Inspirado en la forma triangular del espacio del entresuelo de la Galeria Municipal do Porto como potencial metáfora del Triángulo de las Bermudas, Luís Lázaro Matos nos transportará a un torbellino de imágenes caleidoscópicamente suspendidas en el espacio. Progesivamente interesado en los procesos contemporáneos de monetización y vigilancia constantes en el ciberespacio, el artista se ha preocupado últimamente por la intersecciones entre la ligereza de la arquitectura moderna en vidrio y la transparencia de las redes sociales. ¿Es esta área triangular de Galeria Municipal do Porto no solo un espacio expositivo, sino también un lugar de desaparición? Waves and Whirlpools está comisariada por Martha Kirszenbaum, comisaria del pabellón de Francia en la 58ª Bienal de Venecia, 2019.

Vemos el Duero bajo la mirada de fotógrafos pioneros: la magnificencia de las terrazas que descienden en suaves olas hacia el río, los puentes y túneles de Emílio Biel, el trabajo del viñedo y la vendimia de su aprendiz, Domingos Alvão, las mimosas o los almendros en flor del turismo del Estado Novo. Cuando llegó el color, los matices superpuestos del oro de los solsticios y los viejos rojos. Este era y es el mítico Duero, con barcos rabelos pilotados por marineros, descendiendo en fila hasta el muelle, las barricas hacia los almacenes de Gaia. Este Duero permanece en postales y folletos publicitarios. Carlos Cardoso, año tras año, reconstruyó el Duero de hoy, manteniendo la realidad de sus permanencias y cambios, en blanco y negro, entre la memoria de las imágenes y su significado, que solo el contraste de sombra y luz puede aclarar. Casi inmutables en la época de las Edades, las rocas milenarias, el granito del macizo ibérico, la pizarra de su tórrido aplastamiento. Las láminas de pizarra desafiaron a los hombres y forjaron el destino de la viña, son la matriz del territorio. El fotógrafo nos muestra su poder, en los caminos, en los bloques, en el suelo de almendros y viñedos, pero también la materia prima para su uso directo y, aquí y allá, la rotura de la roca ante la vegetación o la señal de permanencia en la dependencia de lo divino. Sobre esta base matricial, los hombres produjeron las terrazas según sus necesidades, luego los niveles según las máquinas. La civilización de la comunicación se apropia del Duero desde el ferrocarril y estalla con la carretera. El paisaje está hecho con vigas de hierro, hormigón y espirales de hormigón armado, en una figura de lo antiguo y lo nuevo. Para aclarar esto, no hay cestas para transportar uvas y proteger el vidrio: la cultura vial es también la del plástico y de lo efímero. Entonces, por tratarse de una mirada fotográfica, una nueva colección de imágenes transforma el abandono, el descuido y el desánimo en bellas imágenes de vestigios, de impuros signos de pura nostalgia. Se define una unidad visible entre los huecos de las lamas de pizarra, en su ilusoria solidez y las construcciones que hablan de los niveles técnicos de la cultura del hombre. Ambos se desmoronan, se cubren de maleza, se desgarran bajo el impulso vital de los árboles: ambos hablan de un pretérito y de un presente en cambio. Las capas de pizarra se desmantelan como las vías del ferrocarril, definiendo nuevas capas de suelo. Las estaciones abandonadas, creadas para afirmar su portuguesismo, son invadidas por el monte y la desolación. A veces los dos mundos del reciente viejo y el nuevo se cruzan, en la geometría de los equipos, pero siempre, siempre la mayor geometría son las montañas que reducen a una cicatriz la carretera que las desgarra. Este Duero construido, marcado y sufrido está condenado a ser un deslumbramiento. El ondulado matricial de las sierras se profundiza con las líneas concéntricas y las verticales muy blancas de los niveles; los precipicios, las pizarras estrelladas de faros y el camino real del río se convirtieron en apropiaciones sistemáticas del hombre. Pero un mirador desde las alturas, un banco para descansar repintado, las quintas (fincas) multiplicando la calidad del vino son otras respuestas a lo que la Naturaleza ofrece o niega: la Naturaleza es indiferente al hombre, indiferente a sí misma, como concepto. La tensión entre el espíritu crítico y la nostalgia o la búsqueda de la belleza son cosas del hombre. De eso se tratan estas imágenes.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

"El Porto de Joaquim Vieira no es en modo alguno un Porto igual al que todos suponemos conocer o reconocer, es un Porto más animado y sorprendente, la ciudad imaginada e imaginaria de un artista que también nos invita a usar la imaginación mientras recorremos sus espacios, a menudo deslumbrantes e inconfundibles." - Arnaldo Saraiva

En Turma de 95 (La promoción del 95), una trivial foto escolar de grupo de hace 25 años funciona dramatúrgicamente como una poderosa máquina del tiempo. Se apropiando de la Class of 76 de Alex Kelly, Raquel Castro revisita y cuestiona su adolescencia y la de sus compañeros al entrelazar recuerdos del pasado con la realidad del presente. a partir de entrevistas previas y una convención de teatro documental, la directora de escena contruye en Turma de 95 un retrato personal de una generación que se enfrenta a las expectativas y los dolores de la adolescencia, en un Portugal que estaba pasando por una expansión económica y su apertura a Europa.

En estas visitas nocturnas al Parque de Serralves, los participantes tendrán la oportunidad de aprender más sobre la historia y las curiosidades del Parque mientras exploran sus espacios más emblemáticos y sus árboles más notables, ahora iluminados. Una experiencia inolvidable que no debe perderse. Aforo: 9 adultos

Los 20años de la Orquestra sinfónica es una celebración de la propria orquestra y de lo que ella sola puede darnos. El programa elegido para este concierto lo ilustra con el estreno de una obra de Daniel Moreira que da voz a varios solistas y crea diálogos entre ellos y la orquestra.

Festival Eurovisión de la Canción Filosófica plantea perguntas sobre la identidad: de los diferentes países participantes y de Europa como comunidad, especialmente cuando esta cada vez más frágil y se reevalúan las ideias de lo que representa. Damos a los pensadores (filósofos, historiadores, antropólogos) la tarea de escribir textos. Con respecto a la forma, los textos siguen los códigos poéticos de la canción, es decir, una estructura que incluye versos y un estribillo, que pueden rimar. En cuanto al contenido, no se trata de poesía, lirismo o emociones, sino antes de tener en cuenta aspectos sociológicos, antropológicos o filosóficos de nuestro mundo contemporáneo. Nuestro objectivo es responder indirectamente y con humor al creciente desprecio que el discurso populista muestra hacia los intelectuales y la desaparición de la reflexión de la esfera pública a favor del entretenimiento. Después de cada canción, los miembros del jurado comentarán y discutirán los temas que invoca la letra. - Massimo Furlan y Claire de Ribaupierre

En su 7ª edición, la Muestra Internacional de Cine Antirracista quiere contribuir a descifrar y poner en evidencia el sistema racial, etnocéntrico y xenófobo que impera en la arquitectura del tiempo y del espacio en que vivimos. Para cuestionar esta arquitectura, es urgente discutir sus dispositivos y sus léxicos y gramáticas, es decir, los que se practican en el sistema educativo, por las fuerzas de seguridad y control de fronteras, por los tribunales y servicios judiciales y también por los organismos institucionalmente responsables por combatir la discriminación y la integración. La MICAR 2020 también quiere activar una discusión plural y efectiva de alternativas consecuentes para combatir el racismo y la discriminación étnico-racial y para construir una sociedad igualitaria que permita la integración efectiva, participación y movilidad y ciudadanía plena para todas y todos. Se discutirá el papel que juegan la cultura y los medios de comunicación - por ejemplo, programas de entretenimiento, de debate y comentario político - y la forma en que estos han ido trivializando, en el espacio público y político, las formas de violencia y de incitamiento al odio que vuelven a perseguir a aquellas y aquellos que diariamente enfrentan el racismo y la xenofobia.

El bienestar de los ciudadanos implica adoptar estilos de vida más saludables, sin olvidar el enriquecimiento cultural y el ocio. El Mercado da Terra surge con un nuevo concepto de Mercado Urbano, en un enfoque en el que se combinan productos agrícolas orgánicos, con mermeladas tradicionales, tés, ahumado (fumeiro), gastronomía portuguesa y las más variadas formas de artesanías. En este nuevo concepto, también aparece la salud, incluidas las terapias alternativas y también la cultura, con una atención especial en el estímulo de la lectura y la promoción y preservación de las actividades culturales locales. En la plaza de la Capela da Nossa Senhora da Conceição junto a la Rua Padre Luís Cabral. La programación presentada puede sufrir cambios fuera del control de la organización, principalmente debido a las condiciones climáticas.

1. Dolido, Ofendido, Pesaroso, Triste, Plañidero, Sensible, Medio Podrido, Debilitado; 2. Función psicofisiológica que consiste en experimentar cierto tipo de sensación; 3. Segnificación, Aceptación, Interpretación, Idea, Atención, Pensamiento, Mira, Intención, Propósito, Fin, Aspecto, Punto de Vista, Dirección Orientación de un desplazamiento; 4. Atención, Cautela, Voluptuosidad, Sensualidad; 5. Sistemas receptores unitarios correspondientes a diferentes modalidades sensoriales (para sentido común, ojos, oídos, etc.) Ana Isabel Castro nació en 1994. Es licenciada por la Escola Superior de Dança y asistió a la Formación Avanzada en Interpretación y Creación Coreográfica de Companhia Instável. Como becaria ERASMUS en MUk en Viena, trabajó con los coreógrafos Esther Balfe, Saju Hari y Georg Blaschke. A lo largo de su carrera ha colaborado como intérprete con Compagnie 7273, Circolando, Companhia Instável, KALE Companhia de Dança y Joclécio Azevedo. En 2019 presentó su primera creación Marengo a través de Palcos Instáveis en el Festival DDD 2019, Porto. Deeogo Oliveira, 27 años, nacido en Porto, mantiene su pasión por la danza desde los 9 años. En su carrera destaca que es miembro integrante del grupo de danza urbana Momentum Crew, ha concluido la Formación Avanzada en Interpretación y Creación Coreográfica de Companhia Instável, y su más reciente solo, ninguém, con creación e interpretación autónoma por invitación de Erva Daninha y del Teatro Municipal do Porto. Cocreador e intérprete de SOLO, con el director de escena Manuel Tur.

Con un trabajo apasionado, intransigente y crudo, Mary Ocher se ha destacado por la singularidad con la que recorre el folk tradicional y el garage de los años 60, voces etéreas y sinttizadores abstractos, el pop-experimental y ritmos africanos y sudamericanos. Partiendo de una postura provocadora, intérprete, poeta y artista visual se rebela contra la corriente social, abordando temas como la autoridad, la identidad y el conflicto. Con cuatro álbumes de estudio y una antología de grabaciones caseras, dos EP y dos álbumes recopilatorios de remixes, Mary Ocher tiene una variedad de colaboraciones que incluyen nombres como el gurú del rock psicodélico King Khan y Joachim Irmler del grupo Faust.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Tenshô es el nombre del teatro de sombras creado por la artista Beniko Tanaka que se ha inspirado en el libro Do Japão para o Alentejo de Tiago Salgueiro. A través de la manipulación en vivo de títeres japoneses, la obra lleva al público un relato animado de lo que fue un verdadero choque de culturas. Después de largos viajes, los primeros portugueses a llegar a Japón desembarcaron en pleno período de los samuráis, seguido de una epopeya épica, que trajo a Europa los primeros representantes de Japón en 1584 y a los primeros cristianos japoneses a Lisboa. En un viaje que tenía como objetivo un encuentro con el Papa, en Roma, los jóvenes japoneses acabaron por pasar por Portugal, donde aprendieron a hablar portugués, a tocar instrumentos musicales, bailaron con nobles y empenzaron a comunicarse de forma occidentalizada. Es este viaje lleno de emociones y aventuras el que da lugar al espectáculo de Tanaka. Lugar del evento: Auditorio del Grupo Musical de Miragaia, Rua da Arménia

El pianista argentino-basileño Pablo Lapidusas demuestra que el clásico trío de piano, contrabajo y batería sigue siendo una fuente inagotable de recursos creativos. Sus composiciones son sofisticadas, su técnica inmaculada y sorprende la comunicación casi telepática con el bajista cubano Leo Espinosa y el baterista brasileño Marcelo Araújo. Los dos álbumes editados, Live in Johannesburg (2015) y Bora (2018), revelan la energía contagiosa de este trío. En este concierto inaugural de Outono em Jazz, PLINT se une a la cantante de jazz portuguesa más reconocida y versátil, Maria João.

Todos los días son buenos para conocer el Corazón de Porto, pero es aún más inspirador descubrir cómo el Museo y el Estádio do Dragão son equipamientos referentes indiscutibles en la ciudad y donde la arquitectura refleja el mismo espíritu ganador del club. La efeméride también será señalada con cuatro visitas temáticas excepcionales, especialmente preparadas para explicar cómo el FC Porto desafía la imaginación de los creativos y muestra, arquitectónicamente, la historia de Invicta. Distinguido por la innovación y la creatividad, el Museo del FC Porto es pionero como miembro afiliado de UNTWO (Organización Mundial del Turismo de las Naciones Unidas) y rompe las barreras del clásico por la configuración y soluciones de exhibición audaces y tecnológicas. El Estádio do Dragão es diseñado por el prestigioso arquitecto Manuel Salgado y ha acumulado importantes premios nacionales e internacionales de arquitectura y gestión ambiental desde su inauguración en 2003. Las visitas al Museo y al Estadio están disponibles en diferentes idiomas a través de la Museo & Tour APP, con contenidos que proporcionan una experiencia aún más exclusiva. Los cuatro Tour FC Porto temáticos de este día están bajo el aforo máximo aplicado a todas las visitas al Estádio do Dragão y en el contexto de las recomendaciones de las autoridades sanitarias; las visitas al Estádio do Dragão tienen horarios predeterminados.

Nacido en la parte profunda de la nación, entre Caramulo y Serra da Estrela, Úria lleva el blues del Delta del Dão a los escenarios. De leyenda rural a leyenda urbana, todo está bien: mitad hombre mitad gospel, manos de fado y pies de rocanrol. Es así como desde hace casi una década que comienzan todos los textos asociados a Samuel Úria. Y esta no será la excepción. Será caso para parafrasear a Camané y robar el título de su disco en vivo - "como sempre, como dantes". De hecho, para presentar estos conciertos a esta distancia hacia Porto y Lisboa solo con la sugerente idea de que serán los "conciertos para la apresentación de un nuevo álbum", sin título o más que una canción conocida - se publicó "Fica Aquém" en finales de noviembre - no es más que una cuestión de confianza. De confianza mutua, diríamos. Pero, ¿hay reticencias cuando hablamos de Samuel Úria? nos referimos a quien en los últimos años nos ha traído canciones incuestionables, canciones que nos emocionaron, que nos hicieron bailar, canciones que crearon un espacio proprio que, sin demeritar a los demás, solo puede ser ocupado por Samuel Úria, solo porque era un territorio lírico y musical inexistente, pionero y conquistado por el cantautor más talentoso de este siglo - "Vem de Novo", "Fusão", "Carga de Ombro", "É preciso que eu diminua", "Lenço Enxuto", "Espalha Brasas", "Teimoso", "Não arrastes o meu caixão" y "Babarella e Barba Rala" son ejemplos de esto, entre otros. ¿Y cualquiera que nos haya confiado todo esto merecerá alguna sospecha? O, por el contrario, ¿podrá exigirnos lo mismo a cambio? Creemos que sí, que merece todas las expectativas que genera la frase "conciertos para la apresentación del nuevo disco". "Fica Aquém", la canción recientemente revelada, refuerza aú más ese espíritu. ¡No se lo pierdan!

Más de 200 pinturas falsificadas, incautadas en los últimos 15 años por la Diretoria do Norte da Polícia Judiciária (policía judicial), están en exhibición en la Alfândega do Porto. "A Arte do Falso" reúne no solo obras falsificadas de nombres como Picasso, Júlio Pomar, Cesariny, Malangatana, Amadeo Souza Cardoso, sino también objetos insólitos que revelan la genialidad de los criminales. Entre billetes de banco falsos, paraguas que se convierten en armas, pinturas exhibidas en subastas de galerías de arte que habían sido seleccionados por especialistas, la exposición contiene muchas sorpresas, incluida una máquina que tendría el don de curar a personas con el simple encender algunas luces. Las obras falsas expuestas al público fueron encontradas por los inspectores de la PJ, principalmente en las áreas urbanas de Lisboa y Porto, en galerías de arte, subastas, ferias, exposiciones y tiendas de antigüedades. En la muestra también hay un espacio dedicado a los más pequeños, donde pueden tomar huellas dactilares y compararlas en diferentes superficies.

Concebida específicamente para la Galería Contemporánea, la primera exposición de Hugo Canoilas (Lisboa, 1977) en el Museo de Serralves confirma y amplía algunas de las inquietudes que mejor definen la práctica de este artista: la especulación sobre la relación entre el arte y la realidad (hechos políticos y sociales), preguntas sobre las características y límites de la pintura y el énfasis que se le da al trabajo colaborativo. Con formación en pintura, Canoilas ha estado examinando el lugar de este medio artístico, la forma como lo perciben los visitantes de museos y transeúntes (el artista es conocido por intervenciones en el espacio público que nunca se anuncian como obras de arte). En el caso de esta exposición en Serralves, Canoilas prescinde del lugar donde más naturalmente esperamos ver pinturas - las paredes de la galería - y decide intervenir en el suelo, rodapié y techo de la Galería Contemporánea - espacios desatendidos por casi todas las exposiciones de pintura. En el suelo hay tres piezas de vidrio de colores que representan medusas. Hechas en Marinha Grande, estas medusas -posibles símbolos del calentamiento climático, pero también de las ideas de informe y metamorfosis en el origen de varias obras de Hugo Canoilas- deben poder ser pisoteadas por los visitantes de la exposición. El protagonismo dado al suelo lo confirma el rodapié-pintura (en forma de caja de luz, con una pintura en lino en el exterior estirada como un lienzo, delimitando el espacio de la exposición), en el que el artista da visibilidad a un elemento arquitectónico tan común cuánto desapercibido. En el techo de la sala, Hugo Canoilas creará una pintura gestual que, al igual de sus pinturas abstractas más recientes, se basa en imágenes de la flora y fauna del fondo marino. Cabe señalar que la pintura también funciona como una caja de luz que crea un aura en la sala, afectando la percepción de las medusas. Las medusas son animales fascinantes que, a lo largo de sus inusuales ciclos de vida, experimentan diversas metamorfosis, reproducen células de formas inusuales. Su observación, que presencia variaciones dramáticas en la configuración, desafía todas las concepciones de estabilidad, todas las ideas sobre la relación entre las partes y el todo. Al igual que esta exposición de Hugo Canoilas, que consiste en tres elementos distintos - suelo, rodapié y techo - que se afectan mutuamente (en cooperación, simbiosis, competición, depredación y parasitismo) y que es una encarnación de una práctica artística que no cristaliza en una forma, pero que se cuestiona constantemente sobre sus límites, funciones y presupuestos.

Es un desafío muy apreciado por los compositores: coger un género musical de otro tiempo y convertirlos un uma música nueva que nos deja a flotar entre diferentes épocas. La Serenata de Richard Strauss va mucho más allá de imitar las serenatas mozartianas, y está marcada por la originalidad, no por casualidad, fue un paso de gigante hacia una exitosa carrera internacional de 17 años para el compositor. Divertimento de Bartók también se inspiró en el carácter lúdico y flexible de este género clásico y lo presenta renovado y modernizado. El concierto para solista y orquestra, en cambio, encuentra en Vaughan Williams un enfoque muy diferente a los modelos continentales, mostrando los rasgos de la canción popular inglesa, la identidad nacional que el compositor tanto valoraba. La melancolía de la pieza invita a una escucha atenta que revelará, bajo su aparente ligereza, una música profunda y un reto exigente para el solista.

Vera Mantero, nombre central de Nova Dança Portuguesa, debuta en Cultura em Expansão con dos de los solos que marcan una carrera de más de tres décadas. Creada en 1991, Talvez ela pudesse dançar primeiro e pensar depois, señala el encuentro de la creadora e interprete con su identidad de movimiento, presencia en la escena y elección de elementos de creación y actuación. A su vez Olympia, la performance sobre el uso del cuerpo por la cultura del poder, va más allá de la danza, mostrándose también como la historia de la rebeldía de los cuerpos y la denuncia de la relación mercantil del arte con el dinero. En ambos, la bailarina y coreógrafa afirma la interdisciplinariedad de su trabajo, robando, deconstruyendo y utilizando lo que necesita para que su danza sea total.

Un funcionario moja sus pies en una playa tranquila, sosegada y desierta, cuando es sorprendido por una mendiga vieja, cadavérica, desdentada y oliendo a alcohol que se apropria de sus zapatos. A la respetuosa cordialidad con la que busca recuperarlos, la anciana le busca recuperarlos, la anciana le retribuye con una actitud indescifrable, que pasa de una obstinación gruñona a una maldad sádica. A la perplejidad del hombre, ante lo que atribuye a la crueldad gratuita de una extraña,s e opone a la determinación de la vieja de forzar una "confesión sincera" de un insulto anterior. En una época orientada hacia la teatralidad, donde el juego de fantasías mediáticas y los colores histriónicos con los que se adornan las banalidades cotidianas desdibujan los límites entre "verdad" y "mentira", ¿la razón está de un lado en el medio o en ninguna parte?

La obra de teatro Transfiguration (Transfiguración) es la historia del deseo que no se ha hecho realidad del escultor de infundir vida en su creación. En un gesto de desesperación, penetra en el barro que utiliza como material para cobrarle vida. Moldea el barro sobre su propria cabeza, enterrándose en el material, erradicando su identidad y convirtiéndose en una obra de arte viviente,a veces un titiriteto en un títere. Pero es entonces cuando el material la ciega y se ve obligado a mirar hacia adentro, a lo más profundo de su ser. En una actuación fascinante, expresiva y total, Sagazan cambia su identidad en el escenario. Atraviesa, borra y desvela las capas de su rostro en una búsqueda frenética y desinhibida. Se pinta y esculpe, se convierte en una forma de ritual situada entre la danza y el trance, cuyo motor creativo es la imrovisación, el aleatorio y la serendipia. - Olivier de Sagazan.

La ideia que sirve de base a este espectáculo es la traducción de digital a analógico. Lo digital "hecho a mano", llevado a la vida real a través de cartón, plástico y tela, en un intento desesperado por hacerlo tangible. Como máximo exponente de lo digital en nuestro día a día,s e eligió un ordenador Macintosh para covertirla manualmente en el escenario, activando todos los usuarios y macanismo del ordenador cuando se enciende. Los cinco artistas en el escenario se convierten en operadores de sistemas informáticos y el escenario se convierte en un gran ordenador analógico. Por lo tanto, el entorno de trabajo del ordenador es un escenario de cine, los documentos son carpetas de cartón y las luces de esta escenografía son el brillo que emana de la pantalla del ordenador. Decodificamos lo digital activando el ordenador en el escenario, presentando el resultado en una gran pantalla frente a los espctadores. - Cris Blanco

Continuando a explorar la magia y lo fantástico de las historias infantiles de Charles Perrault, Francisco Santos y la Vivonstage proponen para principios de 2020 el musical EL GATO CON BOTAS. El musical EL GATO CON BOTAS, acompaña las aventuras de un extraño gato que fue dejado por herencia a un joven campesino. Sin saber qué hacer con él, pero mostrando compasión y afecto por los animales, el joven se sorprenderá de la capacidad de improvisación del Gato, que lleva unas botas fantásticas. El Gato, con gran imaginación y muy valiente, intentará, a través de un plan loco, que su Dueño se case con la bella princesa. Pero, siempre hay alguien que contraría sus planes, en este caso el odioso consejero del Rey que tiene la intención de tomar el trono. ¿Es que el Gato con botas triunfará?

La Orquestra Jazz de Matosinhos (OJM) rinde homenaje a Miles Davis, el gran camaleón del jazz. Cuando se unió a Gil Evans, ya había pasado a época dorada de las big bands, pero el arreglista canadiense tenía una propuesta atrevida en mente: la grabación de un disco en forma de suite con una orquestra de jazz ampliada a una instrumentación inusual (incluyendo trompas, clarinetes, flautas y mucho más). El disco se tituló Miles Ahead y le siguieron otros dos que coronaron esta fructífera colaboración: Porgy and bess y Sketches of Spain. La historia del jazz ya no se escribiría sin estos capítulos, que, según Miles, buscaban devolver la melodía al centro de la improvisación. La OJM va a reconstituir los sonidos singulares de estos discos, un desafío al alcance de pocos conjuntos musicales.

Fue a los 16 años que João García escribió sus primeras canciones para el proyecto Keep Your Shoes Off, revelando al país su talento creativo. Hoy, con 23 años, el multi-instrumentista de Leiria responde artísticamente por Cateto, nombre con el que presentó, en 2018, el EP Mixtape, en un disco indie-rock mostrando influencias como Radiohead, Ben Howard y Linda Martini. Es, sobre todo, este repertorio el que João Gacía trae a la Casa da Música, pero promete desvelar nuevos temas.

R. H. Quaytman emplea técnicas de reproducción mecánica y tradiciones del arte conceptual para crear series cerradas de obras divididas en capítulos. Las partes posteriores están numeradas para marcar el paso del tiempo y el gradual completar de la vida y del proyecto artístico. La artista trata todas las exposiciones y pinturas presentadas como una empresa creativa. R. H. Quaytman aborda la pintura como si fuera poesía: al leer un poema, se repara en palabras específicas, nos damos cuenta de que cada palabra tiene una resonancia. Las pinturas de Quaytman, organizadas en capítulos estructurados como un libro, tienen gramática, sintaxis y vocabulario. Si bien el trabajo está delimitado por una estructura rígida a nivel de material, aparecen solo en paneles biselados de contrachapados en ocho tamaños predeterminados resultantes de la proporción áurea, el contenido de final abierto crea permutaciones que dan como resultado un archivo sin fin. La práctica de Quaytman involucra tres modos estilísticos distintos: serigrafías basadas en fotografías, patrones ópticos como muaré y tramas brillantes, y pequeñas obras al óleo pintadas a mano. La obra de Quaytman, presentada por primera vez en Portugal, apunta a las nuevas posibilidades de la pintura actual. ¿Qué es una pintura, un icono? ¿Cuáles son los medios de pintar en una cultura saturada de estímulos visuales, desde la fotografía hasta el bosque digital de signos? ¿Sigue siendo la pintura una forma relevante de compartir nuestra historia? La exposición está coorganizada por el Muzeum Sztuki en Lódz, Polonia, y por la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Comisariada por Jaroslaw Suchan

Al principio era "yo y muchos", luego se convirtió en "muchos y yo" y finalmente se convirtió en "muchos". No es que me perdí, olvidé, diluyera o evaporara, ¡no! Fue solo que me puse en el lugar que pertenezco. Esto, muy, muy lentamente, fue lo más importante de entender. ¡Si, somos muchos! ¡Muchos y pequeños! ¡Somos muchos, pequeños y jóvenes! Liliput es un viaje a través del ser humano. De unos humanos muy pequeños. Tan pequeños que nosotros, en comparación con esos seres que ocupan todo el piso del escenario, somos gigantes. ¡Gigantes! ¡Imagínese el tamaño de alguien que piensa que somos gigantes! Con mucho cuidado logramos verlos y escucharlos a través de cámaras y amplificación de sonido y… ¡tal vez estos pequeños seres hablen de nosotros! Pensándolo bien, también somos muchos, pequeños y jóvenes ... - Ainhoa Vidal

Mensualmente, el Restaurante Casa da Música se convierte en una verdadera Casa de Fados, en la que el fado es “servido en la mesa” por los mejores intérpretes, honrando nuestra mejor tradición, pero también la música portuguesa contemporánea por excelencia.

Motorama son ahora un trío tras una serie de cambios en la formación que ya han incluido un total de cinco elementos. El nuevo formato que incluye a miembros de la formación original Vlad Parshin y Maxim Polivanov - y que se ha mantenido desde la edición del más reciente álbum de estudio Many Nights - será el que podemos esperar ver en el regreso de los rusos a Portugal en 2020. Desde su primer EP, Horse (2008), Motorama ha construido su propria melodía cautivadora con apasionadas texturas post-punk, pero fue a partir de Alps (2010) que la banda alcanzó renombre internacional con temas como "Wind In Her Hair", "Empty Bed" y "One Moment" para convertirse en éxitos de carrera. A esto le siguieron Calendar (2012) y, más tarde, Poverty (2015) y Dialogues (2016) discos que los han traído a Portugal en innumerables ocasiones. Ahora, en un nuevo período, esperamos escuchar Many Nights. La primera parte estará a cargo de Ploho. Sónia Felizardo.

¿Qué sucede cuando tres amigos, como César Mourão, Miguel Araújo y António Zambujo, deciden irse de vacaciones juntos al Algarve? Conversación tras conversación, guitarra tras guitarra, improvisación genera improvisación. Siendo fans hace mucho tiempo unos de los otros, cuando se dieron cuenta, estaban creando e improvisando canciones juntos, sin otra intención que divertirse. Y así fue. Los buenos recuerdos de aquellos días los llevaron a querer compartir estos momentos de complicidad con el público. Luego decidieron invitar a Luísa Sobral, una improvisadora muy peculiar, a quien son devotados fans y amigos, a unirse a ellos. ¿El resultado? Un magnífico Desconcierto (Desconcerto) de música y buen humor, creada a la minute, absolutamente improvisada, absolutamente imperdible, que los sorprenderá tanto a ellos como al público, y eso es quizás mejor que irse de vacaciones con ellos.

Este Alfredo Cunha que estamos hablando es el hombre con su cámara y su mirada. Cualquier buen fotoperiodista intuye, antes de saberlo con claridad, que una imagen, que debe contener todo contenido y seducción, es, siempre ha sido un momento decisivo. Antes de ser definido por Cartier-Bresson, ya existía en la mente de quienes fotografían el evento, el rostro y el movimiento. En los 50 años de carrera de Alfredo Cunha, muchas cosas han cambiado: el país que fotografía; el equipo que utiliza, lejos del primer Petri FT, de la Leica M3, que empezó a utilizar en 1973, y de las Leicas que le siguieron y a la que siempre se ha mantenido fiel; el soporte - desde lo analógico, mayoritariamente en blanco y negro, hasta lo digital, que utiliza desde 2003. La imagen del fotoperiodismo responde a la exigencia de concordancia con el texto, también está ligada al dónde, cuándo, cómo y por qué. Sin embargo, cuando el fotógrafo ya ha definido su estilo, y este es el caso de Alfredo Cunha, la seducción de la imagen anula la seducción de la noticia. En todos ellas se hace difícil asociar la imagen con un estilo porque Alfredo Cunha va más allá de la tendencia del momento y el tema. Y es en este sentido que podemos decir, con Barthes, que sus fotografías resultan sin código, dependen de la transmisión del suyo para nuestro cariño. Teresa Siza (texto adaptado)

Escrita para conmemorar el bicentenario de los Estados Unidos de América, esta obra es el resultado de un viaje de Olivier Messiaen a Utah. Impresionado por los enormes desfiladeros que marcan el paisaje de esa región, los utilizó como punto de partida para una elevación de la música, que parte de estas formaciones geológicas hacia las estrellas, pasando por numerosos cantos de pájaros. Pese a la monumentalidad de la obra, la orquestra que le da su cuerpo curiosamente se reduce a 43 instrumentos, con una sección de percusión predominante que ayuda a crear imágenes sonoras extraordinarias. Una obra muy exigente para cualquiera de los instrumentistas implicados, entre los que se encuentra el prestigioso pianista Paulo Álvares, aclamando especialista en repertorio de los siglos XX y XXI. La dirección será Sylvain Cambreling, director de orquestra que ya ha sido galardonado con el MIDEM Contemporary Music Award pro sus grabaciones de obras orquestales de Messiaen.

FIBRA tiene como génesis las potencialidades plásticas del vestuario, haciéndole protagonista y el punto de partida para la creación escénica. La epidermis ropa-cuerpo aparece como un soporte para explorar la ambigüedad y belleza de las emociones humanas, asociada a la idea de deformidad y metamorfosis. A partir de las limitaciones y adaptaciones entre la pieza ponible y un cuerpo, hay pretextos para pensar lo bello y lo feo en una relación simbiótica que tiene como preocupación inherente una comunicación sensorial más activa entre la materia, el artista y el espectador. Al ponerse la envoltura textil, el intérprete se aísla del exterior. Los olores, los sonidos y el tacto se intensifican y, al mismo tiempo, se concentran, se dominan. Lo visible adquiere una danza de innumerables identidades. - Filipe Moreira & Lola Sousa

Este trabajo se organiza a partie de rituales de investigación en torno al tiempo, su ocupación, suspensión y condensación. Reunidos en una lógica de acumulación, en escena se encuentran objetos reutilizados, tecnología de baja fidelidad, dispositivos de amplificación y grabaciones recolectadas aleatoriamente durante el proceso. A partir de este entorno, los intérpretes producen un mosaico de acciones, configurando espacios físicos y mentales que convocan los efectos de la lentitud, la velocidad, la repetición, la continuidad, la discontinuidad, la medición o incluso el olvido del tiempo. El tejido coreográfico y sonoro producido también está atravesado por fragmentos de recuerdos compartidos, sometidos a procesos de transformación y desgaste.

Volviendo a grabar álbumes en soliario, la ineludible Lena d'Água presenta su último disco, Desalmadamente. Considerada la primera mujer portuguesa a unirse a una banda de rock, Lena d'Água debutó en los Beatnicks, aún en los años 70, seguida de la fundación de Salada de Frutas, el paso por Atlântica, la interpretación de canciones infantiles y el éxito en solitario aún en los 80. Treinta años después, Desalmadamente marca un regreso al futuro, con canciones de Pedro da Silva Martins y arreglos y producción por los músicos que acompañan la artista en vivo. En un concierto que será una "gran fiesta", la cantante recorrerá los nuevos temas, sin olvidar las canciones más emblemáticas de su vasto recorrido. Lugar del evento: Associação de Moradores do Bairro Social da Pasteleira

Este último capítulo del ciclo explora las complejas relaciones entre las prácticas y los recursos audiovisuales del cine y la dinámica inherente a la producción e interpretación musical, en particular, de la música negra norteamericana. Explora y muestra estrategias de intermediación artística que importan los avances de la cultura negra en las áreas de música, danza y oratoria al territorio audiovisual. Según Arthur Jafa, el epíteto de producción artística negra (y cultura negra como un todo) se da en manifestaciones musicales (desde el jazz al hip-hop), donde estas son la forma dominante. Como tal, la promoción de un avance estético del cine específicamente negro solo se beneficiará de la identificación y comprensión de las variables que marcan esta singularidad y popularidad. Las películas que componen las dos sesiones de esta última parte del ciclo The Dark Matter of Black Cinema abarcan el universo de la música -especialmente el jazz- tanto a nivel temático como formal, a través de la implicación de los músicos en la práctica del cine, como directores, técnicos o actores. La primera sesión está dedicada a un director del movimiento L.A. Rebellion que influyó en gran medida la relación de Jafa con el cine, Larry Clark, y la que se consideró "la única película de jazz en la historia del cine", Passing Through (precedida por la provocación revoltosa del músico-director Ed Bland). La segunda sesión se realiza bajo la égida de la reivindicación, con el montaje onírico de Dawn Suggs, la fotografía callejera (y denuncia) de Khalik Allah y la pagina al padre de la revolución negra, Malcolm X, “el hombre más enojado de América". Esta segunda parte se caracteriza, por tanto, por objetos de naturaleza exploratoria que buscan allanar el camino a las posibilidades del cine como arte de síntesis de toda una cultura, experimentando diferentes aproximaciones al ritmo del montaje, la cadencia de captar y proyectar imágenes y sonidos y a la velocidad de fotogramas (desde el mayor frenesí hasta la imagen fija).

Nacido del encuentro entre Gwendoline Robin, el astrónomo Yaël Naze y el oceanógrafo Bruno Delille, el Crater 6899 [cráter 6899] es una brecha que nos lleva de regreso a los orígenes del mundo, cuando los cometas chocaron con la Tierra y liberaron grandes cantidades de agua. Con conexión con la astronomía (que analiza el cielo, las galaxias y observa los confines del universo) y la geología (que revuelve la tierra, las piedras, la disposición de rocas y estructuras), la actuación de Gwendoline Robin es un acontecimiento que ha cambiado la historia de nuestro planeta. Un paisaje de material suspendido, que evoca desiertos terrestres y espacios celestes. Nada es fijo, todo está sujeto a manipulación, cambio de estado, transformación relacionada con el tiempo y los gestos. Jugando con lo infinitamente pequeño y lo enormemente vasto, lo infinitamente cercano y lo enormemente distante. La instalación cambia gradualmente y se convierte en un nuevo paisaje para contemplar.

Campanhã é a Minha Casa es un proyecto colaborativo que tiene como objetivo llevar la parroquia de Campanhã a la pantalla grande. Sin sala de cine y sin nunca ha aparecido en una película emblemática de la historia del Cine portugués, el proyecto transforma tres espcaios menos convencionales en verdaderas salas de estar, gigantes pero acongedoras, donde se apresentarán tres sesiones especiales de cine. Campanhã é a Minha Casa es una inventación a una construcción colectiva, donde todos están invitados a entrar y también a participar. Para eso, los moradores de la parroquia tambén tendrán el reto de compartir sus colecciones de pedículas y grabaciones familiares, retratos de intimidad y vida real, que servirán de base para la realización de tres cortometrajes, de los directores Cláudia Varejão, Edgar Pera. y Sónia Amen, que se presentará al inicio de cada sesión. Lugares donde tendrán lugar las sesiones de cine: Monte do Forte; Bairro S. Vicente Paulo y Quartel da Bela Vista

El Coreto está especialmente dedicado a la presentación de música original y vuelve, esta noche, a las composiciones de su fundador, el saxofonista João Pedro Brandão. El mgrupo reúne a un conjunto de figuras que han dejado su huella en el panorama del jazz portugués y ya sumo cuatro discos editados con el reconocimiento de a la crítica international. En este concierto, deambula entre música escrita e improvisada, buscando espacios para cada uno de los solistas con el fin de resaltar sus voces individuales y sus afinidades. Según el prestigioso compositor Ohad Talmor, Coreto nos trae "música llena de sorpresas, colores e ideas, maravillosamente servida por inspirados solistas".

La ciudad de Porto acoge una nueva edición del ITF Future Series Wheelchair Internacional Tournament, una competición que reunirá algunos de los principales nombres de la jerarquía mundial en la modalidad. El torneo, que volverá a disputarse en las pistas del Clube de Ténis do Porto, contará con figuras destacadas como el austriaco Nicolas Langmann, actualmente número 34 en el ranking mundial, el brasileño Gustavo Carneiro, 37 en la lista, y el holandés Carlos Anker, número 38. También están confirmados los experimentados tenistas italianos Luca Arca y Silviu Culea, así como el griego Stefanos Diamantis o el francés Nicolas Charrier. La representación nacional estará a cargo de los principales jugadores que actúan en Portugal, como Jean Paul Melo, número 131 de la lista mundial, y también Carlos Leitão, actual número 136, y João Couceiro, número 272. Dadas las circunstancias relacionadas con la pandemia, y dado que el cuadro solo está compuesto por 16 jugadores, los portugueses Francisco Aguiar y José Sousa están, por ahora, como suplente, pudiendo ser convocados si alguno de los tenistas inscritos no puede viajar a nuestro país.

Esta pieza prviene de una persona que dibujé como recuerdo de un concierto. La he llamado de Guintche y, mientras tanto, ella creció, ganó una vida propia, ganó autonomía, se rebeló. Guintche es una palabra en la lengua criolla caboverdiana: es el nombre de un pájaro, el nombre de una prostituta, pero también puede representar una actitud, la de alguien que salta de un evento a otro, sin coherencia en sus elecciones. A través de su estructura contraintuitiva, Guintche responde a la escultura de cera: se funde, solidifica, cambia de forma... Sin embargo, siempre mantiene la misma naturaleza, es decir, permanece hecha de la misma cera. - Marlene Monteiro Freitas

Compositor, letrista, cantante, productor y guitarrista, Eduardo Branco es un talento destacado en la nueva generación de músicos portugueses. Tras experiencias de banda con algún éxito, hace poco más de dos años grabó en EP en nombre propio, Ilusão, que vendería más de mil copias y cuyo concierto de presentación agotó las entradas del Auditorio IPDJ, en la ciudad de Coimbra, proyectando al músico para una gira por las salas de Lisboa y Leiria. Llega a la Casa da Música con un ábum, 97, ya disponible en todas las plataformas digitales.

"Playing w / Stupidity" es el resultado de una colaboración entre los artistas Cardoz (João Cardoso) y Narso (Bernardo Fernandes) y busca retratar la dependencia que tenemos del mundo online, surgida en un momento en el que el tema de la desinformación y la propaganda política está teniendo cada vez más relevancia en la sociedad. En este sentido, el dúo pretende que su arte, que se despliega en esculturas y pinturas, sea un vehículo de conciencia para el sutil control al que todos terminamos siendo sujetos a través de los dispositivos electrónicos que nos acompañan en nuestra vida diaria y nos llevan a preguntarnos si realmente hay libre albedrío detrás de nuestras acciones. La exposición se exhibirá en Lisboa, en la Rua do Beato nº 30, del 1 al 18 de octubre, y en Porto, en el Hard Club, del 22 de octubre al 8 de noviembre.

Una de las películas más vistas durante los 75 años del Cineclube do Porto, El gabinete del Dr. Caligari que este año cumple 100 años de existencia es una película precursora del expresionismo alemán que ha deslumbrado, a lo largo de los años, a varias generaciones de amantes de cine, que por eso hemos decidido traer a nuestras celebraciones. Después de un cine-concierto con Filho da Mãe, en abril de 2017, en el cine Passos Manuel, el Cineclube do Porto vuelve a Dr. Caligari con Haarvöl. Un proyecto colectivo con tres miembros permanentes (Fernando José Pereira, João Faria y Rui Manuel Vieira) y con diversas colaboraciones como el compositor gallego Xoán-Xil López y el compositor y guitarrista franco / mexicano Bertrand Chavarria-Aldrete y activo en el campo de la música electrónica experimental desde 2012. La música de Haarvöl se desarrolla conceptualmente en la exploración de las propiedades de los sonidos, con el fin de lograr entornos cinematográficos y de imagen. Los sonidos no se limitan a su origen medial: tanto las fuentes digitales como las analógicas se utilizan y mezclan en composiciones complejas con especial atención a los detalles. La película se desarrolla en el manicomio del Dr. Caligari quien, con sus poderes hipnóticos, controla a sus pacientes a voluntad. Un retrato retorcido y delirante que pretende reflexionar sobre una Alemania destruida por la Primera Guerra Mundial. Uno de los mayores eventos cinematográficos de la historia. Fue con “El gabinete del Dr. Caligari” que nació el expresionismo alemán. Sus decorados deformados son un hito en la historia del séptimo arte y pretendían reflejar la mirada loca de Caligari sobre el mundo real.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

El Teatro do Bolhão está creando un ambicioso tríptico: después de Vida do Grande D. Quixote de la Mancha e do Gordo Sancho Pança, de António José da Silva (O Judeu), y antes de El mercader de Venecia de Shakespeare, el centro se hace con Lorenzaccio, de Alfred de Musset (1834), dirigido por Rogério de Carvalho. Basada en los relatos de la historia de Florencia del siglo XVI que involucran el derrocamiento del ducado tirano de Alessandro de Médeci, asesinado por su primo Lorenzo, llamado despectivamente "Lorenzaccio" porque frustra los ideales del cambio, Musset crea tanto un drama personal en torno a esta figura, atormentada por una inquietud hamletiana, como una crítica a una sociedad en decadencia. Obra crucial del drama romántico francés, considerada irrepresentable o escenificada en versiones amputadas, siempre ha sido un desafío para la campañía, que ahora estrena en Portugal, inspirándose en su libertad formal para corromper sus formas dramáticas y géneros. Un espectáculo sobre una comunidad humana impotente ante el desmoronamiento del poder y su capacidad de disimulo, Lorenzaccio aspira a ser también un retrato de nuestro tiempo.

Rui Ramos sube al escenario del auditorio del Museo del FC Porto y va tras los secretos de la magia en una aventura llena de peripecias y muy divertida. Bajo la batuta ingeniosa, performativa y del anfitrión, Quem Mora no Chapéu do Meu Avô combina cuentos y arte mágico en un espectáculo dirigido a los niños, pero para participar en familia, porque en el fabuloso universo de Histórias para Dragõezinhos, ¡hasta los adultos se lo pasan genial!

El francocanadiense Louis Lortie es considerado uno de los pianistas más versátiles del mundo, explorando un repertorio que abarca varias épocas. En su debut en la Casa da Música, presenta un recital íntegramente dedicado a las famosas transcripciones del virtuoso húngaro Liszt. Utilizadas para difundir la literatura de otros compositores, pero también como una forma de demonstrar los recursos virtuosos de los intérpretes, las transcripciones de Liszt tuvieron un gran impacto en el catálogo pianístico. Entre unas 400 partituras, las nueve sinfonías de Beethoven se destacan por estar entre las "piezas más exigentes jamás escritas". El programa también incluye la transcripción del conmovedor ciclo de canciones An die ferne Geliebte, percursor de los grandes ciclos de Schubert y Schumann.

Jaguar es el nombre que se le da a algunos caballos, una pieza de danza y un teatro de marionetas. En Jaguar somos títeres y, como tales, manejados y accionados. Nos confiaremos a los demás y a sus manos: Mandinga d'Soncent, Wölfli, Blaue Reiter, entre otros que, aunque radicalmente diferentes, no serán más que una extensión de nosotros mismos. Jaguar es un fragmento, una escena de caza o una escena de caza encantada. - Marlene Monteiro Freitas

Tras años de intensos conciertos, con un repertorio de discos anteriores, Capicua hace un reset y comienza una nueva gira, con un nuevo disco, una nueva formación y un nuevo escenario. Madrepérola viene a renovar el repertorio, pero sobre todo el espíritu del espectáculo de la rapera. La idea es tocar el álbum en su totalidad, hablando de cada tema con cuidado, como alguien que realiza una visita guiada a una casa nueva. Al ser un disco de canciones, con muchas voces invitadas y mucho más bailable, exige que esta energía se realice en el escenario. Así, además de los músicos que habitualmente la acompañan (D-One, Virtus, Luís Montenegro y Sérgio Alves), Capicua estará flanqueada por dos voces cantadas (Inês Pereira y Joana Raquel), para hacer justicia a la musicalidad de los nuevos temas y abrir nuevas posibilidades para descubrir el antiguo repertorio, con la reinvención de viejos temas. Visualmente, el espectáculo adquiere una nueva identidad, con mucha luz, texturas y brillo, aludiendo a la iridiscencia del nácar y la policromía de los encantos submarinos. Es sin duda una nueva etapa que comienza, llena de energía vital y poesía convertida en música.

Durante un viaje a Escocia en 1829, Mendelssohn visitó el palacio de Holyrood, donde vivió y fue coronada la reina María. Vio las escaleras que subieron sus asesinos, vio el altar en ruinas, cubierto de hiedra y al aire libre, en el centro de un paisaje idílico. Allí afirmó haber encontrado el comienzo de la Sinfónica de Escocia, que solo terminaría 12 años después. Las huellas del viaje abarcan todos los movimientos de la obra y se pueden desvelar en este concierto comentado por Gabriela Canavilhas e ilustrado con ejemplos presentados por la orquesta. En el podio estará el director de orquesta escocés Douglas Boyd, director artístico del festival Garsington Opera.

La verdad es que todo sigue conectado... Aquí estamos una vez más insistiendo, con esto de Literaturismo... Pues, y la razón es simple: pensamos que Literatura, Patrimonio, Turismo y Gastronomía están conectados. Y si no lo están, deberían estar... Como entendemos que debe ser así, vimos por cuarta vex declamar que aún queda un largo camino por recorrer, hay viajes que hay que hacer y descubrir, autores que ganan con ser leídos y releídos,, saberes que tienen que comunicar unos con los otros, y sabores que solo están esperando que nosotros les demos la oportunidad para se revelen... - José Valle de Figueiredo

Tour Nedó es el nuevo espectáculo de Manel Cruz y su banda. Un pretexto para hacer y reinventar música, comenzando por la reciente "Vida Nova" pero también el repertorio más antiguo, pasando por temas inéditos y otros que nunca existirán. Después de Ornatos Violeta, Pluto, Foge Foge Bandido y Supernada llegó "Vida Nova", el tan esperado disco debut de Manel Cruz. La expectativa fue grande y se superó desde el primer momento. A lo largo de 12 canciones, Manel Cruz se da a conocer un poco más y aún queda mucho por revelar. Las canciones y poemas que no dejan indiferente a nadie, se destacan individualmente y como un todo. "Ainda Não Acabei", "Beija-Flor", "Cães e Ossos" y "O Navio Dela" son los sencillos. En escena, en solitario o con António Serginho (percusión, piano, xilófono), Eduardo Silva (bajo, voz) y Nico Tricot (piano), músicos con los que toca desde hace más de 10 años y, en esta formación, desde hace más de seis, Manel Cruz se muestra como un hombre nuevo.

"¿Por qué cuando mirando hacia nada, nunca vemos nada?" Pedro Tudela y Miguel Carvalhais colaboran como proyecto @c desde el año 2000, habiendo producido más de veinte ediciones discográficas, casi doscientos espectáculos y varias instalaciones sonoras. Para señalar los veinte años del proyecto, Tudela y Carvalhais colaboran con André Rangel en el nuevo espectáculo “Não-Nada”, especialmente creado para el Understage de Rivoli. “Não-nada” es una actuación para sonido multicanal y luz que explora el escenario, el no escenario y el subescenario de Rivoli. Es un espectáculo que destila dos décadas de experimentación sonora radical, un recorrido militante e inquieto, un permanente trabajo en marcha.

El Gabinete do Desenho de Casa Guerra Junqueiro acoge la exposición "Cadernos A & B: Prelúdio e Fuga", del artista Jorge Feijão. Con entrada libre, hasta completar el aforo del espacio, y siguiendo el escrupuloso cumplimiento de las medidas preventivas, la muestra podrá visitarse hasta el 24 de enero de 2021. Es una oportunidad única para descubrir una inmensa serie de dibujos, de pequeño formato, entre el boceto y el dibujo acabado, la luz y la oscuridad, la velocidad y la ponderación de la mano y del pensamiento. Como en esta exposición del Museu da Cidade, el dibujo en sí se revela a través de una cierta cadencia musical. El conjunto de obras expuestas se constituye - hagamos la analogía - como un palimpsesto de motivos similares al atlas de imágenes. Ampliamente utilizado en la Edad Media, el palimpsesto era un manuscrito en pergamino o papiro, que se raspaba o borraba regularmente para permitir la reutilización del material y la posterior superposición de una nueva escritura, aunque se podían ver huellas del texto manuscrito anterior.