"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

Modus Operandi tomó como punto de partida una lectura atenta de la Colección de Serralves desde sus inicios, con el conjunto de obras adquiridas por la Secretaría de Estado de Cultura incluso antes de la creación de la Fundación Serralves y el Museo, hasta las últimas incorporaciones. Desde el principio, esta Colección tuvo la ambición de incluir formas artísticas de vanguardia, de carácter experimental y de alcance internacional, mirando al mundo desde la especificidad estética y cultural portuguesa de los años posteriores a la Revolución de 1974. También destaca el cruce y la mezcla de disciplinas artísticas como las artes plásticas, música, performance y literatura. Esta exposición reúne una selección de obras que reflejan diversos enfoques experimentales y conceptuales transdisciplinarios que demuestran las actitudes, contextos y preocupaciones de la producción artística desde la década de 1960 hasta la actualidad. El título proviene de la obra homónima del artista estadounidense Joseph Kosuth, perteneciente a la Colección de Arte Contemporáneo del Estado Portugués (Coleção de Arte Contemporânea do Estado-CACE) almacenada en Serralves, que se presenta en la exposición. Modus Operandi apunta a diferentes formas de hacer, de operar, a saber, de hacer y pensar el arte. Es precisamente en este sentido que la presentación, por primera vez, de un portafolio, también del CACE, en el que 30 artistas internacionales rinden homenaje a Joseph Beuys en una demostración de la importancia de su legado en la forma de hacer arte, de su creencia de que el arte puede cambiar el mundo y que todos pueden ser "artistas".

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

La exposición GERMANO ARCHIVO presenta una selección de la vasta colección que Germano Silva donó recientemente al Archivo Histórico Municipal y tiene lugar en un momento en el que el historiador, periodista, bibliófilo y coleccionista celebra su 90 aniversario, marcando el vasto e importante legado que viene construyendo desde hace siete décadas sobre la historia de la ciudad.

“La hora antes de la puesta del sol tiene una magia propia ...” palabras de Rosa Luxemburg a su amigo Hans Diefenbach en una carta enviada desde la prisión de Wronke, en el verano de 1917. A partir de esta correspondencia, la artista colombiana Milena Bonilla nos invita a reflexionar sobre las posibilidades de construir un universo imaginario que navegue por la literatura, la botánica, los referentes históricos ocasionales y las mitologías colectivas. Aquí, “esa hora antes de la puesta del sol” aparece como una concepción de un momento temporal mágico que vincula el pasado con el presente a través de la creación de resonancias afectivas. Para la construcción de esta exposición, la artista explora los límites del archivo como forma de articular la memoria colectiva. El proyecto se infiltra en los espacios simbólicos de intersticio entre el Jardín de Palácio de Cristal, la Biblioteca Municipal Almeida Garrett y la Galeria Municipal do Porto con el fin de relacionar diferentes formas de producción de conocimiento para investigar el concepto de algo que podríamos llamar 'temporalidad histórica suspendida'.

El miedo al fracaso (simultáneo con el deseo de éxito), impulsado por el sistema económico capitalista (que infecta a todos los demás sistemas sociales y culturales), se ha convertido tanto en uno de los mayores impulsos humanos como en el valor del juicio mediante el cual nos evaluamos a nosotros mismos, sirviendo como medida que establece jerarquías sociales. Pero los conceptos de fracaso y éxito nunca están libres de prerrogativas: la idea de éxito está intrínsecamente ligada a varios condicionantes estructurales: color de piel, género, sexualidad, etc., y, sobre todo, cumplir los roles esperados dentro de estas categorías. El fracaso y el aprendizaje del fracaso asumen un rol importante en la producción artística: entre la insatisfacción, el rechazo, la duda, el error y la experiencia, la idea de sucesivamente intentar y fallar se convierte en combustible para la experimentación especulativa y para la creación conceptual. Asumiendo la premisa del fracaso como una herramienta de resistencia contrahegemónica, esta exposición, comisariada por Marta Espiridião, llama a la crítica de los modelos estáticos de éxito y fracaso, y a cuestionar su rol en la construcción de la vida personal y normal.

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

La película “Noche de Estreno” [Noite de Estreia] (1977), de John Cassavetes, llevó el teatro al cine. Al devolverlo al escenario, Martim Pedroso nos da “un espectáculo sobre una película que se trata de un espectáculo”. El corazón de esta mise en abyme late en el viaje solitario y a contracorriente de Myrtle Gordon, la actriz que interpreta a Virginia en la obra dentro de la obra que vemos nacer, “The Second Woman”, Myrtle no se reconoce en las convenciones de masculino y femenino que transmite el texto. Su incomodidad en el papel se precipita, al presenciar la muerte de una admiradora, en una espiral de crisis que lo pone todo en entredicho, sobre todo a la propia obra, que quiere poner de patas arriba. La “Noite de Estreia” de Martim Pedroso, en su juego de espejos entre teatro y cine, manteniéndose cerca de Cassavetes y su “método” de representación, es un elogio a los actores y a la capacidad íntima del teatro para buscar la esperanza, como le pide Myrtle a la dramaturga y a su director, capaz de romper todos los estereotipos. ¿Quién es esta segunda mujer, después de todo, que sube al escenario por asalto en “la noche de todos los estrenos o en el delicioso de todos los fracasos”?

"Todo aquí es falso, y todo debe ser tratado con extrema delicadeza". Escritor y poeta, Jean Genet no se veía a sí mismo como dramaturgo, pero hizo de la virulencia de su escritura dramática un escalpelo de las normas sociales y literarias. La citación arriba condensa la esencia de “O Balcão” [El Balcón] (1955), una obra de teatro que revisó obsesivamente y que convierte el burdel de lujo donde tiene lugar en un arquetipo del mundo y el teatro. Tras el estreno en noviembre de 2020, Nuno Cardoso nos vuelve a traer a esta casa de las ilusiones, un lugar “cercano a la muerte, donde todas las libertades son posibles”. En este espacio celular y vigilado circulan personajes que actúan como figuras de poder. Básicamente, hay una revolución que se enciende y consume. “El verdadero tema de la obra de teatro es la ilusión”, dijo Genet. El equívoco entre lo fingido y lo auténtico, el interior y el exterior (del burdel o de la escena) es permanente, exponiendo la maquinaria de la farsa del poder y su dinámica social. En “O Balcão”, somos voyeurs y figuras en un teatro de marionetas donde ver y ser visto es primordial. En este juego de espejos se interrumpe con poesía y irrisión. Allí, “con seriedad y sonriente”, como quería Genet, nos vemos en el ritual y en los avatares de nuestros deseos.

1. Batería 2. Contraluz 3. Luz frontal 4. Picada 5. Lateral 6. Contorno 7. Recorte 8. Indirecta 9. Efecto persiana 10. El Gobo 11. Luz Estroboscópica La lista de efectos de luz utilizados no es relevante para el espectáculo. De hecho, este suele ser el caso de la luz. Crea el entorno, apoya la experiencia emocional del espectáculo e incluso puede ser un apoyo dramatúrgico, marcando, por ejemplo, el paso del tiempo. Pero, en realidad, si el espectáculo, debido a problemas técnicos, no se puede hacer con luz general, es porque el espectáculo no vale nada. En cuanto a la historia del espectáculo, es solo el interior de la cabeza de un hombre que está en un banco de parque alimentando a las palomas con maíz. Él tira el maíz y las palomas comen, no hay mucho más que decir. Quizá sólo quede mencionar la música. Los músicos hicieron las melodías incluso antes del texto escrito, basándose únicamente en las fotos de Júlio Eme, cada una sobre cada uno de los efectos de luz elegidos por Ricardo Alves. - Palmilha Dentada

Xutos & Pontapés en el Super Bock Arena - Pavilhão Rosa Mota en un concierto que marca 40 años de carrera. La mítica banda de rock portuguesa con un concierto donde no faltarán todos los grandes éxitos de estos 40 años de historia. Demostrando que la música realmente es un lenguaje universal, esta vez Xutos ha desafiado al director de orquesta Osvaldo Ferreira y a la Orquestra Filarmónica Portuguesa a unirse a los 4 músicos. En el escenario, más de 70 músicos e instrumentos clásicos interpretarán las canciones con arreglos del portugués Mário Laginha, el brasileño Joaquim França Ramos, el filipino Saunder Choi y el francés Nicolas Mazmanian, en una experiencia musical única. ¡Los días 13 y 14 de enero no se lo puede perder este gran espectáculo!

Va a salir mal de nuevo ... ¡La función está de vuelta! En 2020, llegó a Portugal para ganar el Globo de Oro en todas las categorías, pero COVID-19 tiró esta oportunidad para más adelante. Es un formato replica show "Ridículamente divertida." (The Times) y "Un triunfo técnico." (Time Out) con comentarios como "Por un momento pensé que iba a hiperventilar." (Daily Mail) o "Nos reímos hasta que las lágrimas escurrieran por nuestros rostros." (Joanna Lumley)