En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

R. H. Quaytman emplea técnicas de reproducción mecánica y tradiciones del arte conceptual para crear series cerradas de obras divididas en capítulos. Las partes posteriores están numeradas para marcar el paso del tiempo y el gradual completar de la vida y del proyecto artístico. La artista trata todas las exposiciones y pinturas presentadas como una empresa creativa. R. H. Quaytman aborda la pintura como si fuera poesía: al leer un poema, se repara en palabras específicas, nos damos cuenta de que cada palabra tiene una resonancia. Las pinturas de Quaytman, organizadas en capítulos estructurados como un libro, tienen gramática, sintaxis y vocabulario. Si bien el trabajo está delimitado por una estructura rígida a nivel de material, aparecen solo en paneles biselados de contrachapados en ocho tamaños predeterminados resultantes de la proporción áurea, el contenido de final abierto crea permutaciones que dan como resultado un archivo sin fin. La práctica de Quaytman involucra tres modos estilísticos distintos: serigrafías basadas en fotografías, patrones ópticos como muaré y tramas brillantes, y pequeñas obras al óleo pintadas a mano. La obra de Quaytman, presentada por primera vez en Portugal, apunta a las nuevas posibilidades de la pintura actual. ¿Qué es una pintura, un icono? ¿Cuáles son los medios de pintar en una cultura saturada de estímulos visuales, desde la fotografía hasta el bosque digital de signos? ¿Sigue siendo la pintura una forma relevante de compartir nuestra historia? La exposición está coorganizada por el Muzeum Sztuki en Lódz, Polonia, y por la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Comisariada por Jaroslaw Suchan

Se trata de la primera exposición en Portugal de Korakrit Arunanondchai (Tailandia, 1986), un artista que se mueve entre los campos del vídeo, la performance, la escultura y la instalación y que se divide entre dos culturas: la del este, donde nació y creció y la del occidental, en particular la de Estados Unidos, donde desde 2009 estudió arte y donde ha vivido en los últimos años (alternando con estancias en Tailandia). La obra de Arunanondchai explora y relaciona temas como la religión y mitología oriental, el medio ambiente, la ecología, la música, la geopolítica y el desarrollo tecnológico, contrastando la espiritualidad asiática con el pragmatismo occidental. Arunanondchai reflexiona sobre la vida contemporánea y la situación de la humanidad en la era de la tecnología, especulando sobre las consecuencias del Antropoceno, una definición reciente y que marca el efecto de la actividad humana como la fuerza ambiental dominante en el planeta, capaz de alterar su composición geológica. En su práctica, el artista utiliza acontecimientos y experiencias autobiográficas. En varias obras, amigos y familiares participan y de alguna manera se involucran en el trabajo. No history in a room filled with people with funny names 5 (2019) es una instalación hecha en colaboración con el artista Alex Gvojic (Estados Unidos, 1984), amigo con el que trabaja desde hace varios años. Boychild, artista vinculada a la performance y a la danza que colabora habitualmente con Korakrit Arunanondchai, también es una figura presente en esta obra. No history in a room filled with people with funny names 5 involucra al espectador en un ambiente nocturno y misterioso en el que se combina una triple proyección de video con rayos láser emitidos por una escultura que sugiere una figura humana tendida. La tierra que recubre el suelo y la presencia de materiales naturales (conchas, ramas) se asemeja a un entorno prehistórico o posthistórico. No history in a room filled with people with funny names 5 reúne una gran diversidad de imágenes y sonidos, creando una atmósfera excesiva, envolvente y perturbadora. Los videos combinan imágenes originales, como las grabadas por un dron de la estación de radio de Ramasum Camp, símbolo de la historia reciente de Tailandia como aliado de los EE. UU. durante la Guerra de Vietnam y ahora convertida en un destino turístico, y otras preexistentes, como la transmisión televisiva del episodio mediático del rescate de 12 niños y su entrenador de fútbol que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia en 2018. Esta obra fue inicialmente encargada por el Centre d'Art Contemporain Genève para la Biennale of Moving Image de 2018 y presentada en la Bienal de Venecia en 2019.

Concebida específicamente para la Galería Contemporánea, la primera exposición de Hugo Canoilas (Lisboa, 1977) en el Museo de Serralves confirma y amplía algunas de las inquietudes que mejor definen la práctica de este artista: la especulación sobre la relación entre el arte y la realidad (hechos políticos y sociales), preguntas sobre las características y límites de la pintura y el énfasis que se le da al trabajo colaborativo. Con formación en pintura, Canoilas ha estado examinando el lugar de este medio artístico, la forma como lo perciben los visitantes de museos y transeúntes (el artista es conocido por intervenciones en el espacio público que nunca se anuncian como obras de arte). En el caso de esta exposición en Serralves, Canoilas prescinde del lugar donde más naturalmente esperamos ver pinturas - las paredes de la galería - y decide intervenir en el suelo, rodapié y techo de la Galería Contemporánea - espacios desatendidos por casi todas las exposiciones de pintura. En el suelo hay tres piezas de vidrio de colores que representan medusas. Hechas en Marinha Grande, estas medusas -posibles símbolos del calentamiento climático, pero también de las ideas de informe y metamorfosis en el origen de varias obras de Hugo Canoilas- deben poder ser pisoteadas por los visitantes de la exposición. El protagonismo dado al suelo lo confirma el rodapié-pintura (en forma de caja de luz, con una pintura en lino en el exterior estirada como un lienzo, delimitando el espacio de la exposición), en el que el artista da visibilidad a un elemento arquitectónico tan común cuánto desapercibido. En el techo de la sala, Hugo Canoilas creará una pintura gestual que, al igual de sus pinturas abstractas más recientes, se basa en imágenes de la flora y fauna del fondo marino. Cabe señalar que la pintura también funciona como una caja de luz que crea un aura en la sala, afectando la percepción de las medusas. Las medusas son animales fascinantes que, a lo largo de sus inusuales ciclos de vida, experimentan diversas metamorfosis, reproducen células de formas inusuales. Su observación, que presencia variaciones dramáticas en la configuración, desafía todas las concepciones de estabilidad, todas las ideas sobre la relación entre las partes y el todo. Al igual que esta exposición de Hugo Canoilas, que consiste en tres elementos distintos - suelo, rodapié y techo - que se afectan mutuamente (en cooperación, simbiosis, competición, depredación y parasitismo) y que es una encarnación de una práctica artística que no cristaliza en una forma, pero que se cuestiona constantemente sobre sus límites, funciones y presupuestos.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

Este Alfredo Cunha que estamos hablando es el hombre con su cámara y su mirada. Cualquier buen fotoperiodista intuye, antes de saberlo con claridad, que una imagen, que debe contener todo contenido y seducción, es, siempre ha sido un momento decisivo. Antes de ser definido por Cartier-Bresson, ya existía en la mente de quienes fotografían el evento, el rostro y el movimiento. En los 50 años de carrera de Alfredo Cunha, muchas cosas han cambiado: el país que fotografía; el equipo que utiliza, lejos del primer Petri FT, de la Leica M3, que empezó a utilizar en 1973, y de las Leicas que le siguieron y a la que siempre se ha mantenido fiel; el soporte - desde lo analógico, mayoritariamente en blanco y negro, hasta lo digital, que utiliza desde 2003. La imagen del fotoperiodismo responde a la exigencia de concordancia con el texto, también está ligada al dónde, cuándo, cómo y por qué. Sin embargo, cuando el fotógrafo ya ha definido su estilo, y este es el caso de Alfredo Cunha, la seducción de la imagen anula la seducción de la noticia. En todos ellas se hace difícil asociar la imagen con un estilo porque Alfredo Cunha va más allá de la tendencia del momento y el tema. Y es en este sentido que podemos decir, con Barthes, que sus fotografías resultan sin código, dependen de la transmisión del suyo para nuestro cariño. Teresa Siza (texto adaptado)

Esta exposición señala el Centenario del Nacimiento de mi Padre, el Dr. Leonel Augusto de Almeida Abrantes (1920-2020), con una conexión especial a la Serra da Estrela, sobre la cual ha investigado y escribido. En esta exposición colectiva, “O sortilégio da Serra da Estrela”, que tiene lugar en la Galeria Porto Oriental, del 4 de diciembre de 2020 al 27 de marzo de 2021, muestra Dibujo, Pintura y Escultura. En la exposición “O sortilégio da Serra da Estrela” se pueden admirar 26 obras de 26 artistas, con diferentes caminos, edades, sensibilidades y lenguajes. La Serra que nos fascina, real o simbólicamente, nos permite aquí otro encanto y emoción, en la contemplación no de “la montaña a lo lejos en toda su magnitud”, de Vergílio Ferreira, sino de las obras de arte expuestas en la Galeria Porto Oriental que se refieren a ella, sea cual sea la mirada de cada artista y el lenguaje, técnica y expresión visual elegidos.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Fernando Rocha, João Seabra, Hugo Sousa y Miguel 7 Estacas se juntaron el pasado mes de diciembre para subir al escenario del Teatro Sá da Bandeira, en Porto, el espectáculo “PI100PÉ Especial de Natal 2020” con nuevos sketches, comedia stand-up y anécdotas, con un tema único: la Navidad. Si no ha tenido la oportunidad de verlo, en vivo o en streaming, o si lo ha visto, pero quiere repetir la experiencia ¡tiene ahora la oportunidad! Obtenga su acceso y ríase, tantas veces cuanto quiera, ¡hasta el 31 de enero de 2021!

Stanislas Nordey interpreta y escenifica Qui a tué mon père, un nuevo texto encargado al novelista Édouard Louis, que hace del teatro el lugar donde mejor se expresa la "literatura de la confrontación". En esta historia de masculinidad y violencia, un hijo cuenta la biografía de su padre, desde los turbulentos recuerdos de la infancia hasta su “muerte social”. En el centro de esta mirada política aguda está ese momento singular en el que superamos la difícil afirmación de la identidad dentro de la familia tradicional y tomamos conciencia de la violencia que la sociedad ejerce sobre ella, usurpando cuerpos y vidas enteras para su beneficio. O cómo descubrimos, detrás de la autoridad paterna, otra autoridad que la supera y la abruma. En cómo podemos vislumbrar, entre las brechas de la política de género, lo podrido de todas las demás formas de dominación social y cultural. Stanislas Nordey, director del Théâtre National de Strasbourg, es uno de los creadores contemporáneos más importantes de la escena francesa, un director de escena que cree en la urgencia ciudadana del teatro.

El exitoso evento Música com Dragõezinhos creció hasta convertirse en un espectáculo y comienza el nuevo año a marcar la diferencia en el Auditorio del Museo. O Inverno (El invierno) divertirá y deleitará a los más pequeños, pero sin olvidar a los adultos. Las historias contadas y cantadas, así como los sonidos, son elementos de magia, conocimiento y sociabilización en una sesión performativa de reconocida calidad y reforzada por nuevas formas de interacción entre los personajes y el público. Como siempre, la experiencia es guiada por Indy y está dirigida a todos los niños hasta los 4 años y sus acompañantes (entradas a la venta en el Museo y a través de TicketLine). El evento está organizado por el Museo FC Porto en colaboración con Trupe Sons em Cena, mediante las reglas de aforo máximo.

Estudiante del Conservatório de Música do Porto, el joven David Craveiro ha ido ganando varios premios en concursos de piano nacionales e internacionales, habiendo obtenido el primer premio en la última edición del Concurso de Piano de Oeiras en 2020. Manteniendo la tradición de presentar a una joven promesa del pianismo en Portugal, la Casa da Música abre el Ciclo de Piano con un recital de este joven de Coimbra y cuya trayectoria académica cuenta con prestigiosos profesores. En el programa se encuentran obras maestras del repertorio romántico, con especial énfasis en las variaciones de Beethoven y Schumann, en un viaje que nos lleva a las corrientes más jazzísticas del siglo XX con las variaciones llenas de swing de Nikolai Kapustin.

La emoción que Soraia Cardoso inculca en cada palabra no deja indiferente a nadie. Con un tono cálido y un alma llena de fado, es una de las grandes promesas de la nueva generación de cantantes de fado. En 2018 fue competidora de The Voice Portugal, habiendo alcanzado un honorable 3er lugar. Formó parte del elenco de la Gala de Fado de la Rádio Festival en el Coliseu do Porto y ha cantado un poco por todo el país. Recibió el Premio Revelación de A Voz do Operário, en su 3ª gala de fado.

La clase de Sousa reforzó la superioridad del FC Porto en la discusión con los holandeses del Ajax. El partido por el título tuvo lugar en el Estádio das Antas, hace 33 años, y fue en familia que el Dragão celebró la victoria en esta competición europea, donde ningún otro club portugués pudo lograr el éxito. Así, la Supercopa de la UEFA es un trofeo que, en Portugal, solo se puede admirar en el Museo FC Porto, y en este día tan especial, descubrir la historia azul y blanca y ver, en el Auditorio Fernando Sardoeira Pinto, el partido de vuelta de la memorable edición de 1987. Nota: evento bajo las reglas de aforo máximo, en el ámbito del cumplimiento de las recomendaciones de las autoridades sanitarias.

Antes de convertirse en dramaturgo y después en coreógrafo, Raimund Hoghe solía escribir retratos, tanto de personas famosas como de desconocidos, que se publicaban en el periódico Die Zeit. Este hábito sigue estando en el centro de su trabajo como coreógrafo, bajo la forma de solos dirigidos a personajes famosos, Joseph Schmidt, Judy Garland, Maria Callas, o algunos de sus intérpretes favoritos, Songs for Takashi [Canciones para Takashi] y Musiques et mots pour Emmanuel [Canciones y palabras para Emmanuel]. Siempre toman la forma de una “ofrenda musical” en la que sus intérpretes manifiestan su arte a través de una presencia muy consciente de los efectos de la música y el tiempo, la resonancia imaginaria de una voz y una melodía. Ornella Balestra, ampliamente conocida por su trabajo con Maurice Béjart, es una de las bailarinas que mejor encarna esta mezcla de intensidad y ensueño que caracteriza la danza de Raimund Hoghe (véase Swan Lake [El lago de los cisnes], 4 Acts [4 actos], Bolero Variations [Variaciones Bolero], Quartet [Cuarteto] o La Valse [El Vals]). En Canzone per Ornella, la coreógrafa reúne para su bailarina música y textos de Pier Paolo Pasolini, tanto los ya han sido explorados como los que aún no se han experimentado, jugando con la habilidad que ella tiene de encontrar el equilibrio perfecto entre virtuosismo y entretenimiento, entre presencia enigmática y una figura cinematográfica.

Transforme su sala en un escenario privilegiado, viendo videos de espectáculos y actuaciones que tuvieron lugar en Serralves. Lo invitamos a ver Mirror Piece I & II (1969 / 2018-2019) presentada en mayo de 2019 en la Pista de tenis de Parque de Serralves, después de su única actuación al aire libre en 1970. Joan Jonas (Nueva York, 1936) es una figura central y pionera en el videoarte y la performance de finales de los sesenta y una de las voces más influyentes del arte contemporáneo. La reconstrucción de la pieza Mirror Piece I & II (1969 / 2018-2019) marcó el regreso de esta artista excepcional a Serralves y formó parte de la exposición más completa de la obra de Jonas. La superposición de espejos e imágenes reflejadas experimentadas en Mirror Piece I y II (1969 / 2018-2019) son dispositivos llamativos y metáforas recurrentes en su obra. Su uso abre la discusión sobre el papel de la representación y la relación entre artista y espectador, así como sobre los conceptos de realidad y referencia, imagen y reproducción. En esta pieza, varios intérpretes realizan una serie de acciones cuidadosamente coreografiadas utilizando espejos y vidrios que fragmentan el espacio de representación y multiplican la imagen de públicos e intérpretes. Jamás grabado en película, Jonas basó su reconstrucción en notas y fotografías que, a partir de la sensación y las imágenes recogidas, le permitieron crear nuevos movimientos y configuraciones.

Seguiremos sugiriendo actividades, juegos o dibujos para los más pequeños, para que se diviertan descubriendo la naturaleza y las artes, en casa y en familia.

Explicamos la Fundación Serralves en videos en lengua de signos portuguesa, también subtitulados. Descubra la historia de la Fundación, sus espacios y proyectos.

En Postcards from Vietnam, Raimund Hoghe continúa su colaboración con dos personalidades excepcionales de la danza: Ji Hye Chung, con quien trabajó por primera vez en La Valse [El vals], en 2016, y Takashi Ueno, con quien Ha creado varias piezas desde 2010, entre ellas La Valse, Cantatas y Pas de Deux, que recientemente actuaran en Singapur. Hace unos años, Raimund Hoghe descubrió postales de Vietnam que retrataban personas y paisajes en un puesto de un vendedor callejero en París. Parecen muy frágiles y fueron producidas en un país que Raimund Hoghe, como muchos otros, ha asociado con la guerra de Vietnam desde la década de 1960. En su nueva obra, estas postales actúan como significantes. Son recuerdos y hojas de proyección y remiten a la historia, a su fugacidad, pero también a la partida. Las postales recuerdan al mismo tiempo el deseo de una otra vida. Wenn keiner singt, ist es still [Cuando nadie canta, está silencioso] es el título de la nueva publicación de Raimund Hoghe. Como ocurre con todas sus piezas, la música juega un papel central aquí. Raimund entrelaza canciones de protesta de los años 60 con arias de Bach y Handel.

Nuevamente desafiamos al tenor y escritor Mário João Alves para una creación original. Esta vez la inspiración será la canción italiana, es decir, la de Nápoles. Entre medio se invocará una serie de compositores, nombres como Rossini, Leoncavallo o Puccini. Los juegos de palabras, el humor y la imaginación estarán, como siempre, presentes en este estreno.

En Chéjov hay sonidos recurrentes que permiten dibujar una dramaturgia sonora: los sonidos de fiesta, de los tiros, de los bosques y de los carruajes que llegan o salen, salidas o llegadas del tren, voces a lo lejos. Y, aún, el sonido más elocuente de todos, el silencio. Este fundamento sonoro puso en marcha al Ensamble en una exploración singular de esta pieza, creada y dirigida por Carlos Pimenta. En el escenario, transformado en un gran estudio de grabación, un grupo de actores graba Las tres hermanas. A este primer plan de lectura, cercano al radioteatro e implicando una construcción mental, se entrelaza un segundo, una lectura escénica que trabaja con otra capa dramática y dramatúrgica yuxtapuesta a las palabras de Chéjov. En este enfoque, que se hace de los lazos entre teatro, tiempo y acontecimiento, el diseño de sonido es crucial, configurando un universo de escucha activa que insta a la imaginación del espectador, despertando su participación en el diseño de situaciones y ambientes.

¿Qué significa ser aprendiz de brujo? ¿Es fácil o muy difícil? ¿Y es bueno o malo? Rui Ramos sube al escenario del Auditorio Fernando Sardoeira Pinto (Museo) y responderá a estas preguntas con otra História com Magia para Dragõezinhos. Bajo la batuta ingeniosa, performativa y del anfitrión, los cuentos y el arte mágico se entrecruzan en un espectáculo dirigido a los niños, pero para participar en familia, porque en el fabuloso universo de Histórias para Dragõezinhos, ¡hasta los adultos se divierten de verdad!

A pesar de puertas cerradas, podemos seguir diciendo ¡Bailen! (Dancem!) a través de transmisiones en línea. Así, entre el 23 (desde las 21:00) y el 30 (hasta las 24:00) de enero, transmitiremos Autópsia, la creación más reciente de Olga Roriz, una pieza donde la coreógrafa toma el dolor del mundo y busca un lugar de paz. Autópsia, de Olga Roriz, interioriza en los solos iniciales de sus intérpretes el dolor que provoca la mano humana inscrita en seis paisajes del planeta (Chernobyl o la Antártida amenazada, por ejemplo). De la soledad a un despertar colectivo que incorpora la acción transformadora de los lugares, la danza surge aquí como un proceso de disección del “malestar de cada uno de nosotros”, ofreciéndose, así como posibilidad de salvación.

El Conversas com Ciência, una alianza entre Serralves y CIIMAR - Centro Interdisciplinario de Investigaciones Marinas y Ambientales, invita a un investigador y a la comunidad a una charla informal, un domingo al mes. Estas sesiones tienen como objetivo acercar a la comunidad a la ciencia a través del conocimiento del trabajo desarrollado por los investigadores de este centro. En esta edición de Conversas com Ciência, esta vez en línea, el investigador Pedro Leão nos habla de: LA QUÍMICA SECRETA DE LOS OCÉANOS EN CONVERSAS COM CIÊNCIA. Tradicionalmente, la búsqueda de moléculas de origen natural para el tratamiento de infecciones, cáncer u otras patologías, se ha realizado de forma exhaustiva a partir de fuentes terrestres. Sin embargo, a medida que se ha explorado la inmensidad de los océanos, ha quedado claro que los innumerables organismos que los habitan representan una reserva extraordinaria de nuevas moléculas. Estas a veces son muy diferentes a las que se encuentran en los ambientes terrestres, siendo utilizadas como fármacos en todo el mundo, aunque todavía estamos al comienzo de un largo camino para descubrir la química que se esconde en los océanos. Inscripción obligatoria para a.silva@serralves.pt (El enlace de acceso se enviará después de la fecha límite para las inscripciones).

¡Escuche las estrellas del mañana tocando hoy! Conciertos diarios online en Facebook y el blog de la Casa da Música. La ECHO (European Concert Hall Organisation) es una red creada por las principales salas de conciertos de Europa, con el objetivo de una cooperación que se traduzca en iniciativas conjuntas y en un intercambio permanente de ideas. Cada año, los 22 miembros de ECHO nominan a seis destacados artistas jóvenes, futuras estrellas, y los mandan en una gira por varias salas europeas. Esta vez, debido a la pandemia, los conciertos no se pueden ver en vivo, por lo que se trasladaron a internet. El programa, bajo la responsabilidad de Elbphilharmonie Hamburg, se llama Rising Stars Digital y los streaming tendrán lugar del 26 al 31 de enero.

La Casa do Design lanza un programa en línea con sugerencias de actividades para hacer en casa con los más pequeños. Design at Home es el nombre de uno de los programas en línea de Casa do Design, con sugerencias de actividades educativas para hacer con los más pequeños. Las propuestas han sido creadas a partir del archivo de exposiciones presentadas en Casa do Design en los últimos años.

Compartir cultura, la promoción y divulgación de la ciencia y la relación con la naturaleza, en todos sus ámbitos, representan un mecanismo único con impacto real en nuestras vidas y en la forma cómo nos vemos en el mundo. Serralves vive para crear múltiples relaciones con las formas de arte, con la naturaleza y con las personas, ya sean ellas, con músicos, artistas, bailarines, arquitectos, cineastas, paisajistas, investigadores, estudiantes, pensadores, profesores, socios, fundadores, mecenas, personas. Con todo su público. El contexto actual requiere que nuestra responsabilidad se exprese en un nuevo formato y que estemos presentes. Por eso, es un gran placer que la Fundación Serralves, al (re)inventarse, ofrezca un ciclo de charlas en línea, tituladas #ConversasComSerralves, cuyo propósito es acercarnos aún más, invitando al público a participar en momentos de intercambio de experiencias artísticas, ambientales, científicas y creativas. Un programa exclusivo y transversal a todas las áreas de actuación de Serralves: artes plásticas, arquitectura, cine, artes performáticas, medio ambiente, ciencia, paisaje, arquitectura y la reflexión más amplia sobre diferentes temas importantes para la sociedad y su futuro. Estas sesiones se realizan en línea, siempre a las 18:00 horas, con participación gratuita e inscripción obligatoria.

Dancem! (¡Bailen!) sigue siendo la palabra clave que abre la puerta (virtual) a la danza, a pesar del cierre real de sus escenarios. Concluimos este ciclo con la transmisión en línea de Sons Misteriosos, obra de teatro para niños de Sofia Dias & Vítor Roriz, disponible on demand en la plataforma BOL, en alta resolución y con una producción multicámara. Entre el 29 de enero y el 5 de febrero, el dúo nos hace esta pregunta: ¿puede un sonido mentir sobre su origen? En Sons Misteriosos, un paisaje sonoro, falso pero que parece natural, es creado por un foley, un artista para quien los sonidos son un material moldeable. ¿Puede un sonido mentir sobre su origen? Al operar la fricción entre sonido e imagen y una no linealidad entre movimiento, voz, palabra y objetos, los autores nos invitan a una navegación constante entre la abstracción y el concreto, la realidad y la ficción, tan querida al universo infantil.