Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

Algunas personas pueden asociar al barro, la alfarería y la cerámica con la tradición y la tradición con el pasado. Algunos podrán asociar la tecnología, la comunicación digital y las bases de datos con lo nuevo y lo nuevo con el futuro. ¿Y si el futuro es una tecnología tan antigua y peculiar como el barro? ¿Y si, entonces, el barro es un material que se autorrenueva permanentemente y da al tiempo sus configuraciones impredecibles? ¿Y si el barro es el futuro y el futuro es el barro? ¿Y si los pies de barro solo revelan vulnerabilidad porque el resto del cuerpo está hecho de un material diferente? ¿Y si los pies de barro realmente arraigan a las personas en la tierra, conectándolas a través del mismo material? ¿Y si los pies de barro son una forma de establecer una comunicación postecnológica, que no requiere redes ni cables? ¿Sólo nuestros muchos, uno, dos, ocho, veinte pies y alguno barro? Estas son algunas de las preguntas y enigmas que las comisarias Chus Martínez (comisaria, historiadora del arte, escritora y directora del Art Institute de la FHNW Academy of Art and Design Basel) y Filipa Ramos (escritora, comisaria de la sección de cine Art Basel y una de las comisarias de la última edición del Fórum do Futuro) han puesto en relieve al reunir a un grupo de artistas que utilizan el barro, la alfarería y la cerámica para imaginar, proyectar y dar forma al mundo en que viven.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.

Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.

Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna El Museu Nacional Soares dos Reis ha inaugurado la exposición Azul e Ouro – Esmaltes em Portugal da Época Medieval à Época Moderna, dedicada exclusivamente y por primera vez en Portugal al esmalte artístico. La exposición es una de las piezas «fundadoras» de la colección del Museo, una serie de 26 placas de esmalte pintadas en el siglo XVI, procedentes del Monasterio de Santa Cruz de Coimbra, para reunir y comparar de forma inédita diversas técnicas de esmalte aplicadas en un suntuoso conjunto de objetos litúrgicos, devocionales y de aparato. Las piezas que se expondrán fueron producidas entre los siglos XII y XIX, especialmente en los talleres de la región de Limoges, reconocidos como los más prestigiosos. Hay varias representaciones de esta singular y exigente técnica de ornamentación como el esmalte. La exposición traerá a Porto varios tesoros nacionales, entre ellos el tríptico de la Pasión de Cristo del Museu Nacional Frei Manuel do Cenáculo, una de las piezas de esmalte existentes en nuestro país con mayor reconocimiento internacional. La exposición “Azul e Ouro” también incluye otras piezas de gran prestigio como dos cofres de la Catedral de Viseu, piezas del siglo XII codiciadas por el mercado ilícito de antigüedades, robadas en 1980 y encontradas años después en Milán en una acción conjunta de la Policía Judicial e Interpol, o una placa de encuadernación de finales del siglo XII, principios del siglo XIII, encontrada accidentalmente en una excavación entre Leiria y el Monasterio de Batalha. La última sección de la exposición está dedicada a los resurgimientos, réplicas y falsificaciones que se produjeron a gran escala en toda Europa, a lo largo de los siglos XIX y XX, a encantando y engañando a la mirada de los conservadores de museos y coleccionistas privados en Europa y en los Estados Unidos.

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

“Il Divino Michelangelo & Il Genio Da Vinci” es un viaje abstracto inspirado en la creación artística de dos grandes artistas del Renacimiento: Da Vinci (Leonardo di Ser Piero da Vinci, 1452-1519) y Michelangelo (Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, 1475-1564). El viaje comienza con el legado del artista Miguel Ángel, conocido como el Divino. Abordamos su obra desde su génesis hasta sus influencias en los distintos aspectos artísticos: pintura, escultura y arquitectura. Como si Dios lo hubiera nombrado para hacerlo realidad, Miguel Ángel da forma a varias obras icónicas. En el espectáculo, revisitamos la mano del fresco de La creación de Adán (fresco, 1511), las esculturas de David (1501) el guerrero que se enfrentó a Goliat y de Baco (1596). También hay referencias a la mitología romana y referencias bíblicas como la obra Pietà (escultura, 1498) y al conjunto de pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina (1508-1512) donde se puede observar “El Diluvio” y “El Juicio Final". El viaje termina en el punto de partida: en La creación de Adán. Sigue la siguiente etapa del viaje, donde contemplamos la mente del genio inquieto Leonardo Da Vinci, en un espectáculo visual a través de sus escritos, investigaciones, inventos y estudios, hasta sus principales obras, como el Hombre de Vitruvio (1490), las pinturas de La Última Cena (1495-98) y la Mona Lisa (1503-06).

Impressive Monet es una reinterpretación de las obras de arte de uno de los impulsores del impresionismo que muestra lo que está más allá del marco, a través de un viaje por el mundo del artista y su búsqueda incesante por la captura de la luz. El público estará inmerso en el movimiento impresionista del artista y rodeado por las líneas y colores que forman parte del mundo de Monet. Brilliant Klimt traza el recorrido por los aspectos biográficos y el legado artístico del artista austriaco a través de su pintura icónica: el beso. este será el hilo conductor del viaje por el trayecto artístico mientras explora las influencias del mundo de Klimt. El público se sumergirá en la intimidad de Klimt y se cautivará con el arte romántico del artista.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

Carr ha concebido un concepto curatorial que pone especial énfasis en la participación de las personas en el trabajo de Gander y será la primera y exclusiva aclaración de este aspecto en la extensa carrera en solitario del artista. Este enfoque reúne un contexto adicional en el presente, en un momento en el que las relaciones humanas en todo el mundo se están abordando, revaluando y cuestionando y potencialmente renovando. Gander ha adquirido fama internacional por su prolífica producción que se mueve incesantemente entre una multitud de formas de arte, incluyendo escultura, pintura, dibujo, instalación, performance y diseño gráfico. El enfoque ilimitado de la práctica de Gander se refleja en el carácter temático abierto, estratificado y, a menudo, fracturado de su obra, que plantea cuestiones de lenguaje y conocimiento, así como el proprio acto de hacer arte. Muchas de las obras del artista están impregnadas de narrativas que parecen desmentir la apariencia visual de sus obras. Él coloca pistas que invitan a los espectadores a desenredar, descifrar y, en última instancia, a formar sus propias conexiones con lo que se puede ver y lo que se elude, incitando a que se produzca nuestra cognición, percepción y comprensión. Al mapear el carácter colaborativo y comunicativo del trabajo realizado por Gander a lo largo de los años, Other People Place extrae las relaciones humanistas y coloca cuestiones fundamentales en primer plano relativas a nuestra experiencia vivida. La exposición incluye obras que tienen a las personas como tema, moviéndose entre formas de representación claras y abstractas. La exposición presenta artistas y artesanos, así como la familia del artista y cuando el propio artista está representado es a través de la lente de otra persona. En una serie de trabajos inéditos, las formas de comunicación y lenguaje están presentes, lo que sugiere formas de interacción recién descubiertas, pero basadas en las formas de protesta sociales actuales. La red de relaciones que existe entre las personas tanto dentro como entre las obras presentadas en la exposición, incluido usted, el espectador, también entabla otra conversación cuando se dirigen a la galería en sí, señalando su ubicación e historia. Muchas obras son el resultado de conversaciones con los artesanos y fabricantes y su ayuda. Ocupando un edificio histórico en Porto, la galería fue un antiguo lugar de trabajo para los canteros que antiguamente trabajaban en el edificio y continúan operando en otra parte de la ciudad.