Hasta el próximo 31 de agosto de 2021, los visitantes de la Torre y el Museo de los Clérigos se sorprenderán con una exposición de fotografía con el tema “Só, Neste Porto Só!”, de Clara Ramalhão y con las contribuciones de Paulo Ferreira (director de la película Lockdown Porto), retratando el confinamiento vivido de marzo a mayo de 2020. “Con esta exposición, la Hermandad de los Clérigos pretende mostrar a sus visitantes nacionales e internacionales cómo ha sido vivir un Porto vacío, sin su gente y sin sus visitantes, pero también para mostrar un mensaje de luz y esperanza”, dice el padre Manuel Fernando, presidente de la Hermandad de los Clérigos.
Esta muestra en el Palácio da Bolsa presenta dos obras icónicas de principios de la década de 1970 que amplían la investigación del artista sobre los signos lingüísticos más allá del campo de la pintura. Caixa Branca (1971) propone crear, a partir de la casualidad y con la participación del público, un nuevo lenguaje. La obra contiene un rudimentario sistema de lámparas e interruptores a través de los cuales se pueden encender o apagar las letras del alfabeto según la invención lúdica de nuevas palabras y sintaxis. La obra “A” grande (1970) es el único vestigio conservado y restaurado por Vieira de su primera representación, titulada O Espírito da Letra. En este “acción- espectáculo” presentó una serie de cartas de gran formato que posteriormente fueron destruidas por el artista y un grupo de niños. Rompiendo con los límites de la pintura bidimensional, las letras de Vieira ganaron sustancia y establecieron una confrontación física con los espectadores y con los agentes de la destrucción performativa, dejando implícita una crítica al lenguaje como soporte del discurso. Estas obras históricas se presentan en el Palácio da Bolsa en el marco del programa nacional de itinerancias de la Colección de Serralves, que tiene como objetivo hacer que la colección de la Fundación sea accesible a públicos diversos de todas las regiones del país.
Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.
Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.
“Si me preguntasen cuáles fueron los cinco días más hermosos de mi vida, el día que visité las esculturas de Giacometti sería sin duda uno de los tres primeros”. Así describió Peter Lindbergh el día en que fue invitado a fotografiar el patrimonio de Alberto Giacometti en la Fundación del artista en París. El resultado dio lugar a una exposición conjunta, de las esculturas de Giacometti y de las fotografías de Lindbergh. Es esta exposición la que ahora llega al MMIPO – Museu e Igreja da Misericórdia do Porto. Hasta ahora, esta exposición conjunta solo se ha exhibido en el Instituto Giacometti en París. Es un diálogo íntimo entre la obra de Alberto Giacometti (1901 - 1966), uno de los escultores más aclamados del XX siglo y la fotografía de Peter Lindbergh, que revela una notoria similitud en la forma en que representan la realidad. Esta iniciativa es también un homenaje al legendario fotógrafo de moda que falleció prematuramente en septiembre de 2019 y que participó plenamente en el proceso de llevar la exposición a Porto. La exposición tiene más de 110 obras, entre esculturas de bronce y dibujos de Alberto Giacometti, así como fotografías de Peter Lindbergh. En una sala exclusiva, se exhibirán algunos de los retratos más emblemáticos del fotógrafo de moda, incluidos los que presentan a Naomi Campbell, Uma Thurman y Julianne Moore.
Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".
Esta exposición, presentada en el entrepiso de la Biblioteca de Serralves, reúne obras de Jorge Molder (Lisboa, 1947) seleccionadas a partir de un conjunto más amplio del acervo de Serralves. Son presentadas fotografías del “T. V.” (1995), “La Reine vous salue” (2001), “Tangram” (2004/08), “Call for Papers” (2013) y también “Zizi” (2013). El trabajo de Molder es conocido principalmente por sus fotografías en blanco y negro, en las que el artista se fotografía a sí mismo (solo el rostro, cuerpo entero y las manos) vistiendo habitualmente un traje oscuro y camisa blanca, idea que se contradice con las dos series más recientes. Las referencias de la literatura, el cine, la música o la historia del arte, así como el cotidiano, la vida y su carácter incierto e impredecible, son fundamentales en su obra, en la medida en que pueden constituir el punto desde el que derivar y construir algo. En este sentido, y debido a que la exposición se desarrolla en la Biblioteca, la exposición se complementa con un conjunto de referencias bibliográficas importantes para el artista disponibles para su consulta y con la presentación de algunos de sus libros y catálogos de exposiciones.
Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.
Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.
La Livraria Lello inauguró un proyecto "inédito" con la revista Time, que destaca a los autores premiados por la academia sueca que fueron portada de la revista norteamericana. La instalación de arte " Livraria Lello X Time: What Makes a Nobel?", por el director creativo de Time, D.W. Pine, destaca a los autores que recibieron el Nobel, pero también a otros que "merecieron honores de portada" en Time por "su valor ‘nobelizable’ de su literatura". La instalación está compuesta por 12 paneles, que presentan las portadas de la revista Time, desde Rudyard Kipling, uno de los primeros Nobel de Literatura, hasta Toni Morrison, galardonada por la Academia Sueca en 1993, además de otros autores que se destacaron en la portada, como Virginia Woolf y William Shakespeare.
Ai Weiwei (Beijing, 1957) es un ciudadano global, artista, pensador y activista que utiliza diversos modos de análisis y producción en su trabajo, dependiendo de la dirección y los resultados de la investigación que lo ocupa en ese momento. De posiciones iconoclastas a la autoridad y la historia - que incluyó el tríptico Dropping a Han Dynasty Urn, 1995, y una serie de fotografías titulada Study of Perspective, (1995 - 2011), en las que muestra el dedo medio a los símbolos de poder - su producción se ha diversificado para incluir arquitectura, arte público y performance. Además de las consideraciones de forma y protesta, Ai Weiwei mide actualmente nuestra existencia de acuerdo con la relación con las fuerzas económicas, políticas, naturales y sociales, uniendo la destreza de oficio y la creatividad conceptual. Los símbolos universales de la humanidad y la comunidad, como las bicicletas, las flores o los árboles, así como los problemas eternos de las fronteras y los conflictos se reformulan y potencian a través de instalaciones, esculturas, películas y fotografías, sin dejar de hablar públicamente sobre temas que cree que son importantes. Es una de las figuras culturales más destacadas de su generación y un ejemplo de libertad de expresión, tanto en China como a nivel internacional. Las obras expuestas, Iron Roots (2019) y Pequi Tree (2018-2020), forman parte de un cuerpo de trabajo que refleja el interés y la preocupación de Ai Weiwei por el medio ambiente y, más específicamente, por la deforestación de la Mata Atlántica brasileña. La exposición de Serralves fue concebida específicamente para el Parque y para la sala central del Museo.