Venta de productos de agricultura biológica.

Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

R. H. Quaytman emplea técnicas de reproducción mecánica y tradiciones del arte conceptual para crear series cerradas de obras divididas en capítulos. Las partes posteriores están numeradas para marcar el paso del tiempo y el gradual completar de la vida y del proyecto artístico. La artista trata todas las exposiciones y pinturas presentadas como una empresa creativa. R. H. Quaytman aborda la pintura como si fuera poesía: al leer un poema, se repara en palabras específicas, nos damos cuenta de que cada palabra tiene una resonancia. Las pinturas de Quaytman, organizadas en capítulos estructurados como un libro, tienen gramática, sintaxis y vocabulario. Si bien el trabajo está delimitado por una estructura rígida a nivel de material, aparecen solo en paneles biselados de contrachapados en ocho tamaños predeterminados resultantes de la proporción áurea, el contenido de final abierto crea permutaciones que dan como resultado un archivo sin fin. La práctica de Quaytman involucra tres modos estilísticos distintos: serigrafías basadas en fotografías, patrones ópticos como muaré y tramas brillantes, y pequeñas obras al óleo pintadas a mano. La obra de Quaytman, presentada por primera vez en Portugal, apunta a las nuevas posibilidades de la pintura actual. ¿Qué es una pintura, un icono? ¿Cuáles son los medios de pintar en una cultura saturada de estímulos visuales, desde la fotografía hasta el bosque digital de signos? ¿Sigue siendo la pintura una forma relevante de compartir nuestra historia? La exposición está coorganizada por el Muzeum Sztuki en Lódz, Polonia, y por la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Comisariada por Jaroslaw Suchan

Se trata de la primera exposición en Portugal de Korakrit Arunanondchai (Tailandia, 1986), un artista que se mueve entre los campos del vídeo, la performance, la escultura y la instalación y que se divide entre dos culturas: la del este, donde nació y creció y la del occidental, en particular la de Estados Unidos, donde desde 2009 estudió arte y donde ha vivido en los últimos años (alternando con estancias en Tailandia). La obra de Arunanondchai explora y relaciona temas como la religión y mitología oriental, el medio ambiente, la ecología, la música, la geopolítica y el desarrollo tecnológico, contrastando la espiritualidad asiática con el pragmatismo occidental. Arunanondchai reflexiona sobre la vida contemporánea y la situación de la humanidad en la era de la tecnología, especulando sobre las consecuencias del Antropoceno, una definición reciente y que marca el efecto de la actividad humana como la fuerza ambiental dominante en el planeta, capaz de alterar su composición geológica. En su práctica, el artista utiliza acontecimientos y experiencias autobiográficas. En varias obras, amigos y familiares participan y de alguna manera se involucran en el trabajo. No history in a room filled with people with funny names 5 (2019) es una instalación hecha en colaboración con el artista Alex Gvojic (Estados Unidos, 1984), amigo con el que trabaja desde hace varios años. Boychild, artista vinculada a la performance y a la danza que colabora habitualmente con Korakrit Arunanondchai, también es una figura presente en esta obra. No history in a room filled with people with funny names 5 involucra al espectador en un ambiente nocturno y misterioso en el que se combina una triple proyección de video con rayos láser emitidos por una escultura que sugiere una figura humana tendida. La tierra que recubre el suelo y la presencia de materiales naturales (conchas, ramas) se asemeja a un entorno prehistórico o posthistórico. No history in a room filled with people with funny names 5 reúne una gran diversidad de imágenes y sonidos, creando una atmósfera excesiva, envolvente y perturbadora. Los videos combinan imágenes originales, como las grabadas por un dron de la estación de radio de Ramasum Camp, símbolo de la historia reciente de Tailandia como aliado de los EE. UU. durante la Guerra de Vietnam y ahora convertida en un destino turístico, y otras preexistentes, como la transmisión televisiva del episodio mediático del rescate de 12 niños y su entrenador de fútbol que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia en 2018. Esta obra fue inicialmente encargada por el Centre d'Art Contemporain Genève para la Biennale of Moving Image de 2018 y presentada en la Bienal de Venecia en 2019.

Concebida específicamente para la Galería Contemporánea, la primera exposición de Hugo Canoilas (Lisboa, 1977) en el Museo de Serralves confirma y amplía algunas de las inquietudes que mejor definen la práctica de este artista: la especulación sobre la relación entre el arte y la realidad (hechos políticos y sociales), preguntas sobre las características y límites de la pintura y el énfasis que se le da al trabajo colaborativo. Con formación en pintura, Canoilas ha estado examinando el lugar de este medio artístico, la forma como lo perciben los visitantes de museos y transeúntes (el artista es conocido por intervenciones en el espacio público que nunca se anuncian como obras de arte). En el caso de esta exposición en Serralves, Canoilas prescinde del lugar donde más naturalmente esperamos ver pinturas - las paredes de la galería - y decide intervenir en el suelo, rodapié y techo de la Galería Contemporánea - espacios desatendidos por casi todas las exposiciones de pintura. En el suelo hay tres piezas de vidrio de colores que representan medusas. Hechas en Marinha Grande, estas medusas -posibles símbolos del calentamiento climático, pero también de las ideas de informe y metamorfosis en el origen de varias obras de Hugo Canoilas- deben poder ser pisoteadas por los visitantes de la exposición. El protagonismo dado al suelo lo confirma el rodapié-pintura (en forma de caja de luz, con una pintura en lino en el exterior estirada como un lienzo, delimitando el espacio de la exposición), en el que el artista da visibilidad a un elemento arquitectónico tan común cuánto desapercibido. En el techo de la sala, Hugo Canoilas creará una pintura gestual que, al igual de sus pinturas abstractas más recientes, se basa en imágenes de la flora y fauna del fondo marino. Cabe señalar que la pintura también funciona como una caja de luz que crea un aura en la sala, afectando la percepción de las medusas. Las medusas son animales fascinantes que, a lo largo de sus inusuales ciclos de vida, experimentan diversas metamorfosis, reproducen células de formas inusuales. Su observación, que presencia variaciones dramáticas en la configuración, desafía todas las concepciones de estabilidad, todas las ideas sobre la relación entre las partes y el todo. Al igual que esta exposición de Hugo Canoilas, que consiste en tres elementos distintos - suelo, rodapié y techo - que se afectan mutuamente (en cooperación, simbiosis, competición, depredación y parasitismo) y que es una encarnación de una práctica artística que no cristaliza en una forma, pero que se cuestiona constantemente sobre sus límites, funciones y presupuestos.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.

Feria urbana que tiene como objetivo contribuir para mantener el carácter típico y pintoresco de la antigua venta callejera, integrada en la estrategia de entretenimiento de la ciudad. Aquí se venden toallas/mantelería y otros productos para la promoción turística de la ciudad.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

Conocer la Historia de la Danza en Portugal, hoy, implica pensar hoy en un espacio global, cruzado y en relación. La dimensión histórica, social y política convocada en el proyecto expositivo Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal (Para una línea de tiempo existir, genealogías de la danza como práctica artística en Portugal) que presentamos en los Vestíbulos del Auditorio de Serralves, integrada en la VI Edición del Festival DDD, seguramente contribuirá a nosotros hacerlo, a profundizar nuestro conocimiento en este campo. A partir de una reflexión sobre el presente, el equipo que creó la exposición construyó una compleja metodología histórica y artística que la llevó a una investigación profunda y multidisciplinar, siempre en marcha, sobre los procesos creativos, filosóficos y simbólicos que marcaron la Danza en el siglo XX y principios del siglo XXI, en el país. Para uma Timeline a Haver — genealogias da dança enquanto prática artística em Portugal es un ejercicio colectivo de señalización de hitos relacionados con el desarrollo y la difusión de la danza como práctica artística en Portugal en los siglos XX y XXI. Desarrollada de forma intermitente desde 2016 y asumiendo el presente como lugar de enunciación, cada edición sufre mutaciones que conducen a una reconfiguración física y metodológica de lo que es exhibido. Combina las fuentes bibliográficas con la escucha de testimonios, la recopilación de documentos originales con la investigación iconográfica, el diseño de narrativas y relaciones, buscando crear un lugar múltiple para la comprensión de lo que es o puede ser la danza, y proponiendo una familiaridad con las obras, los autores “cánones”, corporalidades, épocas y visiones del mundo, cuestionándolos estética y políticamente.

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

La nueva propuesta de Ensemble, dirección por Jorge Pinto, Jacques ou a Submissão [Jacobo O La Sumisión] (1950) nos trae de vuelta el teatro del absurdo de Eugène Ionesco. Atrapado en un juego de convenciones sociales cuyas reglas anhela liberarse, el protagonista es conducido, según Ionesco, "hasta la sumisión más completa, al punto de resignarse a una especie de quietud biológica". Este recorrido, lleno de situaciones surrealistas y marcado por elementos de humor e histeria, se desarrolla principalmente en términos de palabras. Es a través del trabajo sobre el lenguaje, de la tontería al discurso revelado como instrumento de poder, que se produce la transformación de un burlesco risible en una apoteosis de lo grotesco moderno.

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Este Alfredo Cunha que estamos hablando es el hombre con su cámara y su mirada. Cualquier buen fotoperiodista intuye, antes de saberlo con claridad, que una imagen, que debe contener todo contenido y seducción, es, siempre ha sido un momento decisivo. Antes de ser definido por Cartier-Bresson, ya existía en la mente de quienes fotografían el evento, el rostro y el movimiento. En los 50 años de carrera de Alfredo Cunha, muchas cosas han cambiado: el país que fotografía; el equipo que utiliza, lejos del primer Petri FT, de la Leica M3, que empezó a utilizar en 1973, y de las Leicas que le siguieron y a la que siempre se ha mantenido fiel; el soporte - desde lo analógico, mayoritariamente en blanco y negro, hasta lo digital, que utiliza desde 2003. La imagen del fotoperiodismo responde a la exigencia de concordancia con el texto, también está ligada al dónde, cuándo, cómo y por qué. Sin embargo, cuando el fotógrafo ya ha definido su estilo, y este es el caso de Alfredo Cunha, la seducción de la imagen anula la seducción de la noticia. En todos ellas se hace difícil asociar la imagen con un estilo porque Alfredo Cunha va más allá de la tendencia del momento y el tema. Y es en este sentido que podemos decir, con Barthes, que sus fotografías resultan sin código, dependen de la transmisión del suyo para nuestro cariño. Teresa Siza (texto adaptado)

“Estado vegetal” es un monólogo polifónico, ramificado, exuberante, repetitivo, divisible y sésil. La protagonista es una mujer, que no es un individuo, pero una multitud, un enjambre. Este no es un trabajo animal, es un trabajo vegetal. Basada en el pensamiento revolucionario de filósofos como Michael Marder y neurobiólogos como Stefano Mancuso, el espectáculo busca investigar nuevos conceptos como la inteligencia vegetal, el alma vegetativa o la comunicación vegetal y sus influencias en los procesos creativos. Si aceptamos que las plantas tienen otras formas de pensar, sentir, comunicarse, otra forma de conciencia y otra noción de tiempo, quizás podamos evaluar nuestras propias nociones de lo que es pensar, sentir, ser, comunicar, transformar, ser consciente. “Estado vegetal” gira en torno a un diálogo imposible entre los seres humanos y plantas. Un diálogo fallado con la naturaleza, que es quizás nuestro monólogo más innato.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

El Palácio da Justiça do Porto presenta la exposición RESPIRAR de Armanda Passos entre el 19 de abril y el 19 de mayo. La exposición, promovida por el Tribunal da Relação do Porto, tiene el subtítulo: Quantos animais cabem no coração dos homens? (¿Cuántos animales caben en el corazón de los hombres?) Serán exhibidas 39 obras, entre gouaches y tinta china sobre papel, doblemente catalogadas, que nos llevarán a una mirada atenta a los animales, según un extracto del texto por la propia pintora también expuesto: "A veces, pinto con la misión de defender los animales. Una y otra vez, trabajo con el arte como si fuera un código para descifrarlos, donde puedo sentirlos, reír con ellos y sufrir con ellos por dentro y darles la posibilidad de Ser”. También se expondrán extractos de textos incluidos en el catálogo de la exposición, del presidente del Tribunal da Relação do Porto, juez Magistrado del Tribunal Supremo de Justicia Nuno Ataíde das Neves, del ex presidente del Colegio de Abogados, Dr. Guilherme Figueiredo y de los comisarios.

Un muro es un muro. Construido para evitar que las personas se muevan de un lugar a otro, se enfrenta a una especie de dilema existencial. Una persona es una persona: si necesita pasar por encima del muro, lo pasará o morirá en el intento. O vivir intentándolo. Entre una vida cotidiana difícil, violenta, tantas veces miserable, y la ilusión del paraíso, miles de personas intentan a diario cruzar la frontera entre México y Estados Unidos. En Amarillo, una mujer da voz al discurso imaginado de un hombre ausente, cuyo sueño era el El Dorado americano de llegar a Amarillo, Texas, nunca cumplido. Jorge A. Vargas escenifica esta ausencia, eco de tantas otras, donde los personajes se revelan, multiplicando rostros e identidades. Desde su centro de investigación en Coyoacán, el Teatro Línea de Sombra trabaja en el encuentro entre el teatro, las artes visuales, la música o el video, entrelaza la imaginación con el teatro físico para construir un retrato de la humanidad simple en medio de los impasses de la época contemporánea.

El gran poeta Maiakovski resucita en un futuro lejano. Llamaremos a los habitantes de ese otro tiempo Os do Futuro (Los del futuro). Está en marcha un programa experimental de resurrección humana. Maiakovski es uno de los humanos del pasado que Os do Futuro desean conocer. Involucrado en este viaje en el tiempo, el poeta de la revolución se encuentra atrapado en una de sus trampas preferidas. Las cosas se complican, pero Os do Futuro no se rinde en su designio, ya que la poesía y el teatro de Maiakovski están llenos de mensajes que asumieron que iban dirigidos a ellos. A través de esta ficción poco científica habitada por actores y marionetas, intentaremos (re)animar algunos objetos del complejo universo de Vladimir Maiakovski: la ruptura con las estructuras tradicionales, la hibridación entre el deseo amoroso y el entusiasmo político en su poesía, la crítica social y la correspondencia. con el futuro.

La Orquestra Sinfónica propone un final de tarde lleno de partituras de compositores portugueses. Carlos Lopes, Joven Compositor en Residencia en Casa da Música en 2021, presenta en estreno mundial Epóxi, obra que escribió específicamente para la formación sinfónica residente de la Casa. Comisionada en 2005, Six Portraits of Pain de António Pinho Vargas está habitada por textos sobre diferentes tipos de sufrimiento existencial, y contará con la participación del solista Lucas Fels, violonchelista del prestigioso Arditti Quartet. El concierto también incluye una obra de la última fase creativa de Fernando Lopes-Graça, un homenaje a una de las grandes figuras del período clásico: Joseph Haydn.

¡Quinta edición de VINHOS a Descobrir, la primera de 2021, 8 y 9 de mayo! ¡Feria del vino portugués producida por INSPIRE, dedicada a los aficionados al vino y a los que les gusta comprar vino! El Wine Market se llevará a cabo en el hermoso Mercado Ferreira Borges, un símbolo de la ciudad, en el corazón del casco histórico de Porto. Dentro del espacio Hard Club, privilegiando el contacto entre visitantes y Productores. Uniendo a los aficionados al vino y los productores, compartiendo novedades, ¡el lugar ideal para un fantástico mercado del vino! En un espacio amplio y ambiente relajado, contará con 40 Productores, de diferentes regiones, que llevarán a Porto, ¡más de 350 referencias! Desde los fantásticos vinos del Duero y Porto, pasando por el Vinho Verde, con reinterpretaciones del Alvarinho y del Loureiro, diferentes enfoques de los vinos de Bairrada, excelentes y premiados vinos del Tajo y de Óbidos, pasando por la excelencia de Beira Interior a lo fantástico Alentejo. ¡Muchas sorpresas y lanzamientos de vinos! Los visitantes tienen la posibilidad de hablar con los productores, conocer nuevos vinos y comprar vino a precios especiales. Para una mejor experiencia de maridaje con el vino, cuentan con excelentes productos regionales y gourmet de la Rissolaria Tradicional, queso Bornes de Trás-os-Montes y helados artesanales de Wine on Ice.

En una mañana de domingo dedicada a la música que viene del norte, una de las destacadas es Finlandia, una obra de Jean Sibelius que se convirtió en un auténtico himno a la nación finlandesa y que se presenta aquí en una transcripción para coro. El poema sinfónico, de fuerte inspiración tradicional, fue creado para uno cortejo patriótico en Helsinki durante la ocupación rusa y que se convirtió en un símbolo de resistencia. Sibelius, una de las grandes figuras de la música escandinava y del fin del romanticismo, identificó características únicas en Einojuhani Rautavaara, un músico con el que se cruzó al final de su vida y que escribió obras que alcanzaron el estatus de culto a nivel internacional. Una de las más populares, compuesta en 1973, está basada en textos del poeta español Federico García Lorca. Entre la música coral de inspiración popular o religiosa, aquí también se oirá composiciones recientes sobre textos de grandes autores del pasado, como Shakespeare y Petrarca.

Reimaginando el futuro del planeta en el siglo XXI La noción del Antropoceno salió de las ciencias geofísicas a las humanidades, las ciencias sociales, las artes y los medios de comunicación, lo que provocó un vasto debate global sobre el futuro de la vida en el planeta. En la “era de los humanos”, los humanos se han convertido en una de las fuerzas geofísicas más potentes del planeta y nuestras actividades nos están llevando a una creciente incertidumbre ambiental. Si el mundo alguna vez ha tenido la ilusión de estabilidad, ahora enfrenta la posibilidad de un futuro con problemas sin fin. Pero el Antropoceno no es solo una época de colapso y destrucción ambiental; también es una época para superar desastres y catástrofes y crear nuevas visiones de esperanza y justicia. Los nuevos retos del cambio climático, la extinción de especies y el aumento del nivel del mar obligan a reimaginar el lugar de la humanidad en el mundo y a repensar urgentemente las fuerzas dominantes que amenazan el equilibrio ecológico del planeta. El uso del término Antropoceno para denominar esta nueva era de crecientes incertidumbres antropogénicas abrió un campo completamente nuevo de conversaciones multidisciplinarias e interdisciplinarias sobre la relación de los seres humanos con el medio ambiente en el siglo XXI, pero también generó una comprensión monolítica del Antropoceno como una experiencia humana unificada. Este marco del Antropoceno en torno a un paradigma de especie universalizante crea un efecto homogeneizador. Y, sin embargo, no todos los humanos están igualmente involucrados en las fuerzas que conducen a las crisis ambientales contemporáneas, y no todos los humanos están igualmente invitados a los espacios conceptuales donde se teorizan estos desastres o donde se formulan las respuestas a estos desastres. Pluralizando el Antropoceno presentará un conjunto de reflexiones antropológicas por importantes figuras de las humanidades y las ciencias contemporáneas comprometidas con una visión más plural de los debates en torno al Antropoceno y los grandes temas de resiliencia, adaptación y lucha por la justicia ambiental. El enlace de acceso se enviará una vez finalizado el período de inscripciones.

A partir de la yuxtaposición de varios “cuadros” del mundo, Alexandre Dal Farra y Patrícia Portela forman un paisaje de recuerdos e imágenes de las dos últimas décadas en Brasil y Portugal. El coronel Brilhante Ustra, una emigrante portuguesa, una Timor-Oriental que lucha por su independencia a través de su líder Xanana Gusmão, un cometa Halley que pasa y no se ve, son algunos de esos paisajes que, al relacionarse, crean un tenue hilo de tensión implícitamente política. Este tenue hilo pasa por el gesto de la reconciliación. Con el pasado, con lo que (todavía) no nos ha pasado, con el mundo ahora, con nosotros. Este tenue hilo pasa por una promesa de una Europa que ambos comparten y que nadie habita o imagina, como propuesta moral, concepto cívico, idea filosófica. En un mundo que se encamina hacia la reapertura de heridas y hacia extremos irreconciliables, hay que recordar que la guerra es una opción real, pero la reconciliación también.

Las interrogaciones sobre el carácter mediatizado de la sociedad en la que vivimos marcan este concierto, desde luego con una obra de Igor C. Silva que se debate con la manera cómo la televisión puede afectar la percepción de lo real. Este tema también es frecuente en la obra de Goebbels: inspirada en una novela de Alain Robbe-Grillet, La Jalousie hace una reconstrucción sonora de los celos reprimidos del protagonista que espía a su compañera a través de una persiana - la narración es de Tiago Matos, uno de los cantantes portugueses con mayor proyección internacional en la actualidad. Dosis de humor, locura y virtuosismo no faltan tanto en la famosa Chamber Symphony de John Adams, que incluso recrea las locas persecuciones del personaje animado Correcaminos, como en la partitura de Bernd Richard Deutsch, inspirada en las visiones y distopías de los libros de ciencia ficción de Phillip K. Dick.

Esta muestra en el Palácio da Bolsa presenta dos obras icónicas de principios de la década de 1970 que amplían la investigación del artista sobre los signos lingüísticos más allá del campo de la pintura. Caixa Branca (1971) propone crear, a partir de la casualidad y con la participación del público, un nuevo lenguaje. La obra contiene un rudimentario sistema de lámparas e interruptores a través de los cuales se pueden encender o apagar las letras del alfabeto según la invención lúdica de nuevas palabras y sintaxis. La obra “A” grande (1970) es el único vestigio conservado y restaurado por Vieira de su primera representación, titulada O Espírito da Letra. En este “acción- espectáculo” presentó una serie de cartas de gran formato que posteriormente fueron destruidas por el artista y un grupo de niños. Rompiendo con los límites de la pintura bidimensional, las letras de Vieira ganaron sustancia y establecieron una confrontación física con los espectadores y con los agentes de la destrucción performativa, dejando implícita una crítica al lenguaje como soporte del discurso. Estas obras históricas se presentan en el Palácio da Bolsa en el marco del programa nacional de itinerancias de la Colección de Serralves, que tiene como objetivo hacer que la colección de la Fundación sea accesible a públicos diversos de todas las regiones del país.

¡La magia ocurre en el escenario, en el público y en casa! ¡Una experiencia verdaderamente compartida, innovadora e inolvidable! LUIS DE MATOS #CONECTADOS conjuga dos mundos, reuniendo a quienes pueden y quieren ver en vivo un espectáculo 100% seguro y destinado a toda la familia, y a quienes por motivos personales o geográficos les gustaría participar desde casa. Un espectáculo 100% original, para toda la familia, dentro y fuera del teatro. No es un espectáculo convencional. No es un espectáculo virtual. No es una transmisión vía streaming. No es una reunión en zoom con cientos de personas ... ¡es todo eso al mismo tiempo! En el panorama del entretenimiento mundial LUIS DE MATOS #CONECTADOS es el primer espectáculo híbrido donde los espectadores que participan de forma remota interactúan con el público presente físicamente en el teatro, y viceversa. En LUIS DE MATOS #CONECTADOS la audiencia es mucho mayor que la que cabría en el propio teatro, estando formada por los espectadores que asisten en persona y todas las familias invitadas a asistir desde sus casas. Cada compra de entradas ofrece acceso virtual para participación remota. ¡La magia ocurre en el escenario, en el público y en casa!

Santa Casa Portugal ao Vivo llega al escenario del Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota con una 2ª edición, en los meses de mayo y junio de 2021. Con el fin de continuar la alianza entre Everything is New y PEV Entertainment y tal como en la 1ª edición, se celebrarán simultáneamente 10 espectáculos en Lisboa y 10 espectáculos en Porto, en el Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota, para un total de 20 espectáculos, que comenzarán el 21 de mayo y terminarán el 26 de junio. Aún sobre la premisa de "Cultura para todos" y con el objetivo de reanudar e incentivar la Cultura en Portugal, en esta segunda edición, la Santa Casa vuelve a sumarse a la iniciativa como naming sponsor, reforzando la llamada urgente de devolver la cultura a la vida cotidiana de todos los portugueses. Una necesidad que quiere promover el reencuentro entre el público y los artistas, prometiendo llevar al escenario lo mejor de la música y la comedia portuguesa. Para garantizar la seguridad de todos y mantener el lema "A Cultura é Segura" (La cultura es segura), cada espectáculo se diseña en base al estricto cumplimiento de las normas emitidas por la Direção Geral de Saúde-DGS (autoridad sanitaria). El uso de mascarillas es obligatorio, en un espacio delimitado para ese propósito, donde se marcarán todos los asientos, cumpliendo con la distancia obligatoria entre los espectadores que no formen parte del mismo grupo. Por último, para evitar cualquier tipo de aglomeración entre las personas, todas las entradas y salidas tendrán recorridos diferenciados con la señalización adecuada.

Manifesto transpofágico (Manifiesto Transpofágico) es la transpofagia, de la transpología de una transpóloga. “Hoy decidí vestirme con mi propia piel. Mi cuerpo travesti” Renata “se viste” con su propio cuerpo para narrar la historicidad de su corporalidad. “Mi cuerpo vino antes que yo, sin que yo preguntara. Es mayor que yo”. Renata se alimenta de su “transcestralidad”. Cómela, digiérela. Una transpofagia. "De mi historia o mis historias o nuestras historias, la mayoría son iguales". Renata narra la construcción social e imaginen del cuerpo transgénero, la sexualización, los estereotipos, la transfobia estructural, la criminalización, el encarcelamiento masivo, la violencia, la patología que permea estos cuerpos, como el suyo. La vivencia travesti. Nos invita a mirar, a observar, a ver su cuerpo Travesti. Nos trae en primera persona. El Cuerpo Travesti como experimento, un conejillo de indias. Es una Travaturgia, una escrivivencia. Un manifiesto de un Cuerpo Travesti. El letrero parpadea TRAVESTI. TRAVESTI. TRAVESTI. - Renata Carvalho

Entre sestas es una documentación y amalgama de sueños, recuerdos, viajes, de raíz poética y semi-presente en el mundo real. es el escape, un poco de lo que queda y mucho de lo que pasa en la avalancha constante de sus pensamientos. una oda a lo banal, pero también a la inmensidad, a los contrastes que caracterizan lo que es, al fin y al cabo, la vida. Maria Corvacho (Porto, 1989) desde temprana edad se perdió en lápices y pinturas como medio de crear la evasión a otras realidades. Sigue haciéndolo como pintora e ilustradora, le interesa principalmente lo trivial, todo lo que es orgánico y representar lo que para ella es la insignificancia del ego.

Hasta el 1 de agosto, el Museu Nacional de Soares dos Reis acoge la exposición temporal “José Régio: [Re]visitações à Torre de Marfim”, una propuesta de los Ayuntamientos de Vila do Conde y de Portalegre, en el contexto del grupo de trabajo nacional estructurado en virtud de la evocación del 50 aniversario de la muerte de José Régio, que se celebró en 2019. Dibujos de carácter íntimo, referencias de la imaginación del poeta, diseñados en tinta china, acuarela, lápices de colores y cera pigmentada, consolidando el trazo previo en grafito, marcan el manuscrito del autor, a veces incluido en la composición del poema, a veces anticipándolo o sucediéndolo, materializando la fugaz impresión que parecía eludirle.

El Día Internacional de los Museos se celebra siempre el 18 de mayo, y este año bajo el lema “El futuro de los museos: recuperar y reimaginar”, pero el espíritu del evento se instala más temprano en la Terra do Dragão, a través de este taller creativo, perfecto para participar en familia. La imaginación hará magia en una actividad que propone la reinvención del recorrido expositivo del Museo. A partir de elementos existentes en la exposición, o añadiendo objetos nacidos de la creatividad de cada uno, los niños crearán nuevos museos con historia del FC Porto, siempre con la ayuda de los adultos. El taller lleva la marca de referencia del Servicio Educativo del Museo FC Porto.

Joss Stone se ha propuesto la emocionante misión de ser la primera cantante en actuar en todos los países de la ONU como parte de su "Total World Tour". Joss ha tocado en más de 170 países para miles de personas de todas las razas, religiones y orígenes. Su objetivo es unir a las personas utilizando el lenguaje universal de la música y mostrar que ningún país o persona es más importante que otro. Durante la gira, Joss colabora con un artista, músico o banda local en cada país que visita. No solo para aprender de las tradiciones musicales de ese país, sino también para crear material audiovisual que pueda usarse para compartir y promover el increíble talento creativo y la cultura musical que existe en todos los países del mundo. El concierto en el estadio Super Bock incluirá varios de los éxitos de sus 12 años de carrera musical, así como versiones clásicas y la introducción de canciones grabadas recientemente. Cada concierto de Joss Stone es diferente, ya que permite que cada espectáculo se convierta en una nueva experiencia musical, satisfaciendo las necesidades y deseos de la audiencia.

Hasta el próximo 31 de agosto de 2021, los visitantes de la Torre y el Museo de los Clérigos se sorprenderán con una exposición de fotografía con el tema “Só, Neste Porto Só!”, de Clara Ramalhão y con las contribuciones de Paulo Ferreira (director de la película Lockdown Porto), retratando el confinamiento vivido de marzo a mayo de 2020. “Con esta exposición, la Hermandad de los Clérigos pretende mostrar a sus visitantes nacionales e internacionales cómo ha sido vivir un Porto vacío, sin su gente y sin sus visitantes, pero también para mostrar un mensaje de luz y esperanza”, dice el padre Manuel Fernando, presidente de la Hermandad de los Clérigos.

La pianista surcoreana Yeol Eum Son ha ganado los prestigiosos concursos Van Cliburn y Tchaikovski y varios otros concursos internacionales. Recientemente, fue solista en la última grabación del legendario director Sir Neville Marriner. Su recital de debut en Portugal se centra en el piano romántico de Schumann y Chopin. Schumann fue un gran maestro de la pequeña forma, de las pequeñas piezas para piano como el Arabesco que abre este recital, ecos de sus brillantes canciones. En cuanto a la Fantasía, se originó en una pieza que buscaba expresar la pasión y la desolación de estar lejos de la persona que amaba. El programa termina con los Preludios op. 28 de Chopin, una obra tan perfecta que le quitó estas palabras a Schumann: “Incluso en los silencios lo reconocemos, su aliento ardiente. Es y sigue siendo el más audaz, el genio poético más valiente de nuestro tiempo”. "Yeol Eum Son es un modelo de esplendor y ligereza" The Times

“Sia + Daniel Askill: The Videos 2003-2021” es una retrospectiva inmersiva que muestra los proyectos de video colaborativos completos de la pareja hasta ahora. Estas piezas exploran temas comunes de identidad, tensión y el poder de la autoexpresión optimista, trazando el ascenso de Sia de favorita del indie a icono global de la música, así como la carrera de Askill al convertirse en uno de los directores de videos musicales y de anuncios más influyentes del mundo de nuestro tiempo. Un proyecto que llevó años a desarrollar, la experiencia incluye trabajos de video codirigidos por la pareja, así como imágenes entre bastidores nunca antes vistas por el público en general. Producido en colaboración con Semi Permanent y Moon, con el apoyo de Turismo de Portugal y la Ciudad de Porto, este es un proyecto creado con amor entre amigos. Disfrute de la exposición.

Parque Central da Asprela En la prepandemia, fue posible conocer “por dentro” algunas de las infraestructuras más impresionantes de Porto, como los túneles del Metro do Porto o el tablero técnico del icónico Puente de São João. En las circunstancias actuales, la iniciativa “Inovação Fora de Portas – Engenharia Civil à Mostra” se realiza en casa, en formato digital, pero los viajes prometen zarpar todos los meses. Proyecto que aspira a ser el nuevo “pulmón verde” de la ciudad y conecta todo el campus universitario de Asprela. El proyecto de recalificación, coordinado por Paulo Farinha Marques (arquitecto paisajista y profesor de la Facultad de Ciencias de la Universidad de Porto). La sesión será acompañada de la presentación de un video documental sobre los proyectos y una charla sobre el gran desafío del control hidrográfico del Arroyo da Asprela y todos los demás arroyos circundantes como una oportunidad para crear un espacio paisajístico único en Porto, agradable no solo para el disfrute de la población, sino también como solución de paso (peatonal o ciclista) para la comunidad académica que diariamente estudia y trabaja en esta zona de la ciudad.

1969. Marighella no tuvo tiempo de tener miedo. Por un lado, una violenta dictadura militar. Por el otro, una izquierda intimidada. Rodeado de guerrilleros 30 años más jóvenes y dispuestos a reaccionar, el líder revolucionario optó por la acción. En Marighella, el enemigo número uno de Brasil intenta organizar un frente de resistencia mientras denuncia el horror de la tortura y la infamia de la censura instalada por un régimen opresor. En una experiencia radical de combate, lo hace en nombre de un pueblo cuyo apoyo a su causa es incierto, mientras intenta cumplir su promesa de reunirse con su hijo, de quien ha estado distante durante años, como forma de protegerlo.

¡Los libros son mágicos y, a veces, incluso tienen secretos fabulosos! Rui Ramos sube al escenario del Auditorio Fernando Sardoeira Pinto (Museo) y revelará las páginas de un libro tan secreto que solo un mago podrá abrirlo. Bajo la dirección ingeniosa y escénica del anfitrión, los cuentos y el arte mágico se encuentran en otra História com Magia para Dragõezinhos. El evento está dirigido a los niños, pero también está diseñado para la participación en familia, porque en este universo encantador, ¡hasta los adultos se divierten de verdad!

José Diogo Martins ha colaborado como pianista e improvisador con varios de los conjuntos de jazz nacionales más innovadores, desde las big bands de Estarreja, Porto y Matosinhos hasta los proyectos de Pedro Melo Alves, Miguel Rodrigues y Ricardo Coelho. Fue solista invitado de la Orquestra Jazz de Matosinhos en el concierto donde se presentó Jazz in the Space Age de George Russell, ya editado en disco. Como compositor escribió THEATRO – um ensaio geral, en asociación con Pedro Lima y Francisco Fontes, y más tarde la ópera de cámara Precisas de Falar?

Antonin es una especie de dandi. Es hábil con las palabras y podría haber sido un escritor famoso, pero en cambio las usa para escapar de los diversos problemas y líos en que se mete. Manteniendo la distancia social recomendada, tiene varias conversaciones, humorosas y a veces surrealistas, con las mujeres de su vida.

El hijo pródigo, Osvald Alving regresa a la casa de sus padres con una “infección”, una enfermedad que engendra fantasmagorías. En su presencia se adensan las sombras de un conjunto de “actitudes pasadas de moda y creencias muertas”, los “espectros” que envenenan el presente e hipotecan el futuro. Circunscritos a un lugar oscuro del que nadie sale ni entra, los personajes de Espectros (1881), del dramaturgo noruego Henrik Ibsen, viven “con miedo a la luz”, descontentos con el estrangulamiento de sus vidas afectivas, ávidos de un vital impulso que les libere de una existencia regida por el conservadurismo y la omnipresencia del dinero. “Con Ibsen”, escribió George Steiner, “la historia del teatro comienza de nuevo. Esto es suficiente para convertirlo en el dramaturgo más importante desde Shakespeare y Racine". El director Nuno Cardoso lo incluye en el repertorio de este Teatro Nacional, en un gesto programático que es importante señalar. "¿Qué heredamos?", pregunta Helene Alving, la madre de Osvald. Heredamos una fuerza del pasado, tan fuerte y persistente que sigue resonando en nuestros “pocos y desalmados” días.

Terminal Intermodal Campanhã En la prepandemia, fue posible conocer “por dentro” algunas de las infraestructuras más impresionantes de Porto, como los túneles del Metro do Porto o el tablero técnico del icónico Puente de São João. En las circunstancias actuales, la iniciativa “Inovação Fora de Portas – Engenharia Civil à Mostra” se realiza en casa, en formato digital, pero los viajes prometen zarpar todos los meses. La Terminal Intermodal de Campanhã (TIC) es un proyecto innovador para los transportes y la movilidad en Porto, además de un gran emprendimiento de arquitectura e ingeniería. También es revolucionario en el campo de la sostenibilidad ambiental, ya que se convertirá en el mayor centro de absorción de carbono al este de la ciudad. Será, además de una nueva centralidad urbana, un parque natural que contempla el valle oriental de la ciudad y una nueva puerta de entrada en Porto para los que vengan en tren. La sesión será acompañada de la presentación de un video documental sobre la obra y una charla con las personas involucradas en el proyecto.

Dançar em tempo de guerra (Bailando en tiempos de guerra) es un programa que reúne dos obras de dos coreógrafos referentes del siglo XX, Martha Graham y Kurt Jooss. Chronicle y La Mesa Verde, ambas creadas en la década de 1930, reflejan las preocupaciones de sus autores sobre la idea de guerra. En cuanto Jooss trabaja a partir de los efectos de la Primera Guerra Mundial, Graham informa sobre las trágicas consecuencias sociales y humanas, reflejando el contexto de la época. Tras ser bailada por última vez por la Companhia Nacional de Bailado, en 1987, La Mesa Verde vuelve a los escenarios junto a Chronicle, de Martha Graham, coreógrafa que pasó a formar parte del repertorio de la compañía con esta obra, en marzo de 2020.

Tras la Semana Santa, comienza la época de las fiestas populares. En todo el país, las romerías ocupan las plazas. Partiendo de la colección de instrumentos populares portugueses que existen en la Casa da Música, y de todo un cancionero, recrearemos un verdadero festival portugués en celebración de la música más popular.

Porto es una ciudad de dragones que se descubren en esta visita original y dirigida por Joel Cleto. Esta es una forma muy inusual de conocer historia de FC Porto y de Porto, acompañando al historiador en nuevos descubrimientos a lo largo de los caminos ricos en recuerdos y curiosidades sobre Invicta, siempre con muchas vistas para el azul y blanco del FC Porto. “Rota do Dragão” es un concepto innovador que el Museo FC Porto y el historiador Joel Cleto han desarrollado desde 2014 y ya ha sido distinguido con el Premio de Informação Turística de la Associação Portuguesa de Museologia. La edición 2021 arranca al aire libre y mantiene una línea de calidad y evolución al descubrir, comprender y compartir la historia, dentro del Museo o en la ciudad, pero siempre en el corazón de Porto y con un carácter sorprendente asociado a cada visita. La participación es limitada y se aconseja inscripción previa.

Johann Sebastian Bach vivió casi tres décadas en la ciudad de Leipzig, donde escribió innumerables páginas brillantes en la historia de la música, y a un ritmo impresionante, tal fue la demanda de los puestos que ocupaba. Los oratorios presentados en este concierto reflejan la celebración de la vida asociada a la Resurrección de Cristo, y están acompañados de uno de los conciertos más celebrados para solistas y orquesta escrito por el genio alemán. Celebrando los 15 años de su fundación, la Orquestra Barroca Casa da Música se une a un elenco de solistas especializados en música antigua para una interpretación lo más fiel posible a la época de la creación de estas obras.