Le invitamos a ver la serie SERRALVES IN TALKS: LOUISE BOURGEOIS, donde Philippe Vergne, Director del Museo Serralves, presenta las obras de la artista en la exposición DESLAÇAR UM TORMENTO, actualmente expuesta en el Museo y Parque de Serralves. Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois cubre un lapso de siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de la década de 1940 y 2010. Visitada y revisitada en numerosas exposiciones realizadas durante las últimas décadas en diferentes espacios museísticos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia: la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística.

“Jung dice que nos encontramos con arquetipos a lo largo de nuestra vida. El Emperador sube por una calle empinada adelante de nosotros. El Ermitaño sentado junto a nosotros, solo, en el cine. La Papisa nos extiende un libro que nos cambia profundamente. Te miré de lejos, me pregunté: ¿El Colgado? ¿El Loco?” Una correspondencia entre dos desconocidos, basada en la importancia de lo simbólico en sus vidas: ambos rescataron esta relación ancestral, con la esperanza de acomodar mejor su dolor o amor. En una época de miseria simbólica, estas representaciones parecen ser no solo formas de expandir nuestra percepción de nuestro entorno, sino también de quiénes somos después de todo: representaciones, también nosotros, dispuestos a influir profundamente en quien se cruza con nosotros. "A New New Age is necessary". En un mundo cada vez más digital y a gran velocidad, es necesario aflojar y desarrollar nuevos formatos de presentación y, sobre todo, nuevos formatos de creación y formas de trabajar que nos permitan seguir consolidando las obras artísticas en la realidad actual. En una temporada híbrida entre el presencial y lo digital, el Teatro Municipal do Porto invita a 8 artistas para una colaboración especial, diseñada específicamente para plataformas en línea, donde un director y un artista escénico, en pareja, y en una relación de igualdad, son invitados a crear un nuevo objeto digital que atraviese sus universos y discursos. La imagen en movimiento se cruza con los ámbitos de la danza, el circo contemporáneo, la literatura, el teatro y las formas animadas, permitiendo así también el acceso de diversos públicos, incluso los más distantes, a estas obras.

Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

R. H. Quaytman emplea técnicas de reproducción mecánica y tradiciones del arte conceptual para crear series cerradas de obras divididas en capítulos. Las partes posteriores están numeradas para marcar el paso del tiempo y el gradual completar de la vida y del proyecto artístico. La artista trata todas las exposiciones y pinturas presentadas como una empresa creativa. R. H. Quaytman aborda la pintura como si fuera poesía: al leer un poema, se repara en palabras específicas, nos damos cuenta de que cada palabra tiene una resonancia. Las pinturas de Quaytman, organizadas en capítulos estructurados como un libro, tienen gramática, sintaxis y vocabulario. Si bien el trabajo está delimitado por una estructura rígida a nivel de material, aparecen solo en paneles biselados de contrachapados en ocho tamaños predeterminados resultantes de la proporción áurea, el contenido de final abierto crea permutaciones que dan como resultado un archivo sin fin. La práctica de Quaytman involucra tres modos estilísticos distintos: serigrafías basadas en fotografías, patrones ópticos como muaré y tramas brillantes, y pequeñas obras al óleo pintadas a mano. La obra de Quaytman, presentada por primera vez en Portugal, apunta a las nuevas posibilidades de la pintura actual. ¿Qué es una pintura, un icono? ¿Cuáles son los medios de pintar en una cultura saturada de estímulos visuales, desde la fotografía hasta el bosque digital de signos? ¿Sigue siendo la pintura una forma relevante de compartir nuestra historia? La exposición está coorganizada por el Muzeum Sztuki en Lódz, Polonia, y por la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Comisariada por Jaroslaw Suchan

Se trata de la primera exposición en Portugal de Korakrit Arunanondchai (Tailandia, 1986), un artista que se mueve entre los campos del vídeo, la performance, la escultura y la instalación y que se divide entre dos culturas: la del este, donde nació y creció y la del occidental, en particular la de Estados Unidos, donde desde 2009 estudió arte y donde ha vivido en los últimos años (alternando con estancias en Tailandia). La obra de Arunanondchai explora y relaciona temas como la religión y mitología oriental, el medio ambiente, la ecología, la música, la geopolítica y el desarrollo tecnológico, contrastando la espiritualidad asiática con el pragmatismo occidental. Arunanondchai reflexiona sobre la vida contemporánea y la situación de la humanidad en la era de la tecnología, especulando sobre las consecuencias del Antropoceno, una definición reciente y que marca el efecto de la actividad humana como la fuerza ambiental dominante en el planeta, capaz de alterar su composición geológica. En su práctica, el artista utiliza acontecimientos y experiencias autobiográficas. En varias obras, amigos y familiares participan y de alguna manera se involucran en el trabajo. No history in a room filled with people with funny names 5 (2019) es una instalación hecha en colaboración con el artista Alex Gvojic (Estados Unidos, 1984), amigo con el que trabaja desde hace varios años. Boychild, artista vinculada a la performance y a la danza que colabora habitualmente con Korakrit Arunanondchai, también es una figura presente en esta obra. No history in a room filled with people with funny names 5 involucra al espectador en un ambiente nocturno y misterioso en el que se combina una triple proyección de video con rayos láser emitidos por una escultura que sugiere una figura humana tendida. La tierra que recubre el suelo y la presencia de materiales naturales (conchas, ramas) se asemeja a un entorno prehistórico o posthistórico. No history in a room filled with people with funny names 5 reúne una gran diversidad de imágenes y sonidos, creando una atmósfera excesiva, envolvente y perturbadora. Los videos combinan imágenes originales, como las grabadas por un dron de la estación de radio de Ramasum Camp, símbolo de la historia reciente de Tailandia como aliado de los EE. UU. durante la Guerra de Vietnam y ahora convertida en un destino turístico, y otras preexistentes, como la transmisión televisiva del episodio mediático del rescate de 12 niños y su entrenador de fútbol que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia en 2018. Esta obra fue inicialmente encargada por el Centre d'Art Contemporain Genève para la Biennale of Moving Image de 2018 y presentada en la Bienal de Venecia en 2019.

Concebida específicamente para la Galería Contemporánea, la primera exposición de Hugo Canoilas (Lisboa, 1977) en el Museo de Serralves confirma y amplía algunas de las inquietudes que mejor definen la práctica de este artista: la especulación sobre la relación entre el arte y la realidad (hechos políticos y sociales), preguntas sobre las características y límites de la pintura y el énfasis que se le da al trabajo colaborativo. Con formación en pintura, Canoilas ha estado examinando el lugar de este medio artístico, la forma como lo perciben los visitantes de museos y transeúntes (el artista es conocido por intervenciones en el espacio público que nunca se anuncian como obras de arte). En el caso de esta exposición en Serralves, Canoilas prescinde del lugar donde más naturalmente esperamos ver pinturas - las paredes de la galería - y decide intervenir en el suelo, rodapié y techo de la Galería Contemporánea - espacios desatendidos por casi todas las exposiciones de pintura. En el suelo hay tres piezas de vidrio de colores que representan medusas. Hechas en Marinha Grande, estas medusas -posibles símbolos del calentamiento climático, pero también de las ideas de informe y metamorfosis en el origen de varias obras de Hugo Canoilas- deben poder ser pisoteadas por los visitantes de la exposición. El protagonismo dado al suelo lo confirma el rodapié-pintura (en forma de caja de luz, con una pintura en lino en el exterior estirada como un lienzo, delimitando el espacio de la exposición), en el que el artista da visibilidad a un elemento arquitectónico tan común cuánto desapercibido. En el techo de la sala, Hugo Canoilas creará una pintura gestual que, al igual de sus pinturas abstractas más recientes, se basa en imágenes de la flora y fauna del fondo marino. Cabe señalar que la pintura también funciona como una caja de luz que crea un aura en la sala, afectando la percepción de las medusas. Las medusas son animales fascinantes que, a lo largo de sus inusuales ciclos de vida, experimentan diversas metamorfosis, reproducen células de formas inusuales. Su observación, que presencia variaciones dramáticas en la configuración, desafía todas las concepciones de estabilidad, todas las ideas sobre la relación entre las partes y el todo. Al igual que esta exposición de Hugo Canoilas, que consiste en tres elementos distintos - suelo, rodapié y techo - que se afectan mutuamente (en cooperación, simbiosis, competición, depredación y parasitismo) y que es una encarnación de una práctica artística que no cristaliza en una forma, pero que se cuestiona constantemente sobre sus límites, funciones y presupuestos.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

El Super Circo presenta ¡"Um Espetáculo de Sonho"! Vea el gimnasta en la rueda de la muerte, al equilibrista en una torre de sillas, a las princesas voladoras, al payaso Pedrito y mucho más.

"O Vírus Corona e o Exército do Bem". Una historia que nos enseña todo que, solos, podemos hacer muy poco, pero juntos podemos cambiar el mundo. En compañía de Teresinha, aprenderemos cómo podemos combatir este virus y averiguaremos cómo podemos ayudar a quien más lo necesita. La Teresinha viene a dar a conocer el proyecto que toda la familia comenzó a ayudar en el inicio de esta pandemia. La Associação SOUMA. Gracias a la generosidad de muchos que creen en un bien mayor, esta historia que ahora les llega en forma de "Teatro en casa", difunde un mensaje de amor y esperanza en tiempos difíciles para todos. Venga con nosotros a formar parte de este "Exército do Bem" (Ejército del Bien). Parte del precio de esta entrada se destinará a la Associação SOUMA.

Reimaginando el futuro del planeta en el siglo XXI La noción del Antropoceno salió de las ciencias geofísicas a las humanidades, las ciencias sociales, las artes y los medios de comunicación, lo que provocó un vasto debate global sobre el futuro de la vida en el planeta. En la “era de los humanos”, los humanos se han convertido en una de las fuerzas geofísicas más potentes del planeta y nuestras actividades nos están llevando a una creciente incertidumbre ambiental. Si el mundo alguna vez ha tenido la ilusión de estabilidad, ahora enfrenta la posibilidad de un futuro con problemas sin fin. Pero el Antropoceno no es solo una época de colapso y destrucción ambiental; también es una época para superar desastres y catástrofes y crear nuevas visiones de esperanza y justicia. Los nuevos retos del cambio climático, la extinción de especies y el aumento del nivel del mar obligan a reimaginar el lugar de la humanidad en el mundo y a repensar urgentemente las fuerzas dominantes que amenazan el equilibrio ecológico del planeta. El uso del término Antropoceno para denominar esta nueva era de crecientes incertidumbres antropogénicas abrió un campo completamente nuevo de conversaciones multidisciplinarias e interdisciplinarias sobre la relación de los seres humanos con el medio ambiente en el siglo XXI, pero también generó una comprensión monolítica del Antropoceno como una experiencia humana unificada. Este marco del Antropoceno en torno a un paradigma de especie universalizante crea un efecto homogeneizador. Y, sin embargo, no todos los humanos están igualmente involucrados en las fuerzas que conducen a las crisis ambientales contemporáneas, y no todos los humanos están igualmente invitados a los espacios conceptuales donde se teorizan estos desastres o donde se formulan las respuestas a estos desastres. Pluralizando el Antropoceno presentará un conjunto de reflexiones antropológicas por importantes figuras de las humanidades y las ciencias contemporáneas comprometidas con una visión más plural de los debates en torno al Antropoceno y los grandes temas de resiliencia, adaptación y lucha por la justicia ambiental. El enlace de acceso se enviará una vez finalizado el período de inscripciones.

Compartir cultura, la promoción y divulgación de la ciencia y la relación con la naturaleza, en todos sus ámbitos, representan un mecanismo único con impacto real en nuestras vidas y en la forma cómo nos vemos en el mundo. Serralves vive para crear múltiples relaciones con las formas de arte, con la naturaleza y con las personas, ya sean ellas, con músicos, artistas, bailarines, arquitectos, cineastas, paisajistas, investigadores, estudiantes, pensadores, profesores, socios, fundadores, mecenas, personas. Con todo su público. El contexto actual requiere que nuestra responsabilidad se exprese en un nuevo formato y que estemos presentes. Por eso, es un gran placer que la Fundación Serralves, al (re)inventarse, ofrezca un ciclo de charlas en línea, tituladas #ConversasComSerralves, cuyo propósito es acercarnos aún más, invitando al público a participar en momentos de intercambio de experiencias artísticas, ambientales, científicas y creativas. Un programa exclusivo y transversal a todas las áreas de actuación de Serralves: artes plásticas, arquitectura, cine, artes performáticas, medio ambiente, ciencia, paisaje, arquitectura y la reflexión más amplia sobre diferentes temas importantes para la sociedad y su futuro. Estas sesiones se realizan en línea, siempre a las 18:00 horas, con participación gratuita e inscripción obligatoria.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Este Alfredo Cunha que estamos hablando es el hombre con su cámara y su mirada. Cualquier buen fotoperiodista intuye, antes de saberlo con claridad, que una imagen, que debe contener todo contenido y seducción, es, siempre ha sido un momento decisivo. Antes de ser definido por Cartier-Bresson, ya existía en la mente de quienes fotografían el evento, el rostro y el movimiento. En los 50 años de carrera de Alfredo Cunha, muchas cosas han cambiado: el país que fotografía; el equipo que utiliza, lejos del primer Petri FT, de la Leica M3, que empezó a utilizar en 1973, y de las Leicas que le siguieron y a la que siempre se ha mantenido fiel; el soporte - desde lo analógico, mayoritariamente en blanco y negro, hasta lo digital, que utiliza desde 2003. La imagen del fotoperiodismo responde a la exigencia de concordancia con el texto, también está ligada al dónde, cuándo, cómo y por qué. Sin embargo, cuando el fotógrafo ya ha definido su estilo, y este es el caso de Alfredo Cunha, la seducción de la imagen anula la seducción de la noticia. En todos ellas se hace difícil asociar la imagen con un estilo porque Alfredo Cunha va más allá de la tendencia del momento y el tema. Y es en este sentido que podemos decir, con Barthes, que sus fotografías resultan sin código, dependen de la transmisión del suyo para nuestro cariño. Teresa Siza (texto adaptado)

Disfrute de los conciertos diarios de órgano de tubos de la Iglesia de los Clérigos. Todos los miércoles a las 12 del mediodía, retransmitido por la cuenta oficial de Facebook de Torre dos Clérigos.

Esta exposición señala el Centenario del Nacimiento de mi Padre, el Dr. Leonel Augusto de Almeida Abrantes (1920-2020), con una conexión especial a la Serra da Estrela, sobre la cual ha investigado y escribido. En esta exposición colectiva, “O sortilégio da Serra da Estrela”, que tiene lugar en la Galeria Porto Oriental, del 4 de diciembre de 2020 al 27 de marzo de 2021, muestra Dibujo, Pintura y Escultura. En la exposición “O sortilégio da Serra da Estrela” se pueden admirar 26 obras de 26 artistas, con diferentes caminos, edades, sensibilidades y lenguajes. La Serra que nos fascina, real o simbólicamente, nos permite aquí otro encanto y emoción, en la contemplación no de “la montaña a lo lejos en toda su magnitud”, de Vergílio Ferreira, sino de las obras de arte expuestas en la Galeria Porto Oriental que se refieren a ella, sea cual sea la mirada de cada artista y el lenguaje, técnica y expresión visual elegidos.

Steve Reich es considerado uno de los compositores más importantes e influyentes de los siglos XX y XXI por su poder de imaginería y creativo. Es uno de los creadores y promotores de la llamada música minimalista. Su música se caracteriza por un ritmo constante, repetición de motivos y uso frecuente de cánones que se desarrollan dentro de estructuras estrictas, ritmos impulsores, armonías de diferentes géneros musicales (especialmente jazz) y una orquestación llena de colores. El legado de Steve Reich ha influido compositores y músicos de todo el mundo por su indiscutible autenticidad. El periódico The Guardian lo describe como uno de los pocos compositores que “han alterado el rumbo de la historia de la música” y The New Yorker se refiere a Reich como “el pensador musical más original de nuestro tiempo”.

Centenario del Teatro Nacional São João. Calma, aún no es el final ni el principio. ¿Seguimos juntos por otros 200 años? El 7 de marzo marcamos simbólicamente el fin del Centenario del Teatro São João, pero el Centenario no termina aquí. Una efeméride es un juego sin fronteras: a finales de 2021 también habrá una exposición, un coloquio internacional y algunos volúmenes de los Cadernos do Centenário. Antes, hacemos escala en este largo 7 de marzo, tan largo que lo alargamos dos días. Instálese en nuestra sala virtual y sintonice a RTP2, que se unió a nosotros en este condominio abierto de servicio público. Hay charlas, entrevistas, documentales y espectáculos. Debatimos, preguntamos, visitamos, reponemos, estrenamos. Pero calma, aún no es el final ni el principio. El teatro comienza todos los días y todas las noches. ¿Seguimos juntos por otros 200 años?

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

El tubo dispensador de tinta de las latas de aerosol utilizados por los grafiteros se llama válvula. El ilustrador, caricaturista e intérprete visual António Jorge Gonçalves y Flávio Almada, activista caboverdiano y una de las voces más impactantes del hip hop en criollo, se reunieron para contarnos la historia de los grafitis. Una historia que comienza en el escenario con una pregunta: “Nos gusta escribir en las paredes. ¿Necesitamos escribir en las paredes?" Válvula retrocede al tiempo de los trazos que los cazadores-recolectores hacían en las rocas hace 30.000 años, en África, pasa por las anotaciones dibujadas por los romanos en las paredes de las casas de Pompeya, se detiene en los murales políticos de hace 100 años, habla del trabajo de artistas contemporáneos tan influyentes como Diego Rivera, Basquiat o Keith Haring. Dirigido a un público adolescente, es un espectáculo que se ubica entre una conferencia y un concierto, articulando palabras, dibujos y canciones. Y muchas preguntas. ¿Cómo nació los grafitis en el Bronx, Nueva York? ¿En qué se inspira el grafiti en los edificios de São Paulo? ¿Arte o vandalismo? ¿Comunicación u ocupación? ¿Puede ser legítima la desobediencia?

En el año en que se celebró el 250 aniversario de Beethoven, el Servicio Educativo de Casa da Música creó Bebéthoven, un espectáculo inspirado en la música del genio alemán. El concierto promueve un primer acercamiento a la música de Beethoven con la ligereza y el tono divertido adecuado a la edad de los oyentes, dejando así una semilla temprana de buena música en los oídos y el alma de los bebés.

El viernes, el 12 de marzo a las 19 horas, tendremos el quinto episodio de la segunda temporada de “Conversaciones en el balcón con enólogos”. ¡Será con el increíble Filipe Cardoso de Quinta do Piloto! ¡El premio será una magnum de Quinta do Piloto Reserva Tinto 2015! Todos pueden participar y ganar haciendo preguntas a nuestro invitado. El enólogo decidirá el ganador con la pregunta que le pareció más interesante. Para participar, solo tienen que seguir nuestra cuenta de instagram @winequaybar, y estar online el 12 de marzo a las 19 horas. ¡Esperamos verlos ahí! ¡Salud!

Drumming (1998) es una de las coreografías más emblemáticas de Anne Teresa De Keersmaeker, escrita para una partitura epónima de percusión minimalista por Steve Reich. La música comienza con un solo motivo rítmico, que luego se multiplica y se desarrolla en una cornucopia de texturas, que incluyen tambores, instrumentos de viento, metales y voz. Reich intensifica aquí la técnica ya utilizada en una composición anterior, Piano Phase: a través de pequeñas aceleraciones de tiempo, los músicos deshacen la sincronía casi imperceptiblemente, lo que da como resultado un interminable intercambio de cánones. En la danza, la complejidad coreográfica se concibió de manera similar: una sola secuencia de movimientos sirve como base para un número infinito de variaciones en el tiempo y el espacio. Cuando la música se detiene y los cuerpos se detienen, el público se da cuenta de lo que presenciaron: una ola de pura danza y puro sonido, un vórtice de energía vital.

Mário João Alves, con su colectivo Ópera Isto, es un colaborador habitual del Servicio Educativo en la producción de espectáculos originales que inauguran cada nueva temporada. O Olho Esquerdo de Júlio Verne abrió el Año Francia y nos trae música de la época del escritor francés (autor de obras como Veinte mil leguas de viaje submarino o Viaje al centro de la tierra), incluidas las operetas en las que fue libretista. Nos pone en muy buena disposición, utilizando el humor como base de toda esta historia.

Cinco años después, una voz importante de la poesía portuguesa, Jorge Sousa Braga, vuelve a este ciclo. El poeta explica el universo de esta velada: “Los poetas escriben o vuelan sin ningún control. En vuelo picado, planeando, batiendo las alas que no tienen. A veces, no aguantan el peso de la vida cotidiana y se caen al suelo. Los poetas son los primeros en apoyar la huelga de los controladores aéreos. O su inexistencia. La poesía sin alas no es poesía.” En una breve introducción, Carlos Mendes de Sousa dispara “Mi bala de polen más precisa para Jorge Sousa Braga”. Con las voces de Cristiana Sabino, Odete Môsso, Paula Cortes y José Anjos, cubriremos la obra de Jorge Sousa Braga, destacando algunos poemas de su más reciente libro “A Matéria Escura”. Entre lecturas, oportunidad de sorprendernos con el proyecto “O Xú”, música espontánea de Rui Oliveira y Bitocas Fernandes. Música corporal con predominancia de la voz. Armonías, ritmos y melodías en busca de un sentido que una a espectadores y músicos en un solo cuerpo. Avelino Sá es el autor de la imagen de la sesión. La búsqueda silenciosa e incendiaria de la palabra dentro de la pintura y el dibujo. El sonido del asombro. Participación especial del mago Gonçalo Gil, o si la poesía no fuera un acto de prestidigitación. A cerrar la sesión, Tatanka. Dueño de un carisma y una voz inconfundibles, el músico se hizo conocido como el vocalista de una de las bandas portuguesas más exitosas en la actualidad: The Black Mamba. Tatanka actúa en solitario en el escenario de Campo Alegre (voz y guitarra). "Entonces deja correr la brisa" de la Palavra.

Tapete Vermelho (Alfombra Roja) consiste en una única indumentaria usada por dos personas al mismo tiempo, imponiendo la condición escultórica a quienes comparten tres horas en un mismo espacio expositivo, donde la comunión de cuerpos alude a la interacción entre diferentes existencias, igualando singularidades en importancia a través de el énfasis en sus diferencias. Las composiciones corpóreas se alteran en movimientos extremadamente lentos (a veces casi estáticos) y, de esta manera, la obra adquiere una calidad de danza. - Tales Frey

Desde el 5 de enero que estoy experimentando para un proyecto que cruza dibujo, escultura y sonido, Laivos | Ante improvisos e ressonâncias, en las que me propongo rodear, aunque no solo, de pequeños objetos que encontré en mis paseos a pie. En estos objetos rescatados he estado buscando sus sonidos y latidos del corazón, en un intento, tal vez, de salvación. Entre nosotros, objeto y performer, surgen diálogos silenciosos, donde escuchar es un proceso de aprendizaje en mutuo y continuo conflicto. Durante todo el proceso he tenido la mirada atenta y detallada de Gustavo Dos Santos, que está haciendo un registro documental sobre el proyecto. Del proyecto aún no finalizado, lo que compartimos aquí es una descripción general aproximada de esa raíz que aún está creciendo. - Flávio Rodrigues

En Affordable solution for better living, el artista visual Théo Mercier y el coreógrafo Steven Michel rompen los tabúes de una sociedad sobrecargada de vida saludable, colocando una Kallax, un tótem muy peculiar, en el centro de un espacio inmaculado. La estantería emblemática de la empresa gigante Ikea, menos famosa que Billy pero más grande y refinada, simboliza la "belleza para todos". Al trasladar un sistema comercial a una pieza coreográfica, Affordable solution for better living busca cuestionar el cuerpo convertido en mercancía, el estilo de vida prescrito y la ilusión de libertad promovida por las grandes potencias industriales. ¿Cómo es que el mundo empresarial representa el cuerpo del consumidor? ¿Es el hogar el único espacio inflexible o, de hecho, la enésima encarnación protagonizada por una gran marca? En tres actos, Affordable Solution for Better Living desenmascara el modelo y presenta las convicciones y dudas de un hombre pulido y casi perfecto. Un centauro, mitad hombre y mitad mueble, construye su propio interior personalizado, único pero como todos los demás, de una forma absurda. Poco a poco, el hombre y el espacio se fusionan maravillosamente; el mundo pacífico, armonioso y escalofriante estalla y se dobla, revelando su lado oscuro así como su humanidad. ¿No tienen las personas una tendencia a autodestruirse desde adentro cuando se esfuerzan demasiado por cuidar de su interior?

La vida y obra de Sophia de Mello Breyner inspiran esta invitación a descubrir la música que todos llevamos dentro. Como una hoja en blanco dirige las palabras al poema, lanzamos el sonido de las cosas para aprender a nadar en el mar del silencio. Musa es Sofía, ella es cada uno de nosotros y son todas las cosas las que invaden nuestros cuerpos: los campos verdes, el mar, la ciudad, el tiempo.

Las Marionetas do Porto proponen, para el Día Mundial de la Marioneta y el Día Mundial del Teatro, un taller basado en los procesos creativos habitualmente utilizados en la concepción de los espectáculos de la compañía. CHÁ DOS MALUCOS, es una de las escenas del espectáculo Wonderland, obra de teatro creada en 2009 por João Paulo Seara Cardoso, basada en el universo fantástico de Lewis Carroll. Durante 1h30, la actriz Shirley Resende se sumergirá en el universo de Wonderland, haciendo referencia a los procesos creativos y técnicas de manipulación exploradas por la compañía, dejando pistas para experimentos y nuevos enfoques con objetos y marionetas. En un segundo momento del taller, los participantes realizarán una práctica, a través de la cual tendrán la oportunidad de acercarse a todo el universo mencionado, con un fuerte componente lúdico. Este taller fue pensado y diseñado para un público con más 16 años que, desde casa, quiera sumergirse en el universo poético y creativo de Marionetas do Porto. El taller se llevará a cabo en la plataforma zoom y requiere inscripción previa. Los participantes recibirán en casa un DVD del espectáculo Wonderland, para que conozcan mejor esta creación y el entorno propuesto en este taller. Aforo: 10 inscripciones Más información, pedidos y reservas por teléfono 932915456 o por correo electrónico a marionetasdoporto@gmail.pt

Figura fundamental de la música del siglo XX, Olivier Messiaen compuso varias obras innovadoras que exploran el canto de los pájaros. Les Oiseaux Exotiques es una de las más famosas y reúne los cantos de pájaros estadounidenses y asiáticos. Al piano, en este concierto que obtuvo elogios de la crítica, escuchamos a Pierre-Laurent Aimard, un experto en la obra de Messiaen que inauguró así su residencia artística en la Casa da Música, en la temporada 2020.

Los textos de Herberto Hélder son un pretexto para la percepción de un "yo" que tiene un cuerpo, que siente, que busca a Dios, el amor, que intenta trascenderse a sí mismo. Y echa un vistazo a sí mismo. Es un caso especial de biografía que desafía la perspectiva moral con la que nos vemos, con la que cubrimos natural y repetidamente nuestras cicatrices, como si los hábitos de vida, del lenguaje, de los gestos nos defendieran de nosotros mismos. Las palabras funcionan aquí como pasos alrededor, como miradas que nos hacen temblar, como rayos incisivos que atemorizan y atraen. Hay tantas frases, tantas palabras, que afrontarlas es un viaje antiguo, un baile de sillas y mesas con las patas rotas. Los trenes que van a Amberes hablan de un árbol extraño, del amor y de su capacidad para nos abrir el corazón a los hombres y ese sentimiento de desesperación difusa de quien lucha en un cuerpo cerrado por liberarse hacia la luz. Habla de esa mirada de adentro hacia afuera y de su reflejo de nuevo a caminar hacia adentro. O tal vez sea al revés, mirando hacia adentro caminando desesperadamente afuera, buscando una rama para posar un pájaro tan inquieto y extraño también. Estos cuerpos en forma de tren que luchan con el dios que existe dentro de ellos, su cuerpo en líneas paralelas y la vida que vive en el brillo del metal que atrae la mirada y la hace asfixiar y escribir.

Paula Diogo imaginó el ciclo SOBRE LEMBRAR E ESQUECER (Sobre recordar y olvidar) para hablar sobre cómo funciona la memoria en nuestras vidas. PAISAGEM (Paisaje), en co-creación con Tónan Quito y el colectivo Foguetes Maravilha, es el segundo momento de este ciclo iniciado en 2018 el espectáculo con el mismo nombre presentado en el Teatro Maria Matos. Una conversación sobre dos obras de teatro cortas de Harold Pinter sirve como punto de partida para este espectáculo. En ambos, una pareja de mediana edad dialoga (o monologa) sobre episodios que solo uno de ellos parece recordar o que ambos recuerdan de manera completamente diferente. Estas obras de teatro sirven como lema para hablar sobre lo que mantiene unidas a las personas a lo largo de los años y cómo se establecen las relaciones de intimidad e interdependencia.

Jonathan Ayerst fue organista principal en la Iglesia de St. Benet Fink en Londres y estudió técnicas históricas de improvisación en Stuttgart. Este programa comienza con música de Johann Sebastian Bach y, ante una fuga que el maestro del barroco alemán dejó incompleta, Ayerst propone retomar la práctica histórica improvisando su realización. Tras una obra clave de César Franck, nombre central de la escuela franco-belga romántica, el recital finaliza con el checo Leoš Janáček, también organista y magnífico improvisador. Su Misa Glagolítica incluye un famoso solo de órgano, que Ayerst completa con una transcripción de la impresionante Intrada que cierra la obra.

Cuando se ha sumado a Miles Davis, el arreglista canadiense Gil Evans ha traído una propuesta atrevida: la grabación de un disco en forma de suite con una orquesta de jazz con instrumentación ampliada. El álbum se llamó Miles Ahead y fue seguido por otros dos que coronaron esta fructífera alianza. La historia del jazz ya no se escribiría sin estos capítulos, que, según Miles, buscaban devolver la melodía al centro de la improvisación. El solista invitado a reconstituir, junto a Orquestra Jazz de Matosinhos, los singulares sonidos de Miles Ahead es Gileno Santana, trompetista portugués-brasileño de intensa trayectoria y reconocimiento internacional.