A Galeria Municipal do Porto inaugura a exposição "Depois do Estouro", que tem curadoria de Tomás Abreu e resulta do projeto concursal "Expo'98 no Porto". "Depois do Estouro" foi selecionada por um júri independente da equipa artística da Galeria Municipal do Porto, composto por Daniela Marinho, investigadora de pós-doutoramento no Departamento de Artes e Estudos Culturais da Universidade de Copenhaga, Miguel Ferrão, que dirige com Eduardo Guerra o projeto artístico Musa paradisiaca, e Nuno Faria, diretor artístico do Museu da Cidade. Esta exposição parte dos efeitos que os desenvolvimentos socioeconómicos e tecnológicos do final do século passado tiveram na cultura contemporânea e "propõe uma reflexão sobre paradoxos das suas consequências, paralelamente desafiando noções de manipulação do tempo". Reúne um conjunto de obras, produzidas no final da última década por 13 jovens artistas que cresceram em Portugal na década de 90, as quais "incidem sobre questões da humanidade, do espaço físico e do tempo": Alice dos Reis, Francisco M. Gomes, Henrique Pavão, Hugo de Almeida Pinho, Igor Jesus, Jorge Jácome, Lúcia Prancha, Mariana Rocha, Mariana Vilanova, Pedro Huet, Rodrigo Gomes, Sara Graça e Tomás Abreu.

A exposição assinala os 30 anos da Fundação e os 20 anos do Museu de Serralves, apresentando a programação do Serviço de Artes Performativas entre 1999 e a atualidade. Nasceu e desenvolveu-se através de compromissos entre objetivos aparentemente inconciliáveis: por um lado, a necessidade de apresentar dados concretos (nomes, datas, imagens) que mostrassem onde, como e quando se apresentaram determinados artistas, e refletissem o caráter pioneiro da importância conferida às artes performativas por parte de Serralves; por outro lado, traduz aquilo que parece distinguir imediatamente estas artes: a implicação do espectador, o espírito eminentemente colaborativo, o "aqui e agora”, por oposição ao "isto foi”. Os compromissos passaram por expor documentação e permitir aos seus visitantes saber quem se apresentou em Serralves (e quando, como e onde), ao mesmo tempo que se apresentam elementos que convocavam o tal "aqui e agora”. A documentação foi incorporada através de um processo de colaboração: uma vez selecionadas pelos programadores Cristina Grande e Pedro Rocha as imagens e palavras que melhor ilustrassem os últimos vinte anos da sua programação (entre fotografias de cena e materiais gráficos que anunciavam e acompanhavam as atividades), foi pedido a um designer gráfico, Luís Teixeira, que concebesse um livro que nunca seria publicado, cujas páginas seriam exclusivamente apresentadas nas paredes da Biblioteca de Serralves, juntamente com filmagens de espetáculos e adereços a que os referidos programadores reconheceram especial importância. Ao mesmo tempo, decidiu-se ocupar uma área considerável do mezanino da biblioteca com um objeto que convocasse imediatamente a ideia de teatro e que conseguisse "ativar” o espectador: um pequeno palco à espera de ser ocupado. O visitante pode e deve sentar-se para ler (textos sobre a programação, livros incontornáveis para se entenderem atualmente as artes performativas) e, muito importante, para ouvir testemunhos e memórias de espetáculos escritos por cúmplices especialmente atentos à programação de artes performativas de Serralves — entre artistas, músicos, escritores e atuais ou antigos diretores e programadores de teatros e festivais de música e de performance — e depois lidos por dois atores. Estes testemunhos vieram conciliar o inconciliável: as memórias de determinados espetáculos, ou de concertos e performances — obrigatoriamente subjetivas, incompletas, fragmentárias — constituem o necessário contraponto aos dados, datas, cronologias, documentação. É em grande medida graças a eles que esta exposição não é apenas sobre "o que foi”; também é agora, e também é aqui.

O Planetário do Porto - Centro de Ciência Viva está a facultar expedições virtuais ao mar dos Açores, no âmbito do projeto de comunicação de ciência iSEA, liderado pela Faculdade de Ciências da Universidade do Porto (FCUP). Aberta aos maiores de 18 anos, esta experiência de realidade virtual é de acesso gratuito, mediante inscrição prévia, e visa possibilitar a exploração dos ecossistemas durante uma "missão" de cerca de uma hora. O acesso do público à "viagem", resulta do projeto iSEA, e tem como objetivo a criação de um conjunto de conteúdos e mensagens sobre ecossistemas do fundo do mar para comunicação científica e o desenvolvimento de um método não-intrusivo, válido e replicável em locais como centros de ciência e museus. O estudo exploratório tem ênfase nas temáticas abordadas pelo Centro de Investigação Internacional do Atlântico (AIR Centre – The Atlantic International Research Centre), nos Açores, em particular na sustentabilidade dos ecossistemas do mar profundo.

Após a sua criação na temporada passada, o TNSJ quer consolidar os passos dados na formação de um Clube de Teatro, com o intuito de fazer dele um espaço de acolhimento, permanência e progressão de jovens menores de 18 anos atraídos por esta arte. Sob a orientação de Nuno Cardoso, Nuno M Cardoso e Emílio Gomes, as improvisações a que os jovens vão ser desafiados são o ponto de partida para um trabalho em torno da peça Sonho de Uma Noite de Verão, de Shakespeare.

Virgile e Blanche cruzaram olhares por breves instantes, na pista de dança de uma festa. Não se apresentaram, não se conhecem, não trocam uma só palavra, mas, a partir desse momento, Virgile enamora-se perdidamente por Blanche. Tímido, consegue o seu endereço de e-mail e escreve-lhe uma mensagem. Mas ela não só não se recorda dele, como ama outra pessoa, Eustache. Na senda de A Princesa de Clèves, de Madame de La Fayette, a relação amorosa que progressivamente se desenvolve entre os dois correspondentes vai adquirindo uma profundidade pouco conforme aos modos de vida contemporâneos, mas o amor triunfará e levará a melhor sobre a renúncia. Esta média-metragem retrata um triângulo amoroso na era da comunicação eletrónica e marca a estreia de Eugène Green no suporte digital. O filme resulta, aliás, do convite do festival de Jeonju, na Coreia do Sul, no âmbito da longa-metragem coletiva Memories (Jeonju Digital Project 2007), projeto que, nesse ano, teve igualmente a participação de Pedro Costa e Harun Farocki. Julie de Hauranne, uma jovem atriz francesa que fala a língua da sua mãe, o português, mas que nunca esteve em Lisboa, chega pela primeira vez a esta cidade, onde vai rodar um filme baseado nas Lettres portugaises de Gabriel de Guilleragues. Deambulando pela cidade nos intervalos da rodagem, deixa-se fascinar por uma freira que reza, todas as noites, na capela da Nossa Senhora do Monte, no alto da Graça. No decurso da sua estadia, a jovem trava uma série de breves conhecimentos mais mundanos que, à imagem da sua existência anterior, lhe parecem fugazes e inconsequentes. São personagens um pouco perdidas, dilaceradas pela efemeridade do amor, múltiplo e fragmentário. Mas uma noite Julie conversa com a freira que, em estado de graça, lhe fala de um amor uno e incorruptível que dará, finalmente, sentido à sua vida e ao seu destino.

Com uma linguagem clínica precisa, composta por detalhes misteriosos e eróticos, “Virgens Suicidas”, de John Romão, com dramaturgia de Mickael Oliveira, é uma criação que se inspira no texto homónimo de Jeffrey Eugenides e no texto “Mine-Haha, or On the Bodily Education of Young Girls” de Frank Wedekind. Interpretado por Luísa Cruz, Vera Mantero, Mariana Tengner Barros e ginastas adolescentes. As intérpretes estão recolhidas num espaço confinado ao feminino, onde se observa uma vida rotineira e rígida: dedicam-se à educação física, ao teatro, à dança, num aparente ambiente idílico. Há algo de inquietante entre as paredes deste lugar: para além das raparigas sofrerem de isolamento absoluto, afastadas do resto do mundo, a sua submissão a uma disciplina física severa abre em cada uma delas um estado de exceção a desejos violentos de aniquilação. “Virgens Suicidas” ataca a natureza repressiva da educação, é um chamamento distópico às armas, marcado pela inauguração e o fim do corpo adulto.

Depois do lançamento do novo álbum “Cause and Effect”, os britânicos Keane confirmam as datas e cidades da digressão europeia de apresentação deste novo trabalho, que arranca no início de 2020. Tendo como ponto de partida Bruxelas, a tournée chega a Portugal dia 25 de janeiro, com um concerto no Coliseu do Porto Ageas. “Cause and Effect” é o sucessor de “Strangeland”, editado em 2012, que inclui os singles "Disconnected" e "Silenced by the Night". A edição deste novo álbum foi uma surpresa até para a banda. Tom Chaplin já conta com dois álbuns a solo de sucesso, no entanto, sentiu falta do seu parceiro de treino, Tim Rice-Oxley. “Dei por mim a questionar-me como é que eu tinha deixado esta importante relação a flutuar”, explica Tom. Ao mesmo tempo, Tim encontrava-se a passar pelas suas próprias lutas. Nessa mesma altura, apercebeu-se que tinha escrito um álbum com temas incrivelmente pessoais, alimentados pelo humor e pela dor. Quando Tom, o baixista Jesse Quin e o baterista Richard Hughes ouviram as músicas, ficaram imediatamente rendidos sonora e liricamente. A partir daí, a banda voltou ao estúdio para fazer o que realmente gostava, dando vida a essas músicas e criando novamente uma ligação. Como Tim Rice-Oxley salienta, "temos muita música boa em nós". “Cause and Effect” é exatamente isso.

Os PAUS anunciam a apresentação do recém-editado YESS ao vivo, pela primeira vez em terras lusas, depois de regressarem da digressão brasileira em Dezembro. O positivo concerto, apoiados pela Antena 3, está agendado para 25 de Janeiro, no Hard Club. Sem nada a provar e tudo a experimentar, os PAUS até agora sempre foram uma banda de dizer “porque não?”. 10 anos, 4 discos, 3 EP’s e múltiplas digressões por vários continentes, deixam o quarteto de Lisboa num sítio positivamente novo, num momento no qual, para cada novo desafio e oportunidade, a resposta parece ter evoluído para “YESS”. Depois de uma visita inspiradora a S. Paulo e várias experiências colaborativas, “YESS” é positivamente um disco de PAUS, a banda que muda por natureza e que ao fim de 10 anos continua sem medo de arriscar, de se rir de si própria e de mudar. Antecipado pelo single homónimo que os mostra ligados ao pulso de Lisboa com uma finesse desavergonhada, juntando ao sabor da cidade um peso rock que só soa a PAUS. O disco conta com a colaboração nos arranjos para sintetizadores modulares do brasileiro Grass Mass. Este trabalho de texturas electrónicas ajudou a expandir o imaginário do que pode ser um disco de PAUS – das pistas de dança de Lisboa aos escuros clubes de punk rock, das rodas de batuque das ruas de São Paulo às raves de Berlim.