La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

¿Qué tienen en común Lena D'Água, Ana Deus, Anabela Duarte, Manuela Azevedo o Xana? Todas ellas tienen un lugar reservado en la historia del rock portugués y forman parte del grupo de 15 mujeres cuyas carreras musicales serán celebradas en la exposición y en una serie de eventos paralelos que tendrán lugar durante los próximos 6 meses. Inaugurado simbólicamente el 8 de marzo, Día Internacional de la Mujer, en la Casa Comum (Rectorado) de la Universidad de Porto, y con entrada gratuita. Estará en exhibición hasta el 30 de septiembre de 2022. Organizada por Casa Comum y el Instituto de Sociología de la Universidad de Porto, esta exposición inédita nació con el objetivo de homenajear a “mujeres relevantes del rock portugués” desde el periodo posterior al 25 de abril hasta la actualidad. Para ello propone contar sus historias a través de discos, casetes, ropa, utilería, garabatos de letras, pentagramas, baquetas, instrumentos musicales, entre otros objetos que han marcado sus respectivas carreras.

Leonilson fue uno de los grandes exponentes de un movimiento de arte brasileño llamado Geração 80 (Generación del 80). Tras el fin de la dictadura militar a mediados de la década de 1980, este grupo de artistas celebró su recién adquirida libertad con un estilo de pintura gestual, colorido y expresivo. Mientras que en la misma década el arte pop estadounidense se apropiaba de los símbolos de una sociedad industrial, las obras de la Geração 80 criticaban abiertamente a la sociedad. Nacido en 1957, Leonilson estudió arte en São Paulo entre 1978 y 1981. Además de Eva Hesse y Blinky Palermo, dos artistas que conoció personalmente durante sus viajes por Europa, su principal influencia artística fue la transvanguardia italiana. Surgido a finales de la década de 1970, este movimiento estuvo marcado por la vuelta a la figuración, la mitología antigua y un intenso uso del color. Igualmente, las pinturas y dibujos de Leonilson de este período muestran un subjetivismo ecléctico y un lenguaje visual emblemático. Una exhibición de textiles de la secta cristiana estadounidense Shakers marca un momento clave en los inicios de la carrera del artista: los mapas bordados de los Shakers lo influenciaron mucho y lo inspiraron a adoptar los textiles como medio artístico. En 1991, tras ser diagnosticado con SIDA, su lenguaje visual cambia significativamente: entre 1991 y 1993 su obra parece un diario, revelando el deterioro de su salud y mostrando su preocupación por la muerte. En la fase final de su vida, Leonilson ya sólo podía trabajar con tela, aguja e hilo. En este período, el lenguaje y la abstracción juegan un papel predominante en su obra, al igual que los elementos religiosos, formales y visuales. El Museo de Arte Contemporáneo de Serralves se enorgullece de poder presentar la primera gran retrospectiva de la obra del artista brasileño Leonilson en Portugal. La exposición reúne una selección de más de 250 obras en un amplio espectro de medios y estilos, desde las primeras pinturas hasta los bordados introspectivos de los últimos años del artista, ofreciendo una visión general de toda su obra.

Tarek Atoui, artista y compositor electroacústico, trabaja en composiciones a gran escala que son el resultado de la investigación antropológica, etnológica, musicológica y técnica. Sus exposiciones cruzan instalación, performance y enseñanza en procesos que se alejan de la noción convencional de performance —tanto desde el punto de vista del performer como del público — y que sugieren formas visuales, auditivas, táctiles y somáticas de experimentar el sonido. Esta primera exposición en Portugal forma parte del proyecto I/E, en marcha desde 2015, en el que Atoui registra los sonidos de las ciudades portuarias, Atenas, Abu Dabi, Singapur, Beirut o Porto, grabando las actividades industriales, humanas y ecológicas de sus puertos. Trabajando en colaboración con Eric La Casa, un artista y especialista en grabación de sonido, escuchan los sonidos debajo de la superficie del mar o dentro de materiales como el metal, la piedra y la madera. En Waters' Witness, se reproducen grabaciones de audio de los puertos marítimos de Atenas, Abu Dabi y Porto utilizando materiales elegidos para cada lugar: bloques de mármol de Atenas, vigas de acero de Abu Dabi y estructuras de madera que albergan compost, gusanos y materia orgánica. producidas específicamente para la presentación en Serralves. Trabajar con materia orgánica en descomposición lleva a Waters' Witness en una dirección hasta ahora inédita: una ecología acústica que recibe y perpetúa sonidos residuales a través de los límites audibles de un mundo en constante cambio. Este paisaje sonoro único se extiende desde la sala central del Museo hasta el Parque en forma de constelaciones sonoras, plataformas y sistemas sonoros, activados durante el período de permanencia de la exposición en performances programadas, talleres colaborativos y educativos.

“Ajax et plures” presenta un conjunto de obras de João Paulo Feliciano de las décadas de 1990 y 2000 pertenecientes a la Colección de Serralves y una obra inédita concebida para el campus de la Universidade Católica Portuguesa do Porto. Las obras presentadas son representativas de diferentes momentos de la carrera del artista, revelando continuidades y rupturas que han marcado su práctica artística en los últimos treinta años. Si las obras de la década de 1990 gravitan en torno al mundo de la música rock y la realidad urbana, las obras de 2004 y 2021 demuestran un interés por explorar fenómenos de percepción y permiten distinguir una inflexión en la relación (de fascinación/rechazo) con la tecnología. Hay un constante cuestionamiento de los medios materiales y lingüísticos que utiliza el artista como forma de repensar nuestra relación con el mundo, cuestionando supuestos de los géneros artísticos tradicionales a la luz de distintos aspectos de la cultura popular. Su actitud irónica y provocadora, su deseo de involucrar al espectador en el significado de la obra y, sobre todo, su insaciable apetito por la experimentación, son transversales a la diversa obra de João Paulo Feliciano. Las obras se presentan en diferentes espacios del campus de UCP – Porto, en el Edifício das Artes y el Edifício de Restauro.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

“Frida Kahlo, A Vida de um Ícone” es la nueva experiencia inmersiva e interactiva de Immersivus Gallery, una invitación a conocer en detalle a una de las artistas más influyentes de todos los tiempos. Del 10 de marzo al 30 de junio, en Alfândega do Porto, podrá descubrir la biografía de la artista mexicana a través de colecciones de fotografías históricas, películas originales, instalaciones artísticas y música, que reproducirán los momentos más relevantes de su vida.

El papel de la mujer, que durante siglos se limitó al hogar o la reclusión monástica, adquiere un nuevo protagonismo a finales del siglo XIX y principios del XX cuando se cuestionan muchos paradigmas, como la emancipación de la mujer y su participación en distintos ámbitos y actividades de la vida social. Los cambios políticos y sociales que siguieron a la Segunda Guerra Mundial permitieron transformaciones profundas, entre ellas el abandono del estereotipo de la mujer como un ser débil, pasivo y dependiente. Desde finales de los años 70 del siglo XX, el arte de las mujeres, y de las mujeres fotógrafas en particular, es interpretado y valorado no solo como una expresión de singularidad sino como una herramienta para deconstruir la “mirada masculina”. Para mostrar esta evolución, destacamos las preocupaciones sociales de Doris Ulmann que retrató a los trabajadores afroamericanos en las plantaciones del sur de Estados Unidos o de Edith Tudor Hart que, como discípula de la Bahaus, pretendía devolver al arte una misión social. Con la Segunda Guerra Mundial, Margaret Bourke-White aparece como la primera mujer corresponsal de guerra, mientras que Sabine Weiss Weber, en la década de 1950, era considerada la Gran Dama de la fotografía humanista. En 1960, Vieira da Silva es retratada por la rusa Ida Kar, que nunca logró integrarse en el ambiente fotográfico, que se hizo cada vez más comercial en los años 60. A finales de siglo, el abanico fotográfico femenino se amplía: en los años 90, tenemos el registro fotográfico de Cristina García Rodero sobre los gitanos católicos, al mismo tiempo que emerge la teatralidad de las imágenes de la fotógrafa-poeta - Flor Garduño. En Portugal, Helena Almeida, una de las artistas visuales más destacadas de la segunda mitad del siglo XX, creó una obra que traspasa fronteras disciplinarias y cuestiona las relaciones entre el cuerpo, la obra y el espacio. Esta exposición pretende, por tanto, homenajear a las mujeres fotógrafas representadas en la Colección Nacional de Fotografía (Coleção Nacional de Fotografia - Portugal), cuyas prácticas individuales contribuyeron a la excelencia de la narrativa fotográfica y rompieron con los conceptos preconcebidos de una profesión dominada por hombres.

En esta exposición colectiva se muestran pintura, escultura, cerámica, libros de artista y piezas de autor. Se pueden apreciar obras de diferentes tamaños, con expresiones plásticas diversificadas, en varios medios y en diferentes idiomas, con y sin títulos. Hay piezas de autor únicas para regalar en días especiales. Cualquier persona que quiera adquirir y llevarse una obra puede hacerlo el día de la visita. Los artistas podrán exhibir nuevas obras.

“Mírame y mírate a ti mismo”. Gil Vicente debe ser, todavía y siempre, habitable para todos los que hemos vivido más de quinientos años. El maestro Gil es un “texto vivo” que ofrece la posibilidad de mirarnos a nosotros y soñar. Cargado de visiones, vicentinas y otras, el director de escena João Pedro Vaz nos invita a caminar por el “Floresta de Enganos” [Bosque de los Engaños], representado en el “año del Señor 1536”. En esta, que es la última comedia de Vicente, entra pronto un Filósofo con un Bufón atado al pie, la pareja más enigmática de toda su obra. El Filósofo anticipa las figuras que serán engañadas por el amor: un mercader, un hombre con indumentaria de viuda, una jovencita, Cupido, Apolo, el Rey Telébano, la Princesa Grata Célia, el doctor Justiça Maior, y hasta un pastor, encadenado por el amor ni él sabe a quién. Finalmente, llega una Ventura “pelegrina” y resuelve este amor-en-abîme. “Todo transcurre en el bosque, que siempre ha sido el mayor espacio para el idilio y el engaño, para la transformación por amor, es decir, al teatro. Como en el sueño de una noche de verano (Vicentina)”, advierte el director de escena. “Mírame y mírate a ti mismo”, escribió, en un epitafio para sí mismo, al que llamaban “el más Ángel y el más Diablo de todos los poetas portugueses”.

El escritor y dramaturgo Peter Weiss escribió una de las obras seminales de la literatura alemana, “La estética de la resistencia” (1975-81). Rui Pina Coelho se basa libremente para construir el texto de la obra homónima que propone el Teatro Experimental do Porto dirigida por Gonçalo Amorim. Weiss describe el viaje de tres jóvenes trabajadores comunistas alemanes desde 1937 hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial. Sus meditaciones sobre pintura, escultura y literatura son una forma de disidencia con el régimen nazi y una búsqueda de afinidades entre la resistencia política y el arte. Todo comienza con una ausencia: ante el friso de Pérgamo en el museo de Berlín, notan la falta de la figura del dios Heracles e imaginan un sustituto humano, heraldo de los oprimidos y explotados, a quien Rui Pina Coelho da voz: “Me he acostumbrado a pensar que la creación artística sin verdad tiene poca razón de existir”. El espectáculo lanza esta búsqueda de sentido al presente, erigiendo una letanía sobre arte y política, verdad y camaradería.

Marco Martins propone en SELVAGEM [Salvaje] una reflexión sobre el uso de la máscara en las prácticas rituales que, desde tiempos inmemoriales, marcan colectivamente momentos cruciales en Europa como los equinoccios y los solsticios, integrando personajes como el Hombre Salvaje, el Oso, la Cabra o el Diablo. Somos cada vez más una sociedad de máscaras que se esconden detrás de un mundo virtual. ¿Cuál es el significado actual de máscara? ¿Cómo vivir con la mascarilla sanitaria puede transformar la actividad, el activismo y la identidad de cada uno? Vivimos en un cotidiano lleno de avatares, caricaturas, memes, aplicaciones que permiten transformar rostro y cuerpo y diversos tipos de filtros capaces de difuminar aún más la línea entre rostros y máscaras. A partir de la investigación sobre el significado ancestral de la máscara, SELVAGEM mapeará su valor como posibilidad identitaria, así como la complejidad inherente a la multiplicación e intersección de identidades.

La ciudad de Porto, una bella ciudad barroca, capital del norte de Portugal, con vistas al río Duero y considerada uno de los “Mejores Destinos Turísticos de Europa”, acoge desde hace 42 años uno de los festivales de cine más prestigiosos del mundo. Celebrado anualmente desde 1981, siempre hay diez días de fiesta para celebrar el cine y, donde el mundo del cine y un público fiel se funden en una un programa polifacético, con énfasis en el cine fantástico. No es de extrañar que junto a una película de terror se proyecte un drama intimista, un documental y una película de autor. Hay 6 secciones, cuatro de ellas competitivas y que se “alimentan” de las producciones mundiales más recientes de unos 50 países al año y que traen un total de 100 a 150 películas a Porto, entre cortometrajes y largometrajes, y todas ellas inéditas en Portugal.

“Ballet Concerto 22”, es un ballet con dos momentos bien diferenciados, que representa la consolidación del trabajo artístico en danza, canto y música de grandes compositores como Bach y Händel. La primera parte consiste en una clase concierto, donde los bailarines tendrán la oportunidad de mostrar la secuencia de ejercicios completos de barra de una clase de ballet clásico. Esta clase concierto estará acompañada por la pianista Marta Sousa. Esta parte finaliza con una coreografía de Gran Final con música del “Vals de las Horas” de la Gioconda. En la segunda parte, apostamos por la versatilidad de un bailarín con la presentación de coreografías originales y también extractos del Repertorio Clásico, donde mostraremos las diversas técnicas de Danza: Clásica, Neoclásica y Contemporánea. En este repertorio, presentaremos las siguientes coreografías: “Vals de las Horas, Coppélia”, “Pas de Trois La Bayadère”, “La Hija del Faraón”, “Danza de las Muñecas”, “El Océano y las Perlas”, “Danza de los amigos: La bella durmiente”, “Paquita Variation”, “Fairy Doll”, “Cupido”, “Bach”, “Amanecer”, “Lascia Ch'io Pianga”, “You Will be Found”, “Lovely”, “Fight”, “Unsteady” y “Cuarteto”.

Una de las ferias más emblemáticas de la ciudad, se destina exclusivamente a la venta de objetos usados, en particular, ropa, vajilla, muebles y artículos decorativos, discos, libros, aparatos eléctricos y / o electrónicos, utensilios para el hogar y herramientas de trabajo. Ubicación: Avenida 25 de abril

Quien visitar la Praça de Carlos Alberto se encuentra uno de los primeros mercados callejeros a surgir en la ciudad con variada oferta: discos de vinilo, ilustraciones, cuadernos y libros, cosméticos naturales, joyas, miel y pasta fresca, té y hierbas, cerámica, juguetes de madera o artículos de decoración.  El mercado, de acceso libre, siempre tiene música ambiental y un pequeño espacio de confort para que los visitantes se relajen.  Como el evento tiene lugar al aire libre, está siempre dependiente de condiciones climáticas favorables. 

La União das Freguesias de Aldoar Foz do Douro e Nevogilde, comprometida a animar los espacios públicos y dar visibilidad al trabajo de los artesanos locales y a algunos productos gastronómicos regionales, dice el Mercado do Molhe. El Mercado es dirigido por un grupo de artesanos en su mayoría locales que tienen como objetivo dar a conocer su actividad: artesanías en sus más diversas formas, joyas, ropa, complementos de moda, productos gastronómicos regionales y gastronomía (solo uno de los puestos venderá helados artesanales).

As Canções da Maria, un proyecto infantil creado por Maria de Vasconcelos con el objetivo de mostrar a los niños que aprender puede ser divertido, se estrenará en el Coliseu Porto. Durante el espectáculo, Maria, Mathias, Mathilde y Manon mostrarán varias canciones, poemas, canciones infantiles y muchas curiosidades, mientras abordan temáticas escolares tan interesantes como la Historia de Portugal o los conceptos de las matemáticas. Este proyecto nació de la mano de Maria de Vasconcelos, después de darse cuenta de que sus dos hijas Mathilde y Manon reaccionaron de manera muy positiva a las materias escolares a través de la interacción con la música. La asociación fue inmediata, Maria siempre fue vista con su guitarra en su espalda, hacer canciones era natural para ella, pero fue cuando vio a sus hijas entraren en la escuela que comenzó a componer canciones sobre las asignaturas para que pudieran jugar al mismo tiempo que aprendían más fácilmente. De esta manera, Maria entendió que había encontrado una forma didáctica de mostrar a los niños, padres, abuelos, educadores y maestros, que todo es más fácil cantando. As Canções da Maria, que tienen tres CD + DVD + Libro con ilustraciones de Nuno Markl, ahora llegan al gran escenario del Coliseu, con un espectáculo absolutamente brillante diseñado para conquistar a los más jóvenes y los adultos. Nadie se quedará indiferente.

Las clases tienen lugar todos los lunes y jueves, entre las 17:30 y las 19:30 horas, y todos los sábados y domingos, entre las 10 y las 12 horas, en el Skate Park de Ramalde. Cada clase junta a dos maestros y un máximo de 20 alumnos simultáneamente, y cada participante preferiblemente debe traer su propio equipo (tabla y equipo de protección). La empresa municipal Ágora suministra la tabla y el casco a quienes los necesiten, y se evita compartir el equipo entre los estudiantes. La inscripción en las clases es obligatoria todas las semanas, y los interesados deben enviar un correo electrónico a desporto@agoraporto.pt, con su nombre, edad (deben tener más de seis años y menores de 60) y el día en que quieren la clase de skateboarding. Cada usuario puede registrarse un máximo de dos clases por semana.

La tetralogía “El Anillo del Nibelungo” encarnó el pensamiento musical revolucionario de Richard Wagner. En ella, el compositor y libretista desarrolló un particular modelo de espectáculo, profundamente individual. Al narrar una historia inspirada en la mitología nórdica, la orquesta acompaña intensamente a los héroes y villanos, traduciendo y complementando la narración a través de un enfoque sonoro especial. Este concierto es un recorrido por momentos de esta gran obra del repertorio del siglo XIX, capturando la variedad y el espíritu pionero de Richard Wagner. El imaginario romántico se condensó en uno de los mayores proyectos de un artista innovador. La música, la poesía, la escenografía, el vestuario y la arquitectura de los teatros de ópera no volvieron a ser los mismos.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

Mejor que una historia, son siempre dos historias contadas y cantadas por Indy en las sesiones escénicas, llenas de elementos mágicos, conocimientos y momentos de socialización de “Música com Dragõezinhos, o Espetáculo”. La Semana Santa está muy cerca y con ella siempre llega el momento de celebrar en familia, pero ¡el reciclaje también es para todos en la vida cotidiana!

Este espectáculo, en el que Rodrigo Leão se presenta como Rodrigo Leão cinema project, reúne repertorio de los tres álbumes editados en 2020 y 2021 (“O Método”, “Avis 2020” y “A Estranha Beleza da Vida”), así como una selección de temas clásicos del compositor. Es, por tanto, bastante ecléctico, con una amplia gama de estilos musicales que van desde el neoclásico hasta el vals. En el escenario, Rodrigo Leão (sintetizador y piano y coros) está acompañado por su banda habitual: Ângela Silva (voz, sintetizador y metalófono), Viviena Tupikova (voz, violín y piano), Carlos Tony Gomes (violonchelo) y João Eleutério (guitarra, bajo, sintetizador, percusión, armonio indio y coros). En muchos conciertos, un coro juvenil local se une a la banda, interpretando, entre otras, las partes corales grabadas en el álbum “O Método”. También son dignas de mención las imágenes proyectadas en vídeo en el escenario por Gonçalo Santos, que incluyen dibujos de Rodrigo Leão.

De vuelta a la Sala Suggia, la maestría del pianista Grigory Sokolov nos trae una visión casi ascética de la música, en un recital donde predomina el romanticismo. Las quince variaciones que abren el recital son una verdadera obra maestra, con una gran variedad de recursos pianísticos, sobre una de las formas favoritas de Beethoven, el tema y las variaciones, en las que pudo dar rienda suelta a la enorme facilidad improvisadora que le caracterizaba. En la base hay una melodía del propio compositor que luego formaría parte de su Tercera Sinfonía, “Eroica”. El espíritu libre de la sensibilidad está suelto en “Kreisleriana” de Robert Schumann. Inspirada en la literatura de E. T. A. Hoffmann, presenta la estética del compositor en una obra imprescindible que capta magistralmente la expresividad del momento. Entremedias, el famoso conjunto de tres Intermezzi op. 117 de Brahms, perfecta manifestación de la subjetividad del creador romántico bajo la inspiración de los textos poéticos. Él mismo las llamó “tres canciones de cuna para mis penas”.

RUA DAS PRETAS LLEGA AL COLISEU PORTO AGEAS. Rua Das Pretas - un colectivo de habla portuguesa creado y dirigido por Pierre Aderne, aterriza en Coliseu Porto Ageas, en enero, en formato Circus. Llevando junto a los artistas parte del público al escenario "pista" para formar parte del espectáculo y brindar con una copa de vino en la mano. En una noche con al algunas participaciones amorosas especiales, sorpresas, música cantada y contada, un escenario deslumbrante y vino para celebrar.

“So Far So Fading”, el nuevo álbum de :PAPERCUTZ, es el resultado de un encuentro entre Bruno Miguel (productor y compositor) y Bruno Ferreira (orquestador). El estreno tiene lugar en la Casa da Música y revela uno de los proyectos más ambiciosos de Bruno Miguel, concebido entre Porto, con las palabras de Daniel Jonas (Gran Premio de Literatura), y Reikiavik, con el toque de Francesco Fabris (ingeniero responsable de las bandas sonoras de películas y series ganadoras de premios Oscar y Globos de Oro). El concierto se enriquece con la proyección de imágenes del director Vasco Mendes, autor de documentales, ficciones y videoclips que ha introducido su lenguaje visual multicolor en varios proyectos musicales nacionales.

METAMORFOSES se centra en la profusión y el proceso de integración del imaginario y los temas vegetales, minerales y animales en el espacio doméstico romántico, trayendo a las salas de la Casa de la Quinta da Macieirinha un gran número de piezas, algunas expuestas anteriormente en el antiguo Museo Romántico y en otros espacios del Museu da Cidade, otros nunca antes expuestas, mostrando la indudable calidad y diversidad de las colecciones municipales. Esta exposición también marca el inicio de la evocación del centenario de la muerte de la artista de Porto, Aurélia de Souza, momento central de la programación 2022/23. El célebre autorretrato del artista como “Santo António” (San Antonio), realizado alrededor de 1902, formará parte del nuevo conjunto que reúne pinturas, muebles, tapices y textiles, cerámicas, vajillas y vajillas de plata, además de otras sorprendentes piezas de la colección como conjuntos de abanicos, papeles recortados y malacología.

Suzana, es una de las voces indiscutibles de la música portuguesa. Su versatilidad e implicación, dan a las canciones que interpreta, una característica de irresistibilidad que deja a todos cautivados. 20 años después, una carrera construida paso a paso. Tras 11 discos editados, numerosos premios y galardones, innumerables participaciones en Álbumes recopilatorios y varias colaboraciones con artistas como Filipa Lemos (Santamaria), Tony Carreira y Leandro. Un recorrido de dos décadas que estuvo presente en las comunidades portuguesas repartidas por todo el mundo, habiendo pisado también uno de los mayores escenarios nacionales. Debido al panorama actual, el curso de este espectáculo ha cambiado un poco. La conmemoración de estos 20 años de carrera también tuvo que cambiar dada la implicación que Suzana también demuestra en las causas más nobles. Así, y en un intento por ayudar a los que más lo necesitan, la recaudación total del espectáculo se destinará a los niños de Ucrania, a través de UNICEF Portugal. ¡Será una noche en la que se compartirá el escenario, donde debemos ser todos para uno!

Con la tradición del Día de Ramos inspirando a niños y adultos, daremos rienda suelta a la imaginación y la creatividad en este taller educativo y divertido. Cada participante creará su propio ramo para ofrecer a los padrinos en esta época de Semana Santa. Dibujo, pintura, recorte, collage y algunas técnicas muy especiales y mágicas forman parte de la actividad, ¡perfecta para compartir alegría y cariño en familia!

Prohibida de la liturgia por el Concilio de Trento y readmitida solo en 1727, la secuencia “Stabat Mater Dolorosa” comienza desde la perspectiva de María, una madre que observa con impotencia cómo su hijo sufre las últimas horas de su vida. A pesar de la prohibición, la profundidad y la fuerza del texto atrajeron a varias generaciones de compositores. Acompañada por Anna Dennis y Owen Willets, voces ampliamente elogiadas en el universo de la música antigua, la Orquestra Barroca trae las visiones del francés Marc-Antoine Charpentier y del italiano Alessandro Scarlatti sobre el conmovedor y dramático texto, en lo que será uno de los momentos más emotivos de la temporada. El concierto toma como punto de partida la música de Zelenka, compositor bohemio influenciado precisamente por los estilos francés e italiano.

La Alfândega do Porto se convertirá en una auténtica máquina del tiempo en la que podrá retroceder unos cuantos miles de años. La ‘Dinosauria Experience’, se remonta al final del período Cretácico, algo así como 66 millones de años, y dará a los visitantes la oportunidad de caminar entre los dinosaurios. La 'Dinossauria Experience' es una exhibición de dinosaurios animatrónicos, es decir, dispositivos robóticos que simulan el aspecto y comportamiento de dinosaurios extintos. Desde el rugido hasta su aspecto, el objetivo es recrear una verdadera aventura jurásica. Los visitantes podrán ver réplicas de especies de dinosaurios como Tyrannosaurus (T-Rex); Triceratops; Stegosaurus; Ankylosaurus; Pachycephalosaurus; Iguanodon; Protoceratops; Ornithomimus; Brontosaurus; Baryonyx; Deinonychus; Dilophosaurus; Diplodocus; Saltasaurus; Velociraptor; Maiasaura; Spinosaurus; Corythosaurus; Ceratosaurus y Pterosauria. La exposición también cuenta con paneles informativos, con detalles científicos sobre las eras geológicas, teorías sobre la extinción de los dinosaurios y datos sobre la recuperación de fósiles. Los más pequeños aún pueden tener la experiencia de ser paleontólogos por unas horas.

¿Será el fado-destino la materia espiritual para dictar el encuentro de estas tres personalidades creativas únicas? ¿Es este arte, nacido espontáneamente en los barrios obreros de Lisboa, el condimento esencial de nuestro paso por la vida? Expresión de libertad e intervención, el fado encuentra en el teatro un aliado fraterno que le ayuda a definirse de dos maneras complementarias: el fado cantado y el fado hablado. La fusión entre de todos los colores de Hélder Moutinho y las emociones llenas de palabras, pronunciadas con delicadeza por Maria João Luís, catalizan la poesía única de João Monge y abren las puertas de regreso a un enfoque puro y ancestral: el fado de la verdad. Y es de aquí que parte el vuelo deslizante de este espectáculo, basado en las antípodas de todas las intelectualidades, porque es el momento de suprimir la cultura desechable, de dejar espacio a la sublimación, al hechizo encantador de una intuición poética trascendente. “A Voz e a Alma” une el fado con el teatro, en la forma de difusión de la poesía y la literatura portuguesas, donde, además de la escenografía, la iluminación y los efectos sonoros, se suma la representación, y abre una ventana para crear otra forma de hacer teatro o hacer fado, ya que ambos están unidos por la forma de expresión en relación con la interpretación de la poesía. Una colaboración con HM Música y Teatro da Terra, imperdible, el 14 de abril.

El Viernes Santo se celebra la Messa da Requiem de Giuseppe Verdi, una magnífica obra dedicada a la muerte, donde se pintan el miedo, la absolución, la paz y la incertidumbre, en un mundo tan humano como divino. Bajo la dirección del director José Manuel Pinheiro, esta producción nacional reúne en el escenario al Ensemble Vocal Pro Musica, el Coro Sinfónico Inês de Castro y la Orquestra do Atlântico. Estrenado en mayo de 1874 en Milán, este Réquiem nació de la superación de un intento fallido de cooperación entre los 12 compositores italianos para honrar al compositor Gioachino Rossini, fallecido en 1868. Verdi había cumplido su parte en esta asociación, componiendo el tempo “Libera me”, pero el proyecto idealizado no daría sus frutos. Sin embargo, el deseo de Verdi de componer la obra sacra no cesó: con la muerte del influyente poeta italiano Alessandro Manzoni, en 1873, Verdi encontró el pretexto para su composición integral e individual, teniendo como punto de partida la ya compuesta “Libera me”.

¡La mejor música de Andrew Lloyd Webber como nunca antes se había visto! Vive una experiencia única a la luz de las velas en un concierto único y exclusivo que combina la delicadeza de la música clásica con el romance y el misterio. A cargo de una Orquesta y en el imponente Porto Palácio Hotel & Spa, podrás disfrutar de una colección de algunas de las más bellas músicas del teatro musical, de tres de los musicales más queridos de Andrew Lloyd Webber. ¡Sentirás que estás viviendo un momento mágico!

En el Día Internacional de los Monumentos y Sitios, en 2022 bajo el tema "Patrimonio y Clima", el Servicio Educativo del Museo del FC Porto sigue la Huella Artística del Dragão, realizando esta visita temática con vistas a la importancia del club en desarrollo cultural, social y turístico. El Valquíria Dragão (Museo) y la escultura Sobre Chamas (Estadio) son dos de varias creaciones hechas exclusivamente para el FC Porto y que se pueden encontrar en el universo azul y blanco del Estadio de Dragão y del Dragão Arena. Joana Vasconcelos, Alberto Carneiro, Rigo 23, Gémeo Luís, Sr. Dheo y Hazul Luzah son nombres residentes en esta centralidad artística de la ciudad. La visita también sigue el trazo arquitectónico de Manuel Salgado, creador del estadio y del pabellón. La participación es gratuita, pero está condicionada a los titulares de entradas del Tour FC Porto y al aforo máximo, por lo que se aconseja inscripción previa.

Rodrigo Amarante regresa a Portugal para presentar su nuevo álbum “Drama”, sucesor de “Cavalo”, su primer trabajo en solitario que en 2014 lo consagró como uno de los artistas más importantes de la música brasileña. Amarante marcó profundamente a una generación en su país como uno de los líderes de la banda Los Hermanos y como miembro fundador del supergrupo de samba Orquestra Imperial, junto a Seu Jorge o Moreno Veloso. Al reconocimiento en su país le siguió el reconocimiento internacional, gracias al proyecto Little Joy, que formó con el baterista de los Strokes, las colaboraciones con Devendra Banhart y la composición de la canción de apertura de la mundialmente aclamada serie de televisión Narcos.

El músico y compositor Orlando Barreto, más conocido como Pantera, nació en la isla de Santiago, Cabo Verde, en 1967 y nos dejó a los 33 años. Su hija Darlene, que solo tenía 6 años en el momento de la muerte de su padre, ha realizado una profunda investigación sobre la vida y obra de Pantera. Fue en este contexto que nos retó a rendirle un homenaje. Pantera abrió nuevos caminos en la música de su país. En su voz latía Cabo Verde y su gente. Explorando las formas de la tradición, creó una poesía llena de amor, perspicacia y asertividad. Sobre estos rasgos encontramos nuestra propia visión a través de las experiencias que pudimos compartir con él, como amigo y como artista. Además de este reencuentro en el resurgimiento de su creatividad y cariño, seguimos un camino de exploración, sumergiéndonos en su tierra, costumbres y cultura, y las proyectábamos en un mundo contemporáneo donde él también se posicionaba. Se trata, por tanto, de un espectáculo construido sobre las andanzas de la memoria. Y es, sobre todo, una intensa y dinámica experiencia de colaboración. Cada uno de los intérpretes establece una relación personal al recordar su propia experiencia y nos aporta una riqueza creativa que se convierte en el valor y sentido de este homenaje. Entre las muchas cosas que se han dejado de hacer y las que no se han dicho, este es nuestro mensaje para Pantera. — Clara Andermatt y João Lucas

BANKSY: ¿Un Genio o un gamberro? Nos acerca al controvertido universo artístico de uno de los creadores más influyentes de los últimos años, a través de diferentes ámbitos temáticos y más de 70 creaciones que incluyen obras originales, esculturas, instalaciones, videos y fotografías. Las piezas, procedentes de colecciones privadas y con la colaboración de Lilley Fine Art / Galería de arte contemporáneo, se exhiben nuevamente en Portugal, por primera vez en la ciudad de Porto. Una impresionante instalación audiovisual especialmente creada para esta muestra dará la bienvenida al visitante, desvelando pistas sobre el misterioso artista, destacando sus piezas más importantes y enmarcando su insólita trayectoria, no exenta de polémica. Entre las obras más reconocidas de la muestra se encuentra la serigrafía original de la serie “Niña con globo”, similar a la recientemente destruida por el propio artista en una acción sin precedente en Sotheby’s, la casa de subastas de Londres.

En este solo, Matija Ferlin adopta el espíritu de la “Pasión según San Mateo” de Johann Sebastian Bach. El título, traducido del croata, significa “Ahora, soy Mateo”. En colaboración con el dramaturgo Goran Ferčec, la obra aborda los temas de la muerte, el sufrimiento, la tentación, la sensualidad, la relación entre el individuo y la sociedad, la traición y el perdón, utilizando narrativas personales y un análisis metafísico de muertes complicadas y angustiosas en la familia Ferlin. El estimulante diálogo que se desarrolla es de una belleza sencilla: entre un personaje del siglo XXI y un punto álgido de la música sacra protestante, entre un cuerpo en tensión y un ritual funerario canónico, entre el individuo y la civilización. El preciso vocabulario de movimientos de Ferlin lleva al límite el doble sentido de la palabra “pasión”. Atrapado entre el dolor y la pasión, expone al público y a sí mismo a la primacía de la música.

La coreógrafa Né Barros continúa una investigación en torno al paisaje y el cuerpo como paisaje en “Neve” [Nieve], una ficción multidisciplinar donde los afectos se expanden hacia los paisajes y los lugares. Insertada en la serie “Paisagens, Máquinas e Animais” [Paisajes, Máquinas y Animales], iniciada en 2019 con “IO”, esta pieza entrelaza música, cine y arquitectura, explorando, como en un poema, la memoria, la transformación y el paso cíclico de un estado a otro. “Neve” es un lugar, una capa, donde la circulación entre las tres dimensiones - Paisajes, Máquinas y Animales- dibuja puntos de fuga que densifican lo humano y abren posibilidades para entender el cuerpo danzante. Es este “cuerpo-en-gesto” el que Né Barros sigue cuestionando, perseverando en la supervivencia del gesto y en la conquista de un espacio narrativo: “¿Qué será de ese cuerpo allí, solo, en ese espacio vacío?”

Mauricio Kagel transformó el papel de los músicos en el arte contemporáneo. Sus obras, difíciles de clasificar, ampliaron el campo de acción de sus actores. Instalado en Colonia a finales de la década de 1950, Kagel incorporó los modelos postseriales de la época, transformándolos y creando su propio estilo. “Hallelujah” es una de sus obras corales más importantes, explorando la voz y el cuerpo de una manera vibrante. En la línea temática del Ciclo Grandes Conciertos Dobles, presentaremos una obra de Jean Barraqué para clarinete, vibráfono y conjunto en la que se destaca la timidez de los solistas frente a la escritura afirmativa y enfática del conjunto. Si Barraqué se sitúa en la estela del serialismo integral, las prácticas musicales tradicionales de Bosnia-Herzegovina y Macedonia del Norte marcan la pauta para Vinko Globokar. La reminiscencia de cómo se entrelazan melodías y timbres da impulso a la libre exploración de las sonoridades, en una obra de vanguardia arraigada en la tradición.

El ciclo “Música e Revolução” (Música y Revolución) revisita Mayo del 68 en una serie de conciertos que reflejan la pluralidad estética de la época. La ruptura de barreras políticas, sociales, culturales y sexuales tuvo un fuerte impacto en las artes. Así, el ciclo pretende trazar un panorama de la heterogeneidad musical de este efervescente período. Integrando exclusivamente obras escritas ese año, sigue un camino sinuoso entre estilos, compositores y contextos. Desde la apertura de la música clásica a contextos de improvisación, pasando por el estructuralismo influido por modelos seriales centrados en Darmstadt, “Música e Revolução” muestra la no alineación de obras y compositores en una época en la que la poesía estaba en la calle. Protesta, libertad y heterodoxia en un viaje sin pasaporte por la música de la segunda mitad del siglo XX.

Alphaville, uno de los grupos más populares de los años 80, está de vuelta en Portugal. Los responsables de éxitos como “Big In Japan”, “Forever Young” y “Sounds Like A Melody”, volverán a resonar sobre el escenario del Coliseu Porto Ageas. El grupo alemán de Marion Gold es un ícono de los años 80, debutaron con el álbum “Forever Young” del cual salieron tres sencillos que llegaron al Top 20 en varios países. Más de 2 millones de discos vendidos en uno de los debuts más auspiciosos del “pop” europeo, mientras que en Estados Unidos alcanzaron el 1º puesto del “dance chart” de Billboard. Canciones verdaderamente épicas, fáciles de cantar y bailar, que invadieron las estaciones de radio y las pistas de baile de todo el mundo, pusieron a Alphaville en el circuito de las grandes giras mundiales de la música electrónica junto a otros grandes nombres de los 80. En abril de 2022, Alphaville vuelve a Portugal. Sobre el escenario, la formación clásica: bajo, batería, guitarra, teclados y voz. La voz, esta, es la del inconfundible Marion Gold, que la noche del 22 en el Coliseu Porto Ageas sube al escenario trayendo consigo los grandes éxitos de una de las mayores bandas de pop internacional de los años 80.

¿Cómo mantenernos em movimiento cuando la situación sociopolítica de un país parece paralizarlo todo? ¿cuándo la persecución y el odio parecen desunir, sofocar la libertad y la solidaridad, la igualdad y la democracia? Poco a poco, hay una nueva resistencia que emerge en la escena artística brasileña después de la toma de posesión de Jair Bolsonaro. A Bruno Beltrão no le sorprendió el giro radical a la derecha en Brasil y en otros lugares. Su obra anterior, Inoah, ya parecía mediar conflictos indisolubles y contradicciones sociales violentas de una manera casi implorante; como una batalla urbana entre el encuentro y la confrontación. Beltrão revolucionó el hip-hop, reconciliando estilos y posturas de la danza urbana con los principios de la danza contemporánea. Sus intensas coreografías con el Grupo de Rua se caracterizan por la vehemencia física y la comprensión analítica de la música y el espacio.

“Origens 2.0”, es el nuevo proyecto discográfico de Paula Fernandes que también da nombre al nuevo espectáculo de la artista, que será presentado el 23 de abril de 2022, en el Super Bock Arena – Pavilhão Rosa Mota. Paula Fernandes, nos presenta un repertorio conmovedor y animado. Además de algunas canciones inéditas, este concierto incluye reinterpretaciones de sus grandes éxitos, revelando una Paula más relajada y segura. Será una presentación que promete un ambiente lleno de sensaciones, emociones y mucha vibración, también por parte del público, que sin duda sentirá el latido de todo un lenguaje que recrea los orígenes de la artista, que se ha convertido en un referente dentro del segmento sertanejo y una de las principales intérpretes brasileñas de la actualidad.

En 2022, la banda de swing & rock'n'roll vintage más popular de la Península Ibérica, The LUCKY DUCKIES, celebra su 35º Aniversario con una gira muy especial. Surgieron en 1987 en la gran Lisboa, de la mano de su vocalista, Marco António, fundador y líder del grupo, y poco a poco se fueron catapultando a escenarios carismáticos en Portugal y en el extranjero. Lo más destacado de esta gira será la visita de sus conciertos a los dos Coliseus: Porto y Lisboa, ya que son uno de los pocos lugares donde se conserva el glamur clásico de antaño, combinado con su aspecto retro y musicalidad vintage. Muy pronto comenzaron a recibir invitaciones para actuar en televisión. En la segunda mitad de su carrera comenzaron a grabar nuevos arreglos de clásicos de gran calidad y algunas canciones originales con un sonido intencionadamente antiguo, pero muy estereofónico. Uno de los temas que grabaron, una nueva versión de un clásico napolitano “Tu Vuò Fà L’Americano”, ya superó los 4 millones de visualizaciones, convirtiéndose en uno de los temas más famosos de la banda. Es fácil entender sus influencias cuando escuchamos discos de artistas como The Rat Pack (Frank Sinatra, Dean Martin y Sammy Davis Jr.), Elvis Presley, Nat King Cole, Louis Prima, Jerry Lee Lewis, Fats Domino, Chuck Berry, Cliff Richard, Paul Anka, Bing Crosby, Al Jolson, Peggy Lee, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Doris Day, Connie Francis, Bobby Darin, Tony Bennett, Dick Farney, Carmen Miranda, Amália, Tony de Matos, Marino Marini, Renato Carosone, Françoise Hardy y muchos más. Sin embargo, últimamente han estado trayendo nuevas canciones originales e inéditas al universo discográfico. El sencillo "Viva A Cerveja" es actualmente un himno adoptado por los cerveceros de Portugal. “Lisboa Sunset” es una nueva canción que nos ofrece el prestigioso letrista y compositor Nuno Nazareth Fernandes, un verdadero cuadro cantado bajo la luz de nuestra capital.

“miramar” se asemeja al nombre de una promesa, la que se adivina desde la ventana de un hotel anticuado, la que persigue “Monje junto al mar” de Caspar David Friedrich, y tiene su origen en canciones de saudade (anhelo). Con la ayuda de una escenografía en la que la luz se difracta y reverbera en un ballet mecánico, un primer actor intérprete viene a delimitar el espacio, sujetando el cuerpo en un punto de observación. Le siguen diez bailarines o personajes en busca de un horizonte. Se inscriben en su mirada y constituyen el flujo que lo vincula y lo aleja a la vez del poder del fuera de campo. Pero entre el lugar fijo del que observa y la línea infinita donde se recorta el horizonte, ¿qué vemos? ¿Un anhelo, un vacío o una esperanza apuntada en la distancia, “más allá”, “en otra parte”? Tras “Une Maison” y “En son lieu”, la coreografía de esta pieza asocia lo invisible con los contornos de la materia. Figuras a medio camino entre el pasado y el futuro, perspectivas singulares hacia un deseo posiblemente común.

La icónica banda regresa a Portugal después de un concierto acústico inolvidable, en Lisboa y Porto en mayo de 2016. La historia promete repetirse, pero ahora el pretexto es más fuerte: cuatro décadas, 21 álbumes editados y millones de fans en todo el mundo. Sin perder su esencia más pura, Jim Kerr y Charlie Burchill, prometen un espectáculo soberbio, lleno de nostalgia, pero también de modernidad. Sobre este regreso a los escenarios, Jim Kerr, el líder de la banda, refuerza: “Estoy agradecido por la carrera que hemos tenido, y también lo suficientemente loco como para pensar que todavía podemos llegar a nuevos niveles. Esto es lo que hacemos: escribir, grabar y tocar en directo”. Quizás sea por esta forma de ser y sentir la música que Simple Minds entró en la lista de las 100 bandas más influyentes del mundo, junto a nombres como Radiohead, Primal Scream, Manic Street Preachers y The Killers. Se reúnen los ingredientes para dos espectáculos más únicos. La banda está deseando sorprender al público portugués, con dos conciertos que prometen hacer historia.

En el 25 de abril, día festivo, la libertad creativa andará suelto en un taller abierto, ¡perfecto para participar en familia! Estamos seguros que tendremos buenas noticias sobre esta actividad: la idea es que cada niño invente un periódico, pero también que entienda cómo era la vida en los medios de comunicación del país, controlados por la censura, antes de la Revolución de los Claveles en 1974. Historia y la creatividad se unen en un evento educativo y divertido, para todas las edades y con el sello de referencia del Servicio Educativo del Museo del FC Porto.

Con casi tres décadas de carrera discográfica desde su debut con “Spirit Dance”, Nitin Sawhney continúa reflexionando sobre el presente y el futuro en su último álbum, el título autoexplicativo “Immigrants”. Lanzado en 2021 por Sony Music Masterworks, cuenta con la colaboración de varios artistas que se identifican como inmigrantes, que son hijos de inmigrantes o que quieren apoyar la causa de los desplazados en el mundo. Luchando contra una creciente representación negativa que va en contra de los beneficios históricos de las migraciones a Europa, América del Norte y Australasia, Sawhney utiliza la expresión emocional para transmitir una idea noble y urgente. Un espectáculo imperdible de uno de los artistas más fundamentales de su generación.

Como parte de la programación anual del Parque de Serralves, esta exposición presenta dos obras del artista Gil Delindro, “Fictional Forest” y “Burned Cork – Resilience”, donde las condiciones materiales y culturales impuestas a la vida (y a la muerte) de los árboles y los bosques se presentan como centrales y simbólicos de una dialéctica compleja entre las concepciones de lo "natural" y lo "humano". La exposición busca así expresar la relación que se construye entre el proceso artístico y la ciencia, una oportunidad de diálogo para la sustentabilidad, incluyendo la poesía. Parte de este proceso es la construcción de nuevas identidades de los espacios, imaginados y/o construidos en el Parque, recursos singulares que desafían a la comunidad educativa a activar la respuesta a la emergencia ambiental. Gil Delindro (1989, Portugal) es un artista sonoro y visual con reconocimiento internacional por la investigación ambiental site-specific que desarrolla, concretamente en lugares y paisajes desafiantes, en comunidades aisladas, a menudo sometido a condiciones geológicas y climáticas extremas, en todo el mundo. Entre ellos se encuentran lugares en el desierto del Sahara, la selva amazónica de Brasil, Siberia, el glaciar del Ródano, los volcanes de Auvernia o pueblos remotos en Vietnam. La práctica artística de Gil Delindro se basa en una investigación que explora los vínculos entre la ecología, la geología, la antropología y la acústica. Sus piezas traducen en paisajes sonoros espacializados estados efímeros de materia orgánica (como suelo y madera), detritus geológicos o agua. Estas esculturas sonoras llevan dentro de sí los efectos imprevisibles del tiempo, el clima, la erosión y las condiciones atmosféricas externas, en contraste con los dispositivos acústicos fabricados. Delindro refleja así las tensiones contemporáneas entre los humanos y un planeta con un medio ambiente que cambia rápidamente, cuestionando de qué manera se puede desafiar la percepción humana de la "Naturaleza".

El DDD – Festival Dias da Dança nos ofrece el cuerpo de un sonámbulo-silbador que, en su deambular, establece un puente entre el mundo mental y el mundo físico, sondeando delicadas formas de convivencia entre el movimiento y la música. Después de un conjunto de piezas grupales, el bailarín y coreógrafo francés Boris Charmatz vuelve a la forma mínima (e íntima) del solo. SOMNOLE resulta de la articulación de dos ideas: la somnolencia, un estado entre el sueño y la vigilia, que invita a la imaginación; y el silbido, respiración que produce varias reminiscencias melódicas, donde conviven fragmentos de música clásica con temas de películas o con estándares del cancionero francés o norteamericano. Bailando y silbando para sí mismo, “como quien dibuja un centro estable dentro del caos”, Boris Charmatz construye un camino que refleja la riqueza y el desorden de su mundo interior.

Barbara Pravi, la nueva estrella de la música francesa, debuta en directo en Portugal. Tras el gran éxito obtenido en 2021, consiguiendo el segundo puesto en el Festival de Eurovisión, trae a la Casa da Música el espectáculo “Voilà”, que ha agotado las salas de toda Europa. Sus poderosas interpretaciones ya le han valido comparaciones con íconos como Édith Piaf y Jacques Brel. Sin embargo, la cantante francesa de raíces serbias e iraníes está buscando colaboraciones que lleven su música a los tiempos modernos, incluidos artistas como Yannick Noah y Jaden Smith. Coescribió la canción oficial del movimiento de liberación de la mujer francesa (Mouvement de Libération des Femmes) y, con un nuevo álbum lanzado en septiembre de 2021, se revela como un nuevo talento versátil que vale la pena escuchar.

Paulinho Moska regresa a Portugal para presentar su espectáculo en solitario. Seducido por la facilidad de viajar por el mundo con su guitarra bajo el brazo y cantar lo que compone, apuesta por una relación más directa entre el artista y el público. Una voz y una guitarra, en un concierto que no necesita nada más. Solo el autor con su cómplice cantando melodías que nos acompañan desde hace años. Las canciones son más fieles a las composiciones originales y ganan fuerza en la expresión del autor al tocarlas y cantarlas “tal como fueron compuestas”. El repertorio se compone de éxitos como “Pensando em Você”, “A Seta e o Alvo” o “A Idade do Céu”, entre otros, y nuevas canciones lanzadas por el artista en su más reciente álbum de originales, “Beleza e Medo” (2018).

“Spiritus - La mejor manera de viajar es sentir” es un innovador espectáculo multimedia que trasciende las pareds de la Iglesia de los Clérigos, en la ciudad de Porto. Esta experiencia inmersiva explora la música, la luz, la energía y el color, creando una atmósfera de poesía visual, sincronía y ligereza que llena toda la arquitectura de la Iglesia de los Clérigos. Creado por OCUBO e inspirado libremente en el poema “Al final, la mejor manera de viajar es sentir” de Álvaro de Campos, Spiritus despierta la imaginación, la espiritualidad y el mindfulness de cada espectador.

En CASCADE, Meg Stuart y siete bailarines buscan formas de resistir la flecha del tiempo. Al encontrarse en estructuras de complejidad rítmica, impulsan sus cuerpos e imaginación a un nuevo espacio temporal, imaginando una nueva Tierra y reequilibrando los resultados inevitables. En un juego de rechazo y cuidado, la interrupción se convierte en una fuerza motriz: prisas y caídas se suceden; los cuerpos pierden el rumbo; repiten, interrumpen y se convierten principios. Flotando al borde de la incertidumbre, los bailarines se preguntan a qué tipo de sueño tienen que renunciar para seguir soñando, qué tipo de cuerpo tienen que adquirir para seguir adelante. CASCADE es una rendición a lo que no sabemos del otro. Una caída libre en el desmoronamiento del tiempo.

En los últimos años, la obra de Dostoievski ha rondado el teatro de Sylvain Creuzevault, que regresa a ella para escalar la montaña literaria de “Los hermanos Karamazov”, su última obra maestra. ¿Cuál de los cuatro hijos mató al patriarca Karamazov? La historia de la implosión de una familia, cuya escritura no deja de contradecir lo que afirma, habla de la lucha entre la verdad y la mentira, la religión y el Estado, el bien y el mal. Nadie es inocente, la culpa se esparce. “Si Dios está muerto, todo está permitido”, reza como máxima uno de los tags del escenario. Sylvain Creuzevault se inspiró en Genet, que veía la novela del maestro ruso como "una farsa". Del “juego de la masacre” que deshace el decoro de la tragedia, “no quedan más que harapos; y comienza la diversión.” El director de escena francés hace del humor farsesco que circula en “Los hermanos Karamazov” el hilo que desenreda la acción y los personajes, revelándolos al fin y al cabo como un síntoma de su tiempo, un espejo del nuestro.

El debut en Casa da Música de la directora de orquesta Rebecca Tong, ganadora del Solti de Chicago y de La Maestra de París. Este concierto aborda una de las historias de amor más perennes de la cultura occidental: Romeo y Julieta, la tragedia de Shakespeare que Prokofieff musicalizó en forma de ballet, dándole un colorido orquestal que potencia la expresividad de los cuerpos. El amor, el tema de esta temporada, también se aborda en forma de conciertos dobles en los que los solistas encarnan a los protagonistas de esta historia. Aquí, dos pianos se encuentran, bajo el marco de la orquesta, en una obra escrita por Francis Poulenc en 1932. El joven compositor experimentaba con una nueva fuerza y ​​escribia una obra en la que el "modernismo feliz" destaca por su vivacidad rítmica. Y fue precisamente de una obra para dos pianos que nació la inspirada y colorida pieza orquestal de Emmanuel Chabrier, fruto de un viaje a España.

Le damos la bienvenida a THE DEITIES BALL. Aquí celebramos culturas, dioses y diosas, cielo y tierra, como un solo poder de vida. Es también un himno a la naturaleza, siendo madre y padre, a quien el ser humano pide sabiduría y ayuda, para poder fluir en esta y otras vidas. Lo divino en todas sus formas nos une a todos como UNO. A través del tiempo y de diferentes civilizaciones, absorbemos la vida de diferentes maneras, celebramos la magia y todo lo que aún no podemos comprender. Hoy celebramos a las divinidades ya nosotros mismos, a través de lo divino que nos habita, encontrando inspiración, poder, amor, belleza y celebración de los cuerpos y la imaginación en esta fiesta que también es reivindicación. — Nala Revlon y Piny 007 ¡No os dejad engañar! Esto no es un espectáculo, ¡pero definitivamente es espectacular! El DDD acoge THE DEITIES BALL, reforzando la presencia de Porto en el itinerario internacional de la floreciente cultura del voguing. En este Ball, que tiene lugar entre las 17:00 y las 23:00, ¡se puede competir en una de las categorías o simplemente asistir! Después de la entrega de los trofeos, la fiesta continúa hasta la noche en el Café Rivoli.