La obra A “História do Soldado” (La historia del soldado) es el resultado de la colaboración del compositor Igor Stravinsky con el escritor suizo CF Ramuz durante el período de la Primera Guerra Mundial, en 1918. La historia es contada por tres actores, un grupo de bailarines y una banda de siete músicos. Musicalmente, “A História do Soldado” ocupa un lugar importante en la producción de Stravinsky y en la historia de la música del siglo XX en general. Un soldado que regresa a su tierra con una licencia de quince días, se detiene a descansar y toca su violín. Es interrumpido por el Diablo, disfrazado de anciano, que lo convence de que le dé el violín a cambio de un libro mágico que predice el futuro. El diablo invita al soldado a ir a su casa durante tres días para enseñarle a tocar. Cuando el soldado finalmente llega a su pueblo, encuentra a su novia casada con otro y todos los que lo ven, incluso su madre, piensan que es un fantasma. Se da cuenta de que lo habían engañado - “no fueron tres días, fueron tres años” - y se desespera. Ni siquiera la inmensa fortuna que había amasado pudo animarlo. Cuando el diablo, esta vez disfrazado de anciana, le ofrece de nuevo su violín, no consigue sacar ningún sonido del instrumento. Abatido, lo tira, rompe el libro y decide marcharse. Hasta que llega a otro país, donde vive un Rey, que tiene una hija atrapada en una extraña melancolía. El rey había decretado que cualquier hombre que pudiera curarla podía tomar su mano en matrimonio. El soldado decide probar suerte y se dirige audazmente al palacio. Allí encuentra un competidor: el Diablo, disfrazado de violinista virtuoso. Pero consigue ganarle en una partida de cartas y deliberadamente pierde toda su fortuna ganada deshonestamente. Luego descubre que puede volver a tocar el violín y, mejor aún, el sonido de su música reanima a la Princesa. El Diablo, ahora sin estar disfrazado, intenta intervenir, pero se ve obligado a bailar al son del violín hasta que colapsa exhausto. El Soldado y la Princesa están alegremente unidos, pero el Diablo jura venganza.
La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.
Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.
El Museu da Cidade inaugura la exposición “Errata – Uma Revisão Feminista à História do Design Gráfico Português”. Comisariada por Isabel Duarte y Olinda Martins, la muestra se puede visitar en el Vestíbulo del Auditorio de la Biblioteca Municipal Almeida Garrett. Esta exposición busca revisar el papel de la mujer en la historia del diseño. Un proyecto de investigación en desarrollo que pretende dar respuesta a este “olvido” a través de publicaciones, podcasts y presentaciones públicas. La exposición presentará el trabajo de las diseñadoras del siglo XX que están ausentes en la historia del diseño portugués y, al hacerlo, lanzará una mirada crítica sobre los mecanismos aún presentes que consienten y propagan estas omisiones. A partir de la recopilación, documentación y presentación del trabajo de las diseñadoras gráficas, la exposición mostrará mujeres que quedaron al margen de la historia del diseño. Una “errata” para corregir una omisión presente en la historia del Diseño.
Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.
La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.