Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Modus Operandi tomó como punto de partida una lectura atenta de la Colección de Serralves desde sus inicios, con el conjunto de obras adquiridas por la Secretaría de Estado de Cultura incluso antes de la creación de la Fundación Serralves y el Museo, hasta las últimas incorporaciones. Desde el principio, esta Colección tuvo la ambición de incluir formas artísticas de vanguardia, de carácter experimental y de alcance internacional, mirando al mundo desde la especificidad estética y cultural portuguesa de los años posteriores a la Revolución de 1974. También destaca el cruce y la mezcla de disciplinas artísticas como las artes plásticas, música, performance y literatura. Esta exposición reúne una selección de obras que reflejan diversos enfoques experimentales y conceptuales transdisciplinarios que demuestran las actitudes, contextos y preocupaciones de la producción artística desde la década de 1960 hasta la actualidad. El título proviene de la obra homónima del artista estadounidense Joseph Kosuth, perteneciente a la Colección de Arte Contemporáneo del Estado Portugués (Coleção de Arte Contemporânea do Estado-CACE) almacenada en Serralves, que se presenta en la exposición. Modus Operandi apunta a diferentes formas de hacer, de operar, a saber, de hacer y pensar el arte. Es precisamente en este sentido que la presentación, por primera vez, de un portafolio, también del CACE, en el que 30 artistas internacionales rinden homenaje a Joseph Beuys en una demostración de la importancia de su legado en la forma de hacer arte, de su creencia de que el arte puede cambiar el mundo y que todos pueden ser "artistas".

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

En 2020, el “Festa do Cinema Francês” (Festival de Cine Francés) ha resistido al Covid-19, a pesar de las restricciones sanitarias, constituyendo una hermosa edición de resiliencia, recibiendo a más de 11.000 espectadores que, repartidos en cinco ciudades diferentes, han disfrutado de 54 películas. Este año, el evento tiene lugar en el Teatro Municipal do Porto, del 17 al 23 de octubre, con una selección especial para el público en general y también con las tradicionales sesiones escolares. El programa volverá a traer lo mejor de la cinematografía francesa producida en el último año. Algunas películas irán acompañadas de debates con pensadores franceses y portugueses, enriqueciendo aún más los lazos culturales entre ambos países. Adiós, idiotas”, de Albert Dupontel, la película que abrirá el festival, le hará vivir momentos de gravedad y ligereza con sus tres cautivadores personajes. A través de “El triunfo” de Emmanuel Courcol podrá participar en una formidable aventura humana gracias a un taller de teatro en una prisión. Sumérjase en Emmanuel Mouret y su película “Las cosas que decimos, Las cosas que hacemos” y las diversas historias sentimentales hábilmente construidas. Con “Gagarine” de Fanny Liatard y Jérémy Trouilh, el público joven seguirá a Youri, de 16 años, que siempre quiso ser astronauta, en su lucha por salvar su ciudad.