Local de encontro de vários colecionadores, esta feira tem como objeto a venda e troca de moedas, postais, selos e outros objetos colecionáveis afins. Realiza-se debaixo das arcadas dos prédios que rodeiam a praça.

A Galeria Municipal do Porto inaugura a exposição "9kg de Oxigénio". A exposição resulta do desafio lançado pela Galeria Municipal do Porto ao projeto "Uma Certa Falta de Coerência" para desenvolver um exercício que refletisse sobre a relação entre a prática curatorial independente, autogerida por artistas, e um contexto expositivo institucional. Nesse sentido, "Uma Certa Falta de Coerência", que desenvolve o seu trabalho de forma independente desde 2008, vai apresentar esta exposição em que "testará políticas de produção e formas de entendimento próprias, tomando como ponto de partida o exercício de sobrevivência em condições adversas e sujeitas a opressão institucional". "Uma Certa Falta de Coerência" irá transferir a atmosfera do espaço diminuto que ocupa na Rua dos Caldeireiros, onde se questiona frequentemente a respirabilidade do ar, e apresentará obras de artistas que, ao longo dos últimos anos, tem colaborado com o projeto: Babi Badalov, Daniel Barroca, António Bolota, Camilo Castelo Branco, Merlin Carpenter, Rolando Castellón, June Crespo, Luisa Cunha, Stephan Dillemuth, Loretta Fahrenholz, Pedro G. Romero, Dan Graham, Alisa Heil, Mike Kelley, Ruchama Noorda, Silvestre Pestana, Josephine Pryde e Xoan Torres.

A Galeria Municipal do Porto inaugura a exposição "Depois do Estouro", que tem curadoria de Tomás Abreu e resulta do projeto concursal "Expo'98 no Porto". "Depois do Estouro" foi selecionada por um júri independente da equipa artística da Galeria Municipal do Porto, composto por Daniela Marinho, investigadora de pós-doutoramento no Departamento de Artes e Estudos Culturais da Universidade de Copenhaga, Miguel Ferrão, que dirige com Eduardo Guerra o projeto artístico Musa paradisiaca, e Nuno Faria, diretor artístico do Museu da Cidade. Esta exposição parte dos efeitos que os desenvolvimentos socioeconómicos e tecnológicos do final do século passado tiveram na cultura contemporânea e "propõe uma reflexão sobre paradoxos das suas consequências, paralelamente desafiando noções de manipulação do tempo". Reúne um conjunto de obras, produzidas no final da última década por 13 jovens artistas que cresceram em Portugal na década de 90, as quais "incidem sobre questões da humanidade, do espaço físico e do tempo": Alice dos Reis, Francisco M. Gomes, Henrique Pavão, Hugo de Almeida Pinho, Igor Jesus, Jorge Jácome, Lúcia Prancha, Mariana Rocha, Mariana Vilanova, Pedro Huet, Rodrigo Gomes, Sara Graça e Tomás Abreu.

A exposição assinala os 30 anos da Fundação e os 20 anos do Museu de Serralves, apresentando a programação do Serviço de Artes Performativas entre 1999 e a atualidade. Nasceu e desenvolveu-se através de compromissos entre objetivos aparentemente inconciliáveis: por um lado, a necessidade de apresentar dados concretos (nomes, datas, imagens) que mostrassem onde, como e quando se apresentaram determinados artistas, e refletissem o caráter pioneiro da importância conferida às artes performativas por parte de Serralves; por outro lado, traduz aquilo que parece distinguir imediatamente estas artes: a implicação do espectador, o espírito eminentemente colaborativo, o "aqui e agora”, por oposição ao "isto foi”. Os compromissos passaram por expor documentação e permitir aos seus visitantes saber quem se apresentou em Serralves (e quando, como e onde), ao mesmo tempo que se apresentam elementos que convocavam o tal "aqui e agora”. A documentação foi incorporada através de um processo de colaboração: uma vez selecionadas pelos programadores Cristina Grande e Pedro Rocha as imagens e palavras que melhor ilustrassem os últimos vinte anos da sua programação (entre fotografias de cena e materiais gráficos que anunciavam e acompanhavam as atividades), foi pedido a um designer gráfico, Luís Teixeira, que concebesse um livro que nunca seria publicado, cujas páginas seriam exclusivamente apresentadas nas paredes da Biblioteca de Serralves, juntamente com filmagens de espetáculos e adereços a que os referidos programadores reconheceram especial importância. Ao mesmo tempo, decidiu-se ocupar uma área considerável do mezanino da biblioteca com um objeto que convocasse imediatamente a ideia de teatro e que conseguisse "ativar” o espectador: um pequeno palco à espera de ser ocupado. O visitante pode e deve sentar-se para ler (textos sobre a programação, livros incontornáveis para se entenderem atualmente as artes performativas) e, muito importante, para ouvir testemunhos e memórias de espetáculos escritos por cúmplices especialmente atentos à programação de artes performativas de Serralves — entre artistas, músicos, escritores e atuais ou antigos diretores e programadores de teatros e festivais de música e de performance — e depois lidos por dois atores. Estes testemunhos vieram conciliar o inconciliável: as memórias de determinados espetáculos, ou de concertos e performances — obrigatoriamente subjetivas, incompletas, fragmentárias — constituem o necessário contraponto aos dados, datas, cronologias, documentação. É em grande medida graças a eles que esta exposição não é apenas sobre "o que foi”; também é agora, e também é aqui.

A arte de Catarina Machado apresentada em “Sentir o Oceano” (exposição temporária – Sala Multiusos) desperta emoções e inspira a participação nesta oficina. A construção de uma caixa de luz e o uso dos sentidos levam o pensamento a mergulhar no mar da imaginação, desafiando a capacidade criativa de crianças e adultos e promovendo a partilha de sensações, sempre com muita brincadeira à mistura.

Uma casa que é muito pequena e, dentro dela, um homem que é muito grande. Uma outra casa também muito pequena e, dentro dela, uma mulher também muito grande. Vivem próximos um do outro, emprestam açúcar um ao outro, ou chá, um aspirador, um ovo, as velhas fotografias de família, um pedaço de parede. Parecem perfeitos um para o outro. Mas viver com outra pessoa não é tão simples como parece.

“Little B”, a nova criação do Visões Úteis, é um espetáculo concebido, escrito e dirigido por Ana Vitorino, Carlos Costa, Mário Moutinho e Sara Barros Leitão, assumindo e ampliando a dinâmica colaborativa que é marca da identidade da companhia. Inspirado pela biografia profissional de Mário Moutinho – Artista Associado do Visões Úteis em 2018/2019 –, o espetáculo recusa, no entanto, uma perspetiva arquivista ou documentarista: não interessa tanto a vida do Mário, mas a pluralidade de vidas que uma vida pode conter; não tanto a sua vida vivida, mas a sua vida por viver; não tanto aquilo que (d)ele se recorda mas os atalhos, imprecisões e armadilhas da memória que se tornam evidentes quando se tenta arquivar uma vida. Sobretudo, mais do que aquilo que o Mário fez, interessa o que sonhou e falhou fazer - porque é aí que todos nos encontramos: o protagonista de Dumas/Sartre (“Keane”) que nunca fez, o Próspero, rodeado de marionetas, que nunca interpretou, o solo de bateria (“Little B”, The Shadows) que nunca tocou.

Crisálida é o processo de crescimento, definição de cores e diferenciação sexual das borboletas. Dentro do casulo, durante este processo, decorrem explosões de cores e é o único tempo onde nada ou pouco se mexem. Luta, resistência e persistência são palavras chave deste espetáculo. Prende-se com a dialética deste trabalho a desmistificação das categorias de género, alicerçadas nas questões existencialistas de Nietzsche, Sartre e Goffman. O ser enquanto indivíduo, o ser social e a criação de novos conceitos que fomentem a descontinuidade da natureza humana são questões que interessam ao criador desenvolver nesta peça. Por analogia, trazer à cena uma estese polissémica onde a técnica circense, o vídeo e algumas experiências plásticas são utilizadas, de forma a suscitarem outros significados e novas sensações em renovados enigmas.

Conheci a Shantala Shivalingappa em 2008, nos bastidores de um teatro em Dusseldorf, onde era convidada da Pina Bausch. Foi aí que tudo se alinhou de forma realmente poderosa. aSH é o opus final na trilogia de retratos de mulheres iniciada dez anos antes com Questcequetudeviens? (2008) e que continuou com Plexus (2012). Nessa trilogia, não tomo como ponto de partida o espaço, que é o meu tema habitual no teatro, mas uma mulher, uma pessoa com uma história, um ser vivo que se revela através da dança. Xiva, o deus da dança, habita a Shantala Shivalingappa. De acordo com a literatura, Xiva tem mais de mil nomes. É um deus de criação e destruição. A cinza [ash] não é apenas o resíduo sólido da combustão perfeita, é aqui um processo. Faz parte de um ciclo de nascimento e morte que começa do nada – o início de qualquer forma no teatro – e tende para uma forma efémera antes de desaparecer. A dança de Shantala assemelha-se a um kolam, um desenho feito no chão com farinha de manhã, destruído pelo vento durante o dia e refeito no dia seguinte. Círculos, pontos, simetrias, espirais, fractais… a dança dela parece ser uma representação da própria estrutura do mundo. Em aSH, título formado com as iniciais do primeiro e último nomes dela, gostaria que o espaço tivesse todo um ritmo. Gostaria que o espaço começasse por se exprimir como uma vibração, a qual é depois apanhada, transformada e prolongada indefinidamente pelo percussionista Loïc Schild. A dança de Shantala baseia-se na sua viagem da Índia para a Europa, do kuchipudi a Pina Bausch, de Xiva a Dionísio, deus do teatro, que alguns dizem descender do mesmo deus. Shantala está sempre a viajar entre Madrasta, onde nasceu, e Paris, onde vive. A sua dança é um pêndulo perpétuo, muito à semelhança do nosso encontro: algures entre a mística hindu e a física quântica. – Aurélien Bory

O regresso a um dos países mais fascinantes da história da música leva-nos em viagem através de várias épocas, da Idade Média à atualidade. Além dos agrupamentos residentes da Casa da Música, sobem ao palco convidados especiais de grande relevo internacional, como o pianista Pierre-Laurent Aimard, os maestros Sofi Jeannin e Hervé Niquet e o tenor Cyrille Dubois, além do Coro Nacional de Espanha. Nos programas constam obras marcantes como o Te Deum de Berlioz e Les Oiseaux Exotiques de Messiaen, entre muitas outras de figuras como Debussy, Ravel, Charpentier e Boulez. Não perca o início da residência do compositor Philippe Manoury com as primeiras três de várias obras que serão apresentadas ao longo do ano em estreia nacional. O Serviço Educativo apresenta um novo espetáculo inspirado no escritor francês Júlio Verne que promete divertir toda a família. Esteja também atento à programação especial que será oportunamente anunciada para este programa de abertura do Ano França, e que se estende por vários géneros musicais.

A Orquestra Barroca e o Coro Casa da Música apresentam-se ao lado de um dos maiores especialistas no Barroco francês, o maestro Hervé Niquet, fundador do prestigiado agrupamento de música antiga Le Concert Spirituel. Naquela que é a sua estreia na Casa da Música, dirige um programa inteiramente dedicado a um dos maiores mestres da música francesa, Marc-Antoine Charpentier, célebre especialmente pela sua extensa produção vocal. Composta na última década de vida de Charpentier, Missa Assumpta est Maria é considerada uma das suas obras-primas, escrita para vozes solistas, coro e acompanhamento instrumental. Não podia faltar o célebre Te Deum que inclui um ensemble instrumental alargado para a época e cujo prelúdio inicial foi usado como tema de abertura da União Europeia da Radiodifusão e do Festival Eurovisão.