Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

¿Qué tienen en común Lena D'Água, Ana Deus, Anabela Duarte, Manuela Azevedo o Xana? Todas ellas tienen un lugar reservado en la historia del rock portugués y forman parte del grupo de 15 mujeres cuyas carreras musicales serán celebradas en la exposición y en una serie de eventos paralelos que tendrán lugar durante los próximos 6 meses. Inaugurado simbólicamente el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, en la Casa Comum (Rectorado) de la Universidad de Porto, y con entrada gratuita. Estará en exhibición hasta el 30 de septiembre de 2022. Organizada por Casa Comum y el Instituto de Sociología de la Universidad de Porto, esta exposición inédita nació con el objetivo de homenajear a “mujeres relevantes del rock portugués” desde el periodo posterior al 25 de abril hasta la actualidad. Para ello propone contar sus historias a través de discos, casetes, ropa, utilería, garabatos de letras, pentagramas, baquetas, instrumentos musicales, entre otros objetos que han marcado sus respectivas carreras.

METAMORFOSES se centra en la profusión y el proceso de integración del imaginario y los temas vegetales, minerales y animales en el espacio doméstico romántico, trayendo a las salas de la Casa de la Quinta da Macieirinha un gran número de piezas, algunas expuestas anteriormente en el antiguo Museo Romántico y en otros espacios del Museu da Cidade, otros nunca antes expuestas, mostrando la indudable calidad y diversidad de las colecciones municipales. Esta exposición también marca el inicio de la evocación del centenario de la muerte de la artista de Porto, Aurélia de Souza, momento central de la programación 2022/23. El célebre autorretrato del artista como “Santo António” (San Antonio), realizado alrededor de 1902, formará parte del nuevo conjunto que reúne pinturas, muebles, tapices y textiles, cerámicas, vajillas y vajillas de plata, además de otras sorprendentes piezas de la colección como conjuntos de abanicos, papeles recortados y malacología.

Leonilson fue uno de los grandes exponentes de un movimiento de arte brasileño llamado Geração 80 (Generación del 80). Tras el fin de la dictadura militar a mediados de la década de 1980, este grupo de artistas celebró su recién adquirida libertad con un estilo de pintura gestual, colorido y expresivo. Mientras que en la misma década el arte pop estadounidense se apropiaba de los símbolos de una sociedad industrial, las obras de la Geração 80 criticaban abiertamente a la sociedad. Nacido en 1957, Leonilson estudió arte en São Paulo entre 1978 y 1981. Además de Eva Hesse y Blinky Palermo, dos artistas que conoció personalmente durante sus viajes por Europa, su principal influencia artística fue la transvanguardia italiana. Surgido a finales de la década de 1970, este movimiento estuvo marcado por la vuelta a la figuración, la mitología antigua y un intenso uso del color. Igualmente, las pinturas y dibujos de Leonilson de este período muestran un subjetivismo ecléctico y un lenguaje visual emblemático. Una exhibición de textiles de la secta cristiana estadounidense Shakers marca un momento clave en los inicios de la carrera del artista: los mapas bordados de los Shakers lo influenciaron mucho y lo inspiraron a adoptar los textiles como medio artístico. En 1991, tras ser diagnosticado con SIDA, su lenguaje visual cambia significativamente: entre 1991 y 1993 su obra parece un diario, revelando el deterioro de su salud y mostrando su preocupación por la muerte. En la fase final de su vida, Leonilson ya sólo podía trabajar con tela, aguja e hilo. En este período, el lenguaje y la abstracción juegan un papel predominante en su obra, al igual que los elementos religiosos, formales y visuales. El Museo de Arte Contemporáneo de Serralves se enorgullece de poder presentar la primera gran retrospectiva de la obra del artista brasileño Leonilson en Portugal. La exposición reúne una selección de más de 250 obras en un amplio espectro de medios y estilos, desde las primeras pinturas hasta los bordados introspectivos de los últimos años del artista, ofreciendo una visión general de toda su obra.

Tarek Atoui, artista y compositor electroacústico, trabaja en composiciones a gran escala que son el resultado de la investigación antropológica, etnológica, musicológica y técnica. Sus exposiciones cruzan instalación, performance y enseñanza en procesos que se alejan de la noción convencional de performance —tanto desde el punto de vista del performer como del público — y que sugieren formas visuales, auditivas, táctiles y somáticas de experimentar el sonido. Esta primera exposición en Portugal forma parte del proyecto I/E, en marcha desde 2015, en el que Atoui registra los sonidos de las ciudades portuarias, Atenas, Abu Dabi, Singapur, Beirut o Porto, grabando las actividades industriales, humanas y ecológicas de sus puertos. Trabajando en colaboración con Eric La Casa, un artista y especialista en grabación de sonido, escuchan los sonidos debajo de la superficie del mar o dentro de materiales como el metal, la piedra y la madera. En Waters' Witness, se reproducen grabaciones de audio de los puertos marítimos de Atenas, Abu Dabi y Porto utilizando materiales elegidos para cada lugar: bloques de mármol de Atenas, vigas de acero de Abu Dabi y estructuras de madera que albergan compost, gusanos y materia orgánica. producidas específicamente para la presentación en Serralves. Trabajar con materia orgánica en descomposición lleva a Waters' Witness en una dirección hasta ahora inédita: una ecología acústica que recibe y perpetúa sonidos residuales a través de los límites audibles de un mundo en constante cambio. Este paisaje sonoro único se extiende desde la sala central del Museo hasta el Parque en forma de constelaciones sonoras, plataformas y sistemas sonoros, activados durante el período de permanencia de la exposición en performances programadas, talleres colaborativos y educativos.

“Ajax et plures” presenta un conjunto de obras de João Paulo Feliciano de las décadas de 1990 y 2000 pertenecientes a la Colección de Serralves y una obra inédita concebida para el campus de la Universidade Católica Portuguesa do Porto. Las obras presentadas son representativas de diferentes momentos de la carrera del artista, revelando continuidades y rupturas que han marcado su práctica artística en los últimos treinta años. Si las obras de la década de 1990 gravitan en torno al mundo de la música rock y la realidad urbana, las obras de 2004 y 2021 demuestran un interés por explorar fenómenos de percepción y permiten distinguir una inflexión en la relación (de fascinación/rechazo) con la tecnología. Hay un constante cuestionamiento de los medios materiales y lingüísticos que utiliza el artista como forma de repensar nuestra relación con el mundo, cuestionando supuestos de los géneros artísticos tradicionales a la luz de distintos aspectos de la cultura popular. Su actitud irónica y provocadora, su deseo de involucrar al espectador en el significado de la obra y, sobre todo, su insaciable apetito por la experimentación, son transversales a la diversa obra de João Paulo Feliciano. Las obras se presentan en diferentes espacios del campus de UCP – Porto, en el Edifício das Artes y el Edifício de Restauro.

BANKSY: ¿Un Genio o un gamberro? Nos acerca al controvertido universo artístico de uno de los creadores más influyentes de los últimos años, a través de diferentes ámbitos temáticos y más de 70 creaciones que incluyen obras originales, esculturas, instalaciones, videos y fotografías. Las piezas, procedentes de colecciones privadas y con la colaboración de Lilley Fine Art / Galería de arte contemporáneo, se exhiben nuevamente en Portugal, por primera vez en la ciudad de Porto. Una impresionante instalación audiovisual especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica. Entre las obras más reconocidas de la muestra se encuentra la serigrafía original de la serie “Niña con globo”, similar a la recientemente destruida por el propio artista en una acción sin precedente en Sotheby’s, la casa de subastas de Londres.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

Warhol, People and Things: 1972-2022, una colección de 68 fotografías, de los años 70 y 80 del siglo pasado, donadas a la Mishkin Gallery por la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts y exhibidas, por primera vez, en Portugal y Europa. La exposición revela "la obra de Andy Warhol y su contribución al desarrollo del arte experimental, los media y el discurso crítico del arte, en diálogo con los artistas contemporáneos, al mismo tiempo que expone al artista pop pionero a una nueva generación en Porto". Además de las fotografías de Warhol, se exhibirán obras de arte contemporáneas, varias de las cuales fueron encargadas para la exposición. Entre las obras expuestas se encuentran "Scenes from the Life Of Andy Warhol" (1982), del director Jonas Mekas, fotografías de la serie "Middle of the Day" de John Miller, tres películas de Jeff Preiss, incluida su más reciente "Welcome to Jordan", 2022, y pinturas recientes de Anna Ostoya. También se encargaron obras a los artistas portugueses Sara Graça y Pedro Magalhães, y también se incluirán piezas de la Casa São Roque, como fotografías de Augusto Alves da Silva y Robert Mapplethorpe. El programa de la exposición también incluye conferencias sobre fotografía y sobre la relación entre Warhol y Jonas Mekas.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

“Frida Kahlo, A Vida de um Ícone” es la nueva experiencia inmersiva e interactiva de Immersivus Gallery, una invitación a conocer en detalle a una de las artistas más influyentes de todos los tiempos. Del 10 de marzo al 30 de junio, en Alfândega do Porto, podrá descubrir la biografía de la artista mexicana a través de colecciones de fotografías históricas, películas originales, instalaciones artísticas y música, que reproducirán los momentos más relevantes de su vida.

Porque la vida es mejor cuando se comparte, hemos decidido hacer de lo “desconocido” una unión. A través de nuestro punto de vista, hemos creado una exposición con el tema de los puentes de Porto para edificar sobre el papel la magia que honramos en la fotografía. ¡Capturar monumentos y compartirlos es nuestra pasión! La exposición cuenta con la presencia de los artistas Sérgio Carvalho, Paulo Camelo, Bruno Sousa, Mário Eloi, Sónia Ricardo, Pedro Sá y Paulo Alves. Esta exposición de fotografía tiene lugar en Domus Arte, una tienda de artesanía portuguesa y exposición de arte, en la Rua da Bainharia, junto a la Catedral de Porto, y se puede visitar hasta el 4 de junio.

Las clases tienen lugar todos los lunes y jueves, entre las 17:30 y las 19:30 horas, y todos los sábados y domingos, entre las 10 y las 12 horas, en el Skate Park de Ramalde. Cada clase junta a dos maestros y un máximo de 20 alumnos simultáneamente, y cada participante preferiblemente debe traer su propio equipo (tabla y equipo de protección). La empresa municipal Ágora suministra la tabla y el casco a quienes los necesiten, y se evita compartir el equipo entre los estudiantes. La inscripción en las clases es obligatoria todas las semanas, y los interesados deben enviar un correo electrónico a desporto@agoraporto.pt, con su nombre, edad (deben tener más de seis años y menores de 60) y el día en que quieren la clase de skateboarding. Cada usuario puede registrarse un máximo de dos clases por semana.

“Spiritus - La mejor manera de viajar es sentir” es un innovador espectáculo multimedia que trasciende las pareds de la Iglesia de los Clérigos, en la ciudad de Porto. Esta experiencia inmersiva explora la música, la luz, la energía y el color, creando una atmósfera de poesía visual, sincronía y ligereza que llena toda la arquitectura de la Iglesia de los Clérigos. Creado por OCUBO e inspirado libremente en el poema “Al final, la mejor manera de viajar es sentir” de Álvaro de Campos, Spiritus despierta la imaginación, la espiritualidad y el mindfulness de cada espectador.

La compañía Palmilha Dentada conoce el valor redentor del humor. ¿Podemos reírnos de “este carrusel de emociones y acontecimientos” que marcan los años covídicos? “Más que nunca, necesitamos reírnos”, nos dice la compañía. “Assim se Fazem as Coisas: Monumental Revista Antipopularuxos” [Así se hacen las cosas: Monumental Revista Antipopularuxos} es el vehículo que nos propone Ricardo Alves para ganar distancia y acceder a la risa. El dramaturgo/director se inspira en el teatro de revista, en el que el año que hemos vivido hubiera pasado en revista con una mirada satírica, un género popular y kitsch que surgió en Francia, llamado en Portugal como “revista”. “Assim se Fazem as Coisas” es entonces “la revista del año pasado”, este “año que fueron dos”, cuya mirada analiza nuestra experiencia de la pandemia. Siendo de Palmilha, esta revista sólo podía ser “monumental” y “antipopularuxos”, es decir, ofrecida en una contracorriente liberadora.

Para aprovechar las cálidas noches de verano, ya se acerca, la terraza del Café se convierte en un escenario de bandas y proyectos de los más diversos estilos. El miércoles está reservado para mostrar los jóvenes talentos de las escuelas de música de Porto y alrededores, presentando proyectos ligados a la música clásica pero también al jazz. Los jueves y viernes, el ecléctico abanico de propuestas trae folk, pop y blues nacional con nombres como Golden Slumbers, PZ o Budda Power Blues, pero también hay representantes de la música más reciente que llega de Brasil con Alice Caymmi y Júlia Vargas. En la noche más festiva del año, la terraza se forma parte de la alegría que contagia a la ciudad, cediendo el escenario a Rodrigo Affreixo para llevarnos a un set lleno de música portuguesa para bailar, como la ocasión lo requiere.