por la película canónica sobre la relación entre la imagen en movimiento y la imagen fija: Blow-Up (Deseo de una mañana de verano, 1966), de Michelangelo Antonioni. Brian de Palma, el más hitchcockiano de los directores de Nueva Hollywood, dirigió Blow Out (Impacto) bajo la égida de la película de Antonioni y basado en dos episodios personales: una desavenencia con su técnico de sonido durante la postproducción de su anterior película; y su obsesión por la investigación en torno al asesinato de John F. Kennedy. De Palma trabaja, por tanto, en el género del thriller psicológico, donde no se trata solo de adentrarse en una imagen (como hizo Antonioni), sino de adentrarse en una serie de imágenes sucesivas en su articulación con el sonido, es decir, adentrarse en la experiencia del cine. La sesión se abre con Somebody was trying to kill somebody else, de Benjamin Verhoeven, donde el director se apropia de imágenes del escenario de la “revelación” fotográfica de Blow-Up y visualiza (en el sentido que lo hace visual) el baile entre fotógrafo e imagen en una persecución que busca abstractamente la propia cola de la representación.

Escapando del foco de atención y actuando en tierra, el Circo Aïtal es una pareja: Victor y Kati. Tumbados en el suelo, chillando y gritando por la vida, se funden con los ritmos y el polvo, respirando gasolina, entre los perros, pasando de la risa a las lágrimas, encontrando la muerte, siempre en la carretera, dentro del coche, tristes, felices ... Pour le meilleur et pour le pire (En la prosperidad y en la adversidad) cuenta la historia de dos artistas inmersos en la poesía, el rocanrol y el humor. Se trata de la vida en pareja y expone el estilo de vida circense. La radio del coche está tocando mientras comparten su intimidad y su extraordinaria relación con el público. Realizando increíbles acrobacias cuerpo a cuerpo, juegos de Ícaro, hazañas aéreas, números de equilibrismo, etc., Víctor y Kati, juntos en el escenario, presentan su propia visión del circo. Pour le meilleur et pour le pire es un espectáculo de circo fuerte y fascinante que promete atacar lo mejor y lo peor de la naturaleza humana.