Pandemic nos lleva a un estado de grado cero para enfrentar la fragilidad y la finitud del cuerpo, de la enfermedad y la cordura, y de las luchas humanas arraigadas en el mundo y en la naturaleza. Esta exposición es el resultado de una invitación de la Galeria Municipal do Porto al artista Filipe Marques para cuestionar conceptos virales. En su trabajo, el artista parte de la poética apocalíptica para conducirnos, como espectadores, a un aprendizaje de la impotencia de la condición humana y un intento de controlar las contaminaciones invisibles o los equilibrios de fuerzas y resistencias. El trabajo de Filipe Marques, que estudió en Portugal y Alemania, se desarrolla a partir de las teorías de los filósofos y escritores modernos de la Antigüedad clásica, en un intento por comprender la Humanidad y la construcción de un Dios. Utiliza mecanismos anacrónicos con imágenes de personas y lugares, recreando urbanidades en ruinas y museografías saqueadas, y revisitando metáforas sobre fracasos y autodestrucciones de las que, como artista, no quiere escapar.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna El Museu Nacional Soares dos Reis ha inaugurado la exposición Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna, dedicada exclusivamente y por primera vez en Portugal al esmalte artístico. La exposición es una de las piezas «fundadoras» de la colección del Museo, una serie de 26 placas de esmalte pintadas en el siglo XVI, procedentes del Monasterio de Santa Cruz de Coimbra, para reunir y comparar de forma inédita diversas técnicas de esmalte aplicadas en un suntuoso conjunto de objetos litúrgicos, devocionales y de aparato. Las piezas que se expondrán fueron producidas entre los siglos XII y XIX, especialmente en los talleres de la región de Limoges, reconocidos como los más prestigiosos. Hay varias representaciones de esta singular y exigente técnica de ornamentación como el esmalte. La exposición traerá a Porto varios tesoros nacionales, entre ellos el tríptico de la Pasión de Cristo del Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, una de las piezas de esmalte existentes en nuestro país con mayor reconocimiento internacional. La exposición “Azul e Ouro” también incluye otras piezas de gran prestigio como dos cofres de la Catedral de Viseu, piezas del siglo XII codiciadas por el mercado ilícito de antigüedades, robadas en 1980 y encontradas años después en Milán en una acción conjunta de la Policía Judicial e Interpol, o una placa de encuadernación de finales del siglo XII, principios del siglo XIII, encontrada accidentalmente en una excavación entre Leiria y el Monasterio de Batalha. La última sección de la exposición está dedicada a los resurgimientos, réplicas y falsificaciones que se produjeron a gran escala en toda Europa, a lo largo de los siglos XIX y XX, a encantando y engañando a la mirada de los conservadores de museos y coleccionistas privados en Europa y en los Estados Unidos.

El Museu da Cidade inaugura la exposición “Errata – Uma Revisão Feminista à História do Design Gráfico Português”. Comisariada por Isabel Duarte y Olinda Martins, la muestra se puede visitar en el Vestíbulo del Auditorio de la Biblioteca Municipal Almeida Garrett. Esta exposición busca revisar el papel de la mujer en la historia del diseño. Un proyecto de investigación en desarrollo que pretende dar respuesta a este “olvido” a través de publicaciones, podcasts y presentaciones públicas. La exposición presentará el trabajo de las diseñadoras del siglo XX que están ausentes en la historia del diseño portugués y, al hacerlo, lanzará una mirada crítica sobre los mecanismos aún presentes que consienten y propagan estas omisiones. A partir de la recopilación, documentación y presentación del trabajo de las diseñadoras gráficas, la exposición mostrará mujeres que quedaron al margen de la historia del diseño. Una “errata” para corregir una omisión presente en la historia del Diseño.

"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

Caixa para guardar o vazio es una escultura performativa con una perspectiva pedagógica, creada en 2005 por invitación del Teatro Viriato. Esta caja es materia, es forma y también es un acontecimiento. Es un lugar para explorar con el cuerpo, en un proceso de descubrimiento individual o colectivo. Se presenta como una “caja de madera cerrada” que es activada por los cuerpos de dos bailarines, quienes la revelan en diálogo con grupos de niños a través del movimiento y la voz. El espacio se abre, se pliega, se despliega y se expande, creando un clima de comunicación y descubrimiento que culmina con la revelación del interior de la escultura, un momento en que nos damos cuenta de que nuestro cuerpo también es un lugar.

“Desdesenho” de Tomás Cunha Ferreira. Comisariado por el Centro de Programación del Museu da Cidade Tomás Cunha Ferreira (Lisboa, 1973) combina varios formatos, en una práctica de circuito abierto y transfronteriza - cada obra se asume como un prototipo que puede adoptar diferentes formas, funcionando como posible partitura, notación, poema visual, emblema, patrón, pintura, entre otros. En esa medida, cada obra da como resultado una figura híbrida condensada, cuya lectura está en constante transición entre elementos visuales y elementos rítmicos o sonoros. El Sábado, 13 de noviembre a las 16:30, Casa Guerra Junqueiro presenta “Desdesenhos Animados” performance-concierto con Tomás Cunha Ferreira.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

En 1888, Alfred Jarry estrenó su “Rey Ubu”, representado por las Marionetas del Teatro das Phynanças. Más de cien años después, el dramaturgo británico Simon Stephens imaginó una secuela, “O Julgamento de Ubu” [El Juicio de Ubu] (2010), una obra ahora representada por el “Teatro de Marionetas do Porto” y dirigida por Nuno M. Cardoso. En la primera parte, es a través del arte de la marioneta que se nos devuelve el nonsense escatológico de la saga Ubuesca de Jarry, para luego, a través de la figuración humana, sentar a Ubu en el banquillo de los acusados ​​de un Tribunal Penal Internacional e instigar un examen de conciencia colectivo. sobre el poder y sus trâmites. “Este juicio. Este lenguaje. Es importante para ustedes, ¿no?”, Nos lanza Ubu. En el juego de manipulación y escala de títeres y figuras humanas, se dibuja una salvaje sátira sobre el duelo entre justicia legal y justicia moral, que nos pone cara a cara con la intransigencia de Ubu, símbolo de los dictadores contemporáneos. "¿Sabes lo que pasa por mi cabeza cuando te escucho hablar de justicia?"

La Gran Exposición de Serralves em Luz es una oportunidad única para obtener fotografías hermosas y singulares del Parque de Serralves. La luz, o la ausencia de ella, son poderosas herramientas de creación que permiten mostrar una versión de la realidad de una manera encantadora y misteriosa. Tomar una fotografía de paisaje de noche puede ser un reto, pero aprendiendo las técnicas adecuadas, es posible obtener un resultado interesante y sorprendente. Los participantes deben estar equipados con una cámara digital, que permita el control manual de la exposición, el enfoque, la sensibilidad y la temperatura del color, y un trípode. No es obligatorio, pero se recomienda utilizar un disparador de cable o un obturador remoto y las baterías cargadas. El uso de mascarilla es obligatorio. Profesor: Filipe Braga Punto de encuentro: recepción del museo Aforo: 15 adultos. Número mínimo de participantes para la realización del taller: 8

La Gran Exposición Serralves em Luz invita a contemplar el patrimonio natural, paisajístico y arquitectónico existente en el Parque de Serralves a través de la experiencia de un concepto creativo basado en un ambicioso juego de la luz. Participe en una programación específica de visitas guiadas en torno a la dinámica de la luz y el color que dan como resultado una narrativa impactante a través de diferentes atmósferas y fuentes de luz que potencian nuevas perspectivas sobre el Parque, en una simbiosis única vivida in loco. Utilizando diversas fuentes de luz, como LED, halógenas, hmi, láser o video, se crean nuevas experiencias visuales y sensoriales que transportan al visitante en diferentes percepciones entre lo real y lo imaginario, construyendo diálogos estáticos o en movimiento, con 24 instalaciones a lo largo de un recorrido de 3km que atraviesa todo el Parque. La introducción de color, sonido y efectos visuales innovadores permite al público vivir el Parque de una manera diferente al habitual. Las instalaciones luminosas transforman el espacio en ambientes inmersivos que nos transportan a las diferentes estaciones del año, que permiten la conexión con diversos elementos naturales del Parque, como el agua y la vegetación, y experimentar, de una forma original, manifestaciones luminosas de la naturaleza como el sol, la luna, los reflejos, el arco iris y otros efectos atmosféricos. El uso de mascarilla es obligatorio.