La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

¿Qué tienen en común Lena D'Água, Ana Deus, Anabela Duarte, Manuela Azevedo o Xana? Todas ellas tienen un lugar reservado en la historia del rock portugués y forman parte del grupo de 15 mujeres cuyas carreras musicales serán celebradas en la exposición y en una serie de eventos paralelos que tendrán lugar durante los próximos 6 meses. Inaugurado simbólicamente el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, en la Casa Comum (Rectorado) de la Universidad de Porto, y con entrada gratuita. Estará en exhibición hasta el 30 de septiembre de 2022. Organizada por Casa Comum y el Instituto de Sociología de la Universidad de Porto, esta exposición inédita nació con el objetivo de homenajear a “mujeres relevantes del rock portugués” desde el periodo posterior al 25 de abril hasta la actualidad. Para ello propone contar sus historias a través de discos, casetes, ropa, utilería, garabatos de letras, pentagramas, baquetas, instrumentos musicales, entre otros objetos que han marcado sus respectivas carreras.

Leonilson fue uno de los grandes exponentes de un movimiento de arte brasileño llamado Geração 80 (Generación del 80). Tras el fin de la dictadura militar a mediados de la década de 1980, este grupo de artistas celebró su recién adquirida libertad con un estilo de pintura gestual, colorido y expresivo. Mientras que en la misma década el arte pop estadounidense se apropiaba de los símbolos de una sociedad industrial, las obras de la Geração 80 criticaban abiertamente a la sociedad. Nacido en 1957, Leonilson estudió arte en São Paulo entre 1978 y 1981. Además de Eva Hesse y Blinky Palermo, dos artistas que conoció personalmente durante sus viajes por Europa, su principal influencia artística fue la transvanguardia italiana. Surgido a finales de la década de 1970, este movimiento estuvo marcado por la vuelta a la figuración, la mitología antigua y un intenso uso del color. Igualmente, las pinturas y dibujos de Leonilson de este período muestran un subjetivismo ecléctico y un lenguaje visual emblemático. Una exhibición de textiles de la secta cristiana estadounidense Shakers marca un momento clave en los inicios de la carrera del artista: los mapas bordados de los Shakers lo influenciaron mucho y lo inspiraron a adoptar los textiles como medio artístico. En 1991, tras ser diagnosticado con SIDA, su lenguaje visual cambia significativamente: entre 1991 y 1993 su obra parece un diario, revelando el deterioro de su salud y mostrando su preocupación por la muerte. En la fase final de su vida, Leonilson ya sólo podía trabajar con tela, aguja e hilo. En este período, el lenguaje y la abstracción juegan un papel predominante en su obra, al igual que los elementos religiosos, formales y visuales. El Museo de Arte Contemporáneo de Serralves se enorgullece de poder presentar la primera gran retrospectiva de la obra del artista brasileño Leonilson en Portugal. La exposición reúne una selección de más de 250 obras en un amplio espectro de medios y estilos, desde las primeras pinturas hasta los bordados introspectivos de los últimos años del artista, ofreciendo una visión general de toda su obra.

Tarek Atoui, artista y compositor electroacústico, trabaja en composiciones a gran escala que son el resultado de la investigación antropológica, etnológica, musicológica y técnica. Sus exposiciones cruzan instalación, performance y enseñanza en procesos que se alejan de la noción convencional de performance —tanto desde el punto de vista del performer como del público — y que sugieren formas visuales, auditivas, táctiles y somáticas de experimentar el sonido. Esta primera exposición en Portugal forma parte del proyecto I/E, en marcha desde 2015, en el que Atoui registra los sonidos de las ciudades portuarias, Atenas, Abu Dabi, Singapur, Beirut o Porto, grabando las actividades industriales, humanas y ecológicas de sus puertos. Trabajando en colaboración con Eric La Casa, un artista y especialista en grabación de sonido, escuchan los sonidos debajo de la superficie del mar o dentro de materiales como el metal, la piedra y la madera. En Waters' Witness, se reproducen grabaciones de audio de los puertos marítimos de Atenas, Abu Dabi y Porto utilizando materiales elegidos para cada lugar: bloques de mármol de Atenas, vigas de acero de Abu Dabi y estructuras de madera que albergan compost, gusanos y materia orgánica. producidas específicamente para la presentación en Serralves. Trabajar con materia orgánica en descomposición lleva a Waters' Witness en una dirección hasta ahora inédita: una ecología acústica que recibe y perpetúa sonidos residuales a través de los límites audibles de un mundo en constante cambio. Este paisaje sonoro único se extiende desde la sala central del Museo hasta el Parque en forma de constelaciones sonoras, plataformas y sistemas sonoros, activados durante el período de permanencia de la exposición en performances programadas, talleres colaborativos y educativos.

“Ajax et plures” presenta un conjunto de obras de João Paulo Feliciano de las décadas de 1990 y 2000 pertenecientes a la Colección de Serralves y una obra inédita concebida para el campus de la Universidade Católica Portuguesa do Porto. Las obras presentadas son representativas de diferentes momentos de la carrera del artista, revelando continuidades y rupturas que han marcado su práctica artística en los últimos treinta años. Si las obras de la década de 1990 gravitan en torno al mundo de la música rock y la realidad urbana, las obras de 2004 y 2021 demuestran un interés por explorar fenómenos de percepción y permiten distinguir una inflexión en la relación (de fascinación/rechazo) con la tecnología. Hay un constante cuestionamiento de los medios materiales y lingüísticos que utiliza el artista como forma de repensar nuestra relación con el mundo, cuestionando supuestos de los géneros artísticos tradicionales a la luz de distintos aspectos de la cultura popular. Su actitud irónica y provocadora, su deseo de involucrar al espectador en el significado de la obra y, sobre todo, su insaciable apetito por la experimentación, son transversales a la diversa obra de João Paulo Feliciano. Las obras se presentan en diferentes espacios del campus de UCP – Porto, en el Edifício das Artes y el Edifício de Restauro.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

“Frida Kahlo, A Vida de um Ícone” es la nueva experiencia inmersiva e interactiva de Immersivus Gallery, una invitación a conocer en detalle a una de las artistas más influyentes de todos los tiempos. Del 10 de marzo al 30 de junio, en Alfândega do Porto, podrá descubrir la biografía de la artista mexicana a través de colecciones de fotografías históricas, películas originales, instalaciones artísticas y música, que reproducirán los momentos más relevantes de su vida.

El papel de la mujer, que durante siglos se limitó al hogar o la reclusión monástica, adquiere un nuevo protagonismo a finales del siglo XIX y principios del XX cuando se cuestionan muchos paradigmas, como la emancipación de la mujer y su participación en distintos ámbitos y actividades de la vida social. Los cambios políticos y sociales que siguieron a la Segunda Guerra Mundial permitieron transformaciones profundas, entre ellas el abandono del estereotipo de la mujer como un ser débil, pasivo y dependiente. Desde finales de los años 70 del siglo XX, el arte de las mujeres, y de las mujeres fotógrafas en particular, es interpretado y valorado no solo como una expresión de singularidad sino como una herramienta para deconstruir la “mirada masculina”. Para mostrar esta evolución, destacamos las preocupaciones sociales de Doris Ulmann que retrató a los trabajadores afroamericanos en las plantaciones del sur de Estados Unidos o de Edith Tudor Hart que, como discípula de la Bahaus, pretendía devolver al arte una misión social. Con la Segunda Guerra Mundial, Margaret Bourke-White aparece como la primera mujer corresponsal de guerra, mientras que Sabine Weiss Weber, en la década de 1950, era considerada la Gran Dama de la fotografía humanista. En 1960, Vieira da Silva es retratada por la rusa Ida Kar, que nunca logró integrarse en el ambiente fotográfico, que se hizo cada vez más comercial en los años 60. A finales de siglo, el abanico fotográfico femenino se amplía: en los años 90, tenemos el registro fotográfico de Cristina García Rodero sobre los gitanos católicos, al mismo tiempo que emerge la teatralidad de las imágenes de la fotógrafa-poeta - Flor Garduño. En Portugal, Helena Almeida, una de las artistas visuales más destacadas de la segunda mitad del siglo XX, creó una obra que traspasa fronteras disciplinarias y cuestiona las relaciones entre el cuerpo, la obra y el espacio. Esta exposición pretende, por tanto, homenajear a las mujeres fotógrafas representadas en la Colección Nacional de Fotografía (Coleção Nacional de Fotografia - Portugal), cuyas prácticas individuales contribuyeron a la excelencia de la narrativa fotográfica y rompieron con los conceptos preconcebidos de una profesión dominada por hombres.

En esta exposición colectiva se muestran pintura, escultura, cerámica, libros de artista y piezas de autor. Se pueden apreciar obras de diferentes tamaños, con expresiones plásticas diversificadas, en varios medios y en diferentes idiomas, con y sin títulos. Hay piezas de autor únicas para regalar en días especiales. Cualquier persona que quiera adquirir y llevarse una obra puede hacerlo el día de la visita. Los artistas podrán exhibir nuevas obras.

“Mírame y mírate a ti mismo”. Gil Vicente debe ser, todavía y siempre, habitable para todos los que hemos vivido más de quinientos años. El maestro Gil es un “texto vivo” que ofrece la posibilidad de mirarnos a nosotros y soñar. Cargado de visiones, vicentinas y otras, el director de escena João Pedro Vaz nos invita a caminar por el “Floresta de Enganos” [Bosque de los Engaños], representado en el “año del Señor 1536”. En esta, que es la última comedia de Vicente, entra pronto un Filósofo con un Bufón atado al pie, la pareja más enigmática de toda su obra. El Filósofo anticipa las figuras que serán engañadas por el amor: un mercader, un hombre con indumentaria de viuda, una jovencita, Cupido, Apolo, el Rey Telébano, la Princesa Grata Célia, el doctor Justiça Maior, y hasta un pastor, encadenado por el amor ni él sabe a quién. Finalmente, llega una Ventura “pelegrina” y resuelve este amor-en-abîme. “Todo transcurre en el bosque, que siempre ha sido el mayor espacio para el idilio y el engaño, para la transformación por amor, es decir, al teatro. Como en el sueño de una noche de verano (Vicentina)”, advierte el director de escena. “Mírame y mírate a ti mismo”, escribió, en un epitafio para sí mismo, al que llamaban “el más Ángel y el más Diablo de todos los poetas portugueses”.

El escritor y dramaturgo Peter Weiss escribió una de las obras seminales de la literatura alemana, “La estética de la resistencia” (1975-81). Rui Pina Coelho se basa libremente para construir el texto de la obra homónima que propone el Teatro Experimental do Porto dirigida por Gonçalo Amorim. Weiss describe el viaje de tres jóvenes trabajadores comunistas alemanes desde 1937 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Sus meditaciones sobre pintura, escultura y literatura son una forma de disidencia con el régimen nazi y una búsqueda de afinidades entre la resistencia política y el arte. Todo comienza con una ausencia: ante el friso de Pérgamo en el museo de Berlín, notan la falta de la figura del dios Heracles e imaginan un sustituto humano, heraldo de los oprimidos y explotados, a quien Rui Pina Coelho da voz: “Me he acostumbrado a pensar que la creación artística sin verdad tiene poca razón de existir”. El espectáculo lanza esta búsqueda de sentido al presente, erigiendo una letanía sobre arte y política, verdad y camaradería.

Marco Martins propone en SELVAGEM [Salvaje] una reflexión sobre el uso de la máscara en las prácticas rituales que, desde tiempos inmemoriales, marcan colectivamente momentos cruciales en Europa como los equinoccios y los solsticios, integrando personajes como el Hombre Salvaje, el Oso, la Cabra o el Diablo. Somos cada vez más una sociedad de máscaras que se esconden detrás de un mundo virtual. ¿Cuál es el significado actual de máscara? ¿Cómo vivir con la mascarilla sanitaria puede transformar la actividad, el activismo y la identidad de cada uno? Vivimos en un cotidiano lleno de avatares, caricaturas, memes, aplicaciones que permiten transformar rostro y cuerpo y diversos tipos de filtros capaces de difuminar aún más la línea entre rostros y máscaras. A partir de la investigación sobre el significado ancestral de la máscara, SELVAGEM mapeará su valor como posibilidad identitaria, así como la complejidad inherente a la multiplicación e intersección de identidades.

La ciudad de Porto, una bella ciudad barroca, capital del norte de Portugal, con vistas al río Duero y considerada uno de los “Mejores Destinos Turísticos de Europa”, acoge desde hace 42 años uno de los festivales de cine más prestigiosos del mundo. Celebrado anualmente desde 1981, siempre hay diez días de fiesta para celebrar el cine y, donde el mundo del cine y un público fiel se funden en una un programa polifacético, con énfasis en el cine fantástico. No es de extrañar que junto a una película de terror se proyecte un drama intimista, un documental y una película de autor. Hay 6 secciones, cuatro de ellas competitivas y que se “alimentan” de las producciones mundiales más recientes de unos 50 países al año y que traen un total de 100 a 150 películas a Porto, entre cortometrajes y largometrajes, y todas ellas inéditas en Portugal.

“Ballet Concerto 22”, es un ballet con dos momentos bien diferenciados, que representa la consolidación del trabajo artístico en danza, canto y música de grandes compositores como Bach y Händel. La primera parte consiste en una clase concierto, donde los bailarines tendrán la oportunidad de mostrar la secuencia de ejercicios completos de barra de una clase de ballet clásico. Esta clase concierto estará acompañada por la pianista Marta Sousa. Esta parte finaliza con una coreografía de Gran Final con música del “Vals de las Horas” de la Gioconda. En la segunda parte, apostamos por la versatilidad de un bailarín con la presentación de coreografías originales y también extractos del Repertorio Clásico, donde mostraremos las diversas técnicas de Danza: Clásica, Neoclásica y Contemporánea. En este repertorio, presentaremos las siguientes coreografías: “Vals de las Horas, Coppélia”, “Pas de Trois La Bayadère”, “La Hija del Faraón”, “Danza de las Muñecas”, “El Océano y las Perlas”, “Danza de los amigos: La bella durmiente”, “Paquita Variation”, “Fairy Doll”, “Cupido”, “Bach”, “Amanecer”, “Lascia Ch'io Pianga”, “You Will be Found”, “Lovely”, “Fight”, “Unsteady” y “Cuarteto”.