"Quando a Terra Voltar a Brilhar Verde para Ti" (Cuando el verde de la tierra brille de nuevo para vosotros), una exposición que "roba" el título de un verso del poeta alemán Hölderlin, también utilizado por los cineastas, Jean Marie Straub y Danièle Huillet para su película sobre la muerte del filósofo griego Empédocles. Aquí se puede admirar el famoso Herbario de Júlio Dinis en diálogo con dibujos y esculturas de artistas como Rui Chafes, Ilda David, Teixeira de Pascoaes, Manuel Rosa y Lourdes Castro. También hay pinturas murales de José Almeida Pereira, basadas en obras de artistas vinculados al imaginario romántico, y una composición sonora original de Jonathan Uliel Saldanha y Pedro Monteiro.

Modus Operandi tomó como punto de partida una lectura atenta de la Colección de Serralves desde sus inicios, con el conjunto de obras adquiridas por la Secretaría de Estado de Cultura incluso antes de la creación de la Fundación Serralves y el Museo, hasta las últimas incorporaciones. Desde el principio, esta Colección tuvo la ambición de incluir formas artísticas de vanguardia, de carácter experimental y de alcance internacional, mirando al mundo desde la especificidad estética y cultural portuguesa de los años posteriores a la Revolución de 1974. También destaca el cruce y la mezcla de disciplinas artísticas como las artes plásticas, música, performance y literatura. Esta exposición reúne una selección de obras que reflejan diversos enfoques experimentales y conceptuales transdisciplinarios que demuestran las actitudes, contextos y preocupaciones de la producción artística desde la década de 1960 hasta la actualidad. El título proviene de la obra homónima del artista estadounidense Joseph Kosuth, perteneciente a la Colección de Arte Contemporáneo del Estado Portugués (Coleção de Arte Contemporânea do Estado-CACE) almacenada en Serralves, que se presenta en la exposición. Modus Operandi apunta a diferentes formas de hacer, de operar, a saber, de hacer y pensar el arte. Es precisamente en este sentido que la presentación, por primera vez, de un portafolio, también del CACE, en el que 30 artistas internacionales rinden homenaje a Joseph Beuys en una demostración de la importancia de su legado en la forma de hacer arte, de su creencia de que el arte puede cambiar el mundo y que todos pueden ser "artistas".

La estación 1 revela la historia de la ausencia en vez de la historia de la presencia. Se convocan fragmentos y más fragmentos para narrar momentos que indican existencias de esta y otras épocas. Materiales de diferentes épocas coexisten con dispositivos audiovisuales y diferentes tipos de imágenes, para hacernos saber cómo PortuCale, la ciudad que dio nombre a Portugal, se convirtió en Porto.

“La hora antes de la puesta del sol tiene una magia propia ...” palabras de Rosa Luxemburg a su amigo Hans Diefenbach en una carta enviada desde la prisión de Wronke, en el verano de 1917. A partir de esta correspondencia, la artista colombiana Milena Bonilla nos invita a reflexionar sobre las posibilidades de construir un universo imaginario que navegue por la literatura, la botánica, los referentes históricos ocasionales y las mitologías colectivas. Aquí, “esa hora antes de la puesta del sol” aparece como una concepción de un momento temporal mágico que vincula el pasado con el presente a través de la creación de resonancias afectivas. Para la construcción de esta exposición, la artista explora los límites del archivo como forma de articular la memoria colectiva. El proyecto se infiltra en los espacios simbólicos de intersticio entre el Jardín de Palácio de Cristal, la Biblioteca Municipal Almeida Garrett y la Galeria Municipal do Porto con el fin de relacionar diferentes formas de producción de conocimiento para investigar el concepto de algo que podríamos llamar 'temporalidad histórica suspendida'.

El miedo al fracaso (simultáneo con el deseo de éxito), impulsado por el sistema económico capitalista (que infecta a todos los demás sistemas sociales y culturales), se ha convertido tanto en uno de los mayores impulsos humanos como en el valor del juicio mediante el cual nos evaluamos a nosotros mismos, sirviendo como medida que establece jerarquías sociales. Pero los conceptos de fracaso y éxito nunca están libres de prerrogativas: la idea de éxito está intrínsecamente ligada a varios condicionantes estructurales: color de piel, género, sexualidad, etc., y, sobre todo, cumplir los roles esperados dentro de estas categorías. El fracaso y el aprendizaje del fracaso asumen un rol importante en la producción artística: entre la insatisfacción, el rechazo, la duda, el error y la experiencia, la idea de sucesivamente intentar y fallar se convierte en combustible para la experimentación especulativa y para la creación conceptual. Asumiendo la premisa del fracaso como una herramienta de resistencia contrahegemónica, esta exposición, comisariada por Marta Espiridião, llama a la crítica de los modelos estáticos de éxito y fracaso, y a cuestionar su rol en la construcción de la vida personal y normal.

Mark Bradford (Los Ángeles, 1961) es reconocido actualmente como uno de los nombres que mejor definió la pintura de las últimas dos décadas, ideando su propio lenguaje pictórico para hablar de temas universales, como la distribución del poder en las estructuras sociales y su impacto en el individuo o la relación entre el arte y la participación comunitaria. En su trabajo, el elemento social se da a través de su elección de materiales. Utilizando materiales cotidianos y herramientas que se encuentran en las ferreterías, Bradford ha creado un lenguaje artístico único. A menudo denominado “abstracción social”, su trabajo se basa en el entendimiento de que todos los materiales y técnicas están imbuidos de un significado que precede a su utilidad artística. Su propio estilo evolucionó a partir de la experimentación con materiales para guardas, los pequeños papeles translúcidos utilizados en las peluquerías, pero desde entonces se ha expandido a otros tipos de papel, incluidos mapas, vallas publicitarias, carteles de películas, cómics y anuncios callejeros que anuncian servicios abusivos en barrios económicamente frágiles. Mediante este enfoque rigurosamente físico de la presencia material de la pintura, Bradford ha abordado cuestiones cruciales de nuestro tiempo, como la epidemia del sida; la tergiversación y el miedo a la identidad queer y homosexual; el racismo sistémico en los Estados Unidos; y más recientemente, la crisis de Covid-19.

Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans-Ulrich Obrist. “Archivo perpetuo: las publicaciones y los proyectos editoriales de Hans Ulrich Obrist” es una exposición dedicada al archivo de publicaciones con sede en Chicago del comisario Hans Ulrich Obrist, director artístico de las Serpentine Galleries de Londres. La exposición comprende una serie de módulos que abordan el cruce de documentos y sus historias: las personas, los acontecimientos y las instituciones que contribuyeron a su realización. La exposición también cuestiona, a través de metáforas y otras representaciones, los diferentes comportamientos de un archivo: su fragilidad e inestabilidad, su relación con otros archivos, así como sus diversas lagunas históricas. Un componente central de la muestra es una serie de vitrinas que examinan no solo la arquitectura histórica de la vitrina y su relación con el “Wunderkammer”, sino también las posibilidades conceptuales que las vitrinas imponen a través de sus limitaciones físicas. El “Archivo Perpetuo” también incluye una historia del propio archivo, un archivo del archivo, que documenta cómo ha cambiado con el tiempo en relación con el contexto de las herramientas tecnológicas y el conocimiento humano.

Esta exposición presenta un conjunto de obras de Pedro Tudela (Viseu, 1962) pertenecientes a la Colección Serralves, que abarca casi 30 años de trabajo, desde 1990 hasta 2019. Pedro Tudela estudió Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de Porto e inició su carrera laboral en la década de 1980. Desde entonces, ha demostrado ser un artista ecléctico, trabajando en diferentes disciplinas y áreas artísticas, como pintura, escultura, performance, sonido, multimedia, así como escenografía y música electrónica experimental. Sus primeros trabajos que datan de 1980 han sido pinturas, pero ya a principios de la década de 1990 introdujo el sonido en su obra, lo que ocurre por primera vez en la exposición “Mute… life” (Galeria Atlântica, Porto, 1992), que presentamos aquí un trabajo. En esta exposición, el sonido seguía siendo autónomo de las obras plásticas que componían la muestra, actuando como banda sonora envolvente y agregando los distintos elementos expuestos. A partir de ese momento, el sonido ha ido adquiriendo cada vez más relevancia, integrando plenamente la obra, plástica y conceptualmente, de la misma forma que el dibujo, la pintura o la escultura. Tudela trabaja e incorpora las diversas disciplinas sin jerarquías ni barreras entre ellas, reflejando precisamente la permeabilidad entre lenguajes que se convierte en una de las principales características de su obra. El sonido gana protagonismo, es tratado plásticamente, muchas veces materializado en esculturas mediante la incorporación de los dispositivos que lo generan - altavoces, cintas magnéticas, cables, torres de sonido son material plástico en un aspecto dual, visual y acústico. La práctica artística de Tudela es inseparable de la existencia humana y del mundo, que se ha manifestado de diferentes formas a lo largo de su trayectoria, representada en esta exposición en un conjunto de nueve obras.

Christina Kubisch es una de las artistas sonoras más famosas de la actualidad. Después de estudiar pintura, flauta, piano, composición musical y electrónica, comenzó, en la década de 1970, a trabajar con esculturas sonoras, instalaciones y composiciones electroacústicas que la consolidarían como un nombre pionero en el campo del arte sonoro. A finales de la década de 1970, Christina Kubisch comenzó a utilizar en sus instalaciones la técnica de inducción electromagnética, un dispositivo que permite la transmisión de sonidos entre cables eléctricos y auriculares con bobinas magnéticas especialmente diseñadas por la artista. Este sistema, que Kubisch ha ido mejorando constantemente tanto técnica como artísticamente, ha sido el punto de partida de numerosas instalaciones sonoras realizadas en todo el mundo desde 1980. Reúne y cruza varios aspectos del trabajo de Kubisch: la revelación y conciencia del flujo de energía y sonido que, en una época dominada por la tecnología, nos rodea en cualquier momento y lugar; la propuesta de una dimensión estética a los sonidos transportados por la electricidad y el electromagnetismo, en composiciones constituidas ya sea por las elecciones de la artista o por el movimiento del público, consciente y autodeterminado; el subrayado de nuestra condición de seres conectados por mucho más de lo que está en la superficie, es decir, por lo invisible y silencioso. La instalación THE GREENHOUSE [EL INVERNADERO], 2017 (con nueva versión para Serralves en 2021), es un ejemplo de los trabajos de Kubisch que utilizan la inducción electromagnética. El público, equipado con auriculares, tiene acceso al paisaje sonoro que emerge de los aproximadamente 1.500 metros de cables suspendidos en la Galería Contemporánea del Museo. Al moverse en el espacio, puede mezclar el conjunto de sonidos naturales y electromagnéticos que circulan en ellos. También en BRUNNENLIEDER [CANCIONES DE LA FUENTE], 2009, se fusionan sonidos naturales - ya sea del Parque de Serralves donde se instala o de grabaciones - con citas musicales de discos de vinilo de la canción de Schubert “Ein Brunnen vor dem Tore”, (basada en una canción tradicional con el mismo nombre), reunidos bajo el signo y la plasticidad sonora del agua. SILENCE PROJECT [PROYECTO SILENCIO], 2011 - en curso, se centra en una línea de investigación y práctica artística de Kubisch que aborda las cuestiones materiales, conceptuales y culturales del silencio. Basado en una colección de grabaciones de las palabras que significan “silencio” en unos setenta idiomas, el proyecto se divide en dos trabajos: uno que parte de las imágenes de sonogramas de estas palabras (Analyzing Silence [Analizando el Silencio], 2011 - en curso), y otra (“Silent Exercises” [Ejercicios Silenciosos], 2011 -) incluye una proyección de video silenciosa donde se fusionan estas imágenes y una instalación sonora basada en la espacialización de una composición de las grabaciones de palabras, que se impondrá sobre el silencio en la torre de la Capilla de la Casa de Serralves. En 2010, Christina Kubisch presentó una versión para el centro de Porto de sus conocidos “Electrical Walks”, como parte del festival de artes escénicas Trama. Ahora en 2021, Kubisch tendrá su primera exposición en territorio portugués, constituyendo una oportunidad para una relación más cercana con esta artista fundamental y figura histórica de la música y el arte contemporáneo.

La colaboración entre Manoel de Oliveira y Agustina Bessa-Luís es uno de los capítulos más intrincados de la ya enredada historia de las adaptaciones cinematográficas de textos literarios. Todos los títulos son un caso único en cuanto a afinidades y desacuerdos entre literatura y cine y habiendo dado lugar a logros no menos singulares, las intersecciones entre las obras de los dos autores son cruciales para comprender la obra de cada uno. Iniciada en 1981, con la adaptación de la novela “Fanny Owen” (1979) a la "película “Francisca”, la colaboración de Oliveira con Agustina continuó hasta 2005, con el “Espelho Mágico”, una adaptación de “A Alma dos Ricos” (2002). Entremedias hay otros ocho textos de la escritora que pueblan la obra del director, que incluyen tres novelas, dos diálogos, una obra de teatro, un cuento y un discurso leído por la propia Agustina. Para pensar sobre estas relaciones entre literatura y cine, resultó útil traer a la exposición un amplio abanico de conocimientos, científicos, paracientíficos y otros aún más oscuros, porque solo ellos pueden iluminar un área del conocimiento. esencialmente constituida por intuiciones y paradojas, inversiones de sentido y perplejidades. El choque entre palabras e imágenes, entre novelas y películas, reclama otros enfrentamientos, que intentamos explorar en la exposición, y abre un espacio intersticial, un lugar de lo estético y lo simbólico, donde se convocan todos estos saberes antiguos o modernos. Los términos de este diálogo se consubstancian probablemente la alianza de artes y letras portuguesas más fructífero de los últimos cien años.

La Colección Miró, propiedad del Estado portugués, cedida al Ayuntamiento de Porto y depositada en la Fundación de Serralves, se conforma de 85 obras e incluye pinturas, esculturas, collages, dibujos y tapices del célebre maestro catalán. La Colección abarca seis décadas de trabajo de Joan Miró, desde 1924 hasta 1981, constituyendo así una excelente introducción a su obra y sus principales preocupaciones artísticas. La exposición tiene lugar tras la conclusión de las obras del proyecto de rehabilitación y adecuación de la Casa de Serralves, por el arquitecto Álvaro Siza, que contó con el apoyo del Ayuntamiento de Porto, en los términos del protocolo que define las condiciones de depósito de la Colección Miró en Serralves. Joan Miró (1893-1983), uno de los grandes “creadores de formas” del siglo XX, fue al mismo tiempo un “asesino” estético que desafió los límites tradicionales de los medios en los que trabajó. En su arte, diferentes prácticas dialogan entre sí, cruzando los medios: la pintura se comunica con el dibujo; la escultura seduce a los objetos tejidos; y los collages, siempre conjugaciones de entidades dispares, funcionan como un principio principal o matriz para explorar las profundidades de lo real. Esta exposición no sigue un formato cronológico o lineal: las obras están agregadas temáticamente, tratando de dar una visión holística de la trayectoria del artista. Las distintas salas abordan diferentes aspectos de su arte: el desarrollo de un lenguaje de signos; el encuentro del artista con la pintura abstracta que se hacía en Europa y América; su interés por el proceso y el gesto expresivo; sus complejas respuestas al drama social de los años treinta; el enfoque innovador del collage; el impacto de la estética del suroeste de Asia en su práctica de dibujo; y, sobre todo, su incesante curiosidad por la naturaleza de los materiales.

De martes a viernes, a las 12:30 horas, los monitores del Museu da Cidade guiarán visitas de 30 minutos, mediante la compra de la entrada.

"Porto Legends: The Underground Experience" es un evento audiovisual que presentará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto. El espectáculo se realizará en las Furnas (subterráneo) de la Alfândega do Porto. La última creación del estudio portugués OCUBO, especialista en la realización de proyectos de video mapping, debuta en las Furnas de la Alfândega do Porto. A través de una experiencia inmersiva, el espectáculo revelará diez leyendas relacionadas con la historia de Porto, inspiradas en el libro del historiador Joel Cleto, "As Lendas do Porto". El proyecto Porto Legends: Underground Experience contó con 70 actores, 120 vestuarios y 30 artistas de video, utilizando 50 proyectores de video de alta definición, estratégicamente instalados en las paredes, pisos, techos, columnas y arcos de Furnas de la Alfândega do Porto. Las diez leyendas que componen el espectáculo son narradas por Pedro Abrunhosa, en la versión portuguesa, y el galardonado actor británico Jeremy Irons, en la versión en inglés. A lo largo de 45 minutos, se contarán leyendas como Pedro Cem, Zé do Telhado, Barón Forrester, las famosas tripas al estilo de Porto, el misterio del Tesoro de la Serra do Pilar; el violento cerco de Porto, el terremoto de 1755 y el fantasma de la estación de tren de São Bento. Se invita al público a circular libremente durante el espectáculo, en una experiencia de 360º sin precedentes a nivel mundial. Porto.CARD - !NO DEBE PERDERSE! Disfrute de Porto.CARD y tenga descuentos en las entradas: Billete completo: 2€ de descuento / Pack de dos exposiciones: 3€ de descuento Billete reducido: 1€ de descuento /Pack de dos exposiciones: 1.50€ de descuento

En esta película, la sangre es el líquido que fluye de las venas palpitantes de la industria petrolera en el sur de California a finales del siglo XIX. Impulsado por la codicia, Daniel Plainview es un magnate petrolero que estratifica sus relaciones, instrumentalizándolas para su propio beneficio. Sin piedad ni arrepentimiento, esparce la muerte al enfrentarse a sus adversarios. Con Daniel Day-Lewis en una de sus interpretaciones más aclamadas (que le valió un Oscar, un Globo de Oro y un BAFTA al mejor actor) y las vibrantes cuerdas de Jonny Greenwood de Radiohead en la banda sonora, “Habrá sangre” examina los límites de un mundo dominado por el odio y la codicia.

Las clases tienen lugar todos los lunes y jueves, entre las 17:30 y las 19:30 horas, y todos los sábados y domingos, entre las 10 y las 12 horas, en el Skate Park de Ramalde. Cada clase junta a dos maestros y un máximo de 20 alumnos simultáneamente, y cada participante preferiblemente debe traer su propio equipo (tabla y equipo de protección). La empresa municipal Ágora suministra la tabla y el casco a quienes los necesiten, y se evita compartir el equipo entre los estudiantes. La inscripción en las clases es obligatoria todas las semanas, y los interesados deben enviar un correo electrónico a desporto@agoraporto.pt, con su nombre, edad (deben tener más de seis años y menores de 60) y el día en que quieren la clase de skateboarding. Cada usuario puede registrarse un máximo de dos clases por semana.

El director Bruno Bravo lleva al escenario “O Fantasma da ópera” (El fantasma de la ópera), una novela gótica de Gaston Leroux publicada por primera vez como folletín entre 1909 y 1910. La apropiación teatral de la literatura no dramática es una práctica recurrente de la compañía Primeiros síntomas, como ejemplifican el “Frankenstein” (2002), de Mary Shelley, y “Pinocchio” (2016), de Carlo Collodi. Pero la ambición de este gesto se amplifica aquí. Bruno Bravo trae a la casa del teatro aportes de diversas disciplinas escénicas, realizando un encuentro entre la música en vivo y el movimiento, entre las canciones y la máquina asombrosa de un escenario, con su desfile de actores y personajes. Un diálogo indisciplinado que se hace eco del espíritu de la Ópera de París, el locus horrendus de “O Fantasma da ópera”, un espacio para espectáculos de teatro, danza y música. Entre bastidores, en las escaleras y en los camerinos, en la web y en los palcos, circula un fantasma que perturba a todo y a todos con muertes, accidentes, hechizos. Erik es su nombre de guerra, un fantasma desfigurado de carne y hueso que se enamora de la voz de una joven cantante, Christine Daaé, los dos son los protagonistas de una de las historias de amor más trágicas de todos los tiempos.

El Festival Porta-Jazz vuelve al Teatro Rivoli en un regreso muy esperado. Tras un año de indecisiones y prohibiciones, la asociación Porta-Jazz puede volver a celebrar el Festival bajo techo y así normalizar procesos interrumpidos y alterados en estos años de pandemia. En este 12º Festival Porta-Jazz se esperan más de una decena de conciertos en los que participarán varias decenas de músicos nacionales e internacionales con encargos, estrenos de proyectos y nuevas creaciones en residencia e interacciones con otras áreas artísticas como la danza y las artes visuales. Tres días intensos con jazz y la mejor música improvisada que se hace aquí. Un fiel y genuino espejo de una comunidad artística cada vez más fuerte y consolidada. Se trata así de la mayor fiesta y muestra de una asociación que, en la última década, se ha convertido en sinónimo de jazz y música creativa en la ciudad de Porto y cada vez más en la escena internacional.

Empecé a crear esta obra a partir de mi tristeza, intentando tocar, a partir de ella, la tristeza del mundo en general, tocar y correr, toqué, pero di la vuelta al mundo para volver a mi tristeza personal, al final. “Cuanto más se huye de algo, más cerca ella permanece”. No solo estoy triste, también me hago un lío y me confundo. Why sad? Why not? ¿Cómo no ser un ser vivo y no estar triste por el estado del mundo? ¿Cómo no estar más triste cuando ya se está triste, por naturaleza, efecto, defecto o genética? Me di cuenta de que el discurso de esta obra, tanto en lo que escribí para decir, tiene sus raíces en un concepto, o movimiento artístico (¿lo es?), al que llamé: Psicopoética del navegador (Zizek, eat your heart out). Me di cuenta de que, en el transcurso de nuestra larga investigación, iba recogiendo fragmentos, frases, ideas, búsquedas, que apuntaban a una reflexión sobre el estado del mundo (¡el mundo se tiene que acabar!) y sobre el estado de las personas, especialmente de las mujeres, en relación con el mundo y en relación con la Tierra, un planeta cada vez menos natural. Mis raíces son ecofeministas, eco-queer, holístico-filosóficas, extrañas, profundas. Esas raíces han desenterrado otras preciosidades, muy graves, menos graves, absurdas, vulnerables, en una especie de anatomía de la tristeza, como espacio generador, como espacio para compartir, como espacio generador de dolor y esperanza. ¿Esperanza en qué? No estoy seguro, no tengo respuestas, pero si me insistieran, diría: enamorado. Mirar a los ojos la tristeza y la muerte no es fácil, pero es necesario. Para vivir mejor, si no en paz, al menos de una manera interesante. “¿Quieres ser una persona feliz o interesante?” Entre el choque y el asombro cotidianos. —Sonia Bautista

Una de las ferias más emblemáticas de la ciudad, se destina exclusivamente a la venta de objetos usados, en particular, ropa, vajilla, muebles y artículos decorativos, discos, libros, aparatos eléctricos y / o electrónicos, utensilios para el hogar y herramientas de trabajo. Ubicación: Avenida 25 de abril

Quien visitar la Praça de Carlos Alberto se encuentra uno de los primeros mercados callejeros a surgir en la ciudad con variada oferta: discos de vinilo, ilustraciones, cuadernos y libros, cosméticos naturales, joyas, miel y pasta fresca, té y hierbas, cerámica, juguetes de madera o artículos de decoración.  El mercado, de acceso libre, siempre tiene música ambiental y un pequeño espacio de confort para que los visitantes se relajen.  Como el evento tiene lugar al aire libre, está siempre dependiente de condiciones climáticas favorables. 

Luís Tinoco se inspiró en un libro de Yvette K. Centeno para escribir un concierto de carácter silencioso, en el que el solista es desafiado a explorar una variada paleta de timbres y colores en diálogo con la orquesta. La obra fue escrita para Horácio Ferreira, uno de los clarinetistas más premiados y aclamados de la nueva generación. Para terminar, un concierto de Vasco Mendonça que recibió una ovación de la crítica cuando se estrenó en 2018.

Fábio Porchat - Stand up Comedy. El cómico del momento en Brasil, cofundador del colectivo “Porta dos Fundos”, regresa a Portugal para estrenar su nuevo solo de Stand up Comedy. Historias, comedia observacional y humor mordaz serán sin duda los ingredientes de una velada única. Tras del éxito del solo anterior, Fábio Porchat presenta a los portugueses el estreno en Portugal de su nuevo solo. No se lo puede perder.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Con muchos años de existencia, esta feria ya es una tradición sociocultural. Es muy popular, tanto por los residentes de Bairro da Pasteleira, como por la población en general. Aquí se venden varios productos, a saber, alimentos, ropa, calzado y textiles para el hogar. Ubicación: Rua Bartolomeu Velho

Pocas personas son tan aclamadas a nivel mundial y de forma tan “silenciosa” como el sueco José González. “Local Valley”, su esperado cuarto álbum, sirve como un recordatorio relajante de que no es necesario gritar para ser escuchado. Desde su sencillo debut, “Crosses” (2003), tanto él como su música se han mantenido en silencio y sin pretensiones. “Local Valley” muestra su habilidad única para comunicarse de manera modesta pero poderosa, comenzando con la soleada “El Invento”, la primera canción que grabó en español (el idioma nativo de su herencia argentina), y terminando con la íntima y rapsódica “Honey Honey”. En el camino, nos envuelve en su característico hipnotismo melódico y métrico, influenciado por composiciones de cantantes folkl clásicos y canciones con influencias de América Latina y África.

August Strindberg se cruza en el camino de Público Reservado, compañía que cultiva un idiosincrásico teatro de repertorio, con recientes visitas a los universos de Novarina, Handke, Lagarce o Pirandello. Ahora, respondiendo a un desafío del TNSJ, darse las manos a “Menina Júlia” (La señorita Julia) (1888), obra de teatro escrita en apenas dos semanas. Esta urgencia puede explicar por qué el verbo “amar” se conjuga aquí como “fiebre interrumpida por síncopas de odio”, en palabras del dramaturgo sueco. “Menina Júlia” nos habla de casas y muros que usamos para confinar a las mujeres, de cuerpos sueltos en las guerras del amor, de una lucha de clases inseparable de la batalla de los sexos. Sonata íntima tocada en un ring social, se podría decir. Renata Portas mira este tumulto y formula sus deseos: “Me gustaría que esta puesta en escena fuera como un baile de iniciación: entre “la ronda” de Schnitzler y “Kids” de Larry Clark, una oda a la sensualidad, a la belleza; y la caída libre, que enunciaron Artaud, Rimbaud, Van Gogh y todos aquellos que se atrevieron a ir al abismo de sí mismos”.

Le han llamado el “Sting Africano”, ha sido elegido como la reencarnación de Jaco Pastorius, pero el estilo único y electrizante de Richard Bona lo hace incomparable. Un músico auténtico, con una voz cautivadora y una técnica virtuosa en el bajo, un fabuloso creador de canciones y siempre fiel a sus raíces. Nacido y criado en Camerún, Richard Bona llegó a Nueva York a mediados de la década de 1990 y cautivó a la multitud con su sonido inusual y su presencia en el escenario. Mostró su verdadera personalidad con un impresionante debut en 1999: “Scenes From My Life”. En 2002 dio la vuelta al mundo como miembro del Pat Metheny Group, y más recientemente creó el grupo Mandekan Cubano, que ahonda en las raíces africanas, sudamericanas y cubanas. Con siete álbumes lanzados y múltiples premios, seduce por igual al público de jazz, pop, afro-beat y funk. Un excelente inicio del Ciclo Jazz 2022.

Bajo la dirección de su director titular, Stefan Blunier, la Orquestra Sinfónica recorre diferentes latitudes que ilustran el amor de los compositores por los lugares donde nacieron y crecieron. Smetana nos lleva desde el nacimiento del río Moldava, en las montañas de Bohemia, hasta las aguas del Elba. De Vianna da Motta surge “Sinfonia à Pátria”, una de las obras más importantes de la historia de la música portuguesa, que se inspira en Luís de Camões y contiene citas de temas populares como “As Peneiras”, de Viseu, y “O Folgadinho”, de Figueira da Foz. El programa también incluye la versión orquestal de una pieza “en parte seria, en parte divertida” de Charles Ives, un arreglo del tema tradicional “America (My Country, Tis of Thee)”.

El 12 de febrero, Praça da República acogerá otra edición de FleaMarket Porto. Vendedores y compradores se reúnen alrededor de los "mejores trastos de la ciudad". La “feria de pulgas” promete un año más de ediciones con todo tipo de artículos usados ​​(ropa, discos, libros, vajillas, juguetes, sellos, monedas…) y también otros produtos, como dulces caseros. El mercadillo al aire libre promete ser un punto de encuentro de vendedores y compradores de segunda mano.

Descubrir la historia del FC Porto es un viaje fascinante a través de los 127 años de vida del club. La memoria azul y blanca abarca tres siglos y es parte de la identidad de Porto y portuguesa, admirada y buscada en todo el mundo. Conocer e interpretar todo el legado de FC Porto es siempre una experiencia única y notable, que se vuelve aún más exclusiva a través de esta Visita Guiada, que cuenta con la firma de calidad del Servicio Educativo del Museo FC Porto. La participación es gratuita comprando una entrada para el Tour FC Porto. Realizada por un Guía del Museo, la visita tiene aforo máximo y preinscripción. Nota: evento bajo las reglas de aforo máximo, en el ámbito del cumplimiento de las recomendaciones de las autoridades sanitarias.

The Black Mamba es actualmente una de las bandas portuguesas más enérgicas, talentosas, emocionantes y apasionadas que actúan en vivo. La banda se formó en mayo de 2010, cuando Pedro Tatanka y Miguel Casais decidieron unirse para explorar el universo del blues, el soul y el funk, adaptándolo a su hábitat natural. Diez años y tres álbumes después, “The Black Mamba” (2012), “Dirty Little Brother” (2014) y “The Mamba King” (2018), The Black Mamba ya han tocado en los lugares y eventos más importantes de Portugal, y han llevado su “veneno” a España, Brasil, USA y UK. “It Ain't You”, “Wonder Why”, “Believe” y “Still I Am Alive” son solo algunos de sus éxitos más conocidos que continúan sorprendiendo al público con cada presencia en el escenario. En 2021, abrazaron un nuevo reto al representar a Portugal en el Eurovision Song Contest 2021 con la canción "LOVE IS ON MY SIDE". Finalmente, millones de personas tuvieron la oportunidad de conocer a esta increíble banda, cuya actuación en el escenario impresionó no solo al jurado del concurso, sino también al público de todo el mundo. The Black Mamba, para ver en directo en el Coliseu do Porto. ‘Montepio às vezes o amor’ es una fiesta de música y emociones que difundirá el amor por todo el país. Portugal se vuelve más amoroso. Los nombres más queridos de la música portuguesa hacen de la pasión el lema de noches románticas y cálidas. Habrá música para llenar los corazones que se enamoran. ¡Asegure su entrada ahora para una velada inolvidable!

Una de las obras orquestales más célebres del siglo XX, la suite “Los Planetas” de Gustav Holst refleja la fascinación del compositor por la astrología. Cada uno de los movimientos describe el carácter asociado a los planetas entonces conocidos. En este cine-concierto, la interpretación de la obra incluye n proyecciones de imágenes de las estrellas que nos rodean. El programa comienza con una obra de Philippe Manoury que explora la interacción de la flauta con un sistema de síntesis digital en tiempo real, buscando que la máquina se asemeje a un ser humano: escuchando, esperando un acontecimiento, reaccionando cuando ocurre. La obra data de 1987 y representó una revolución en la forma de concebir la composición utilizando medios electrónicos.

"Presente" es el segundo álbum del artista y le da el nombre a la gira que se está preparando para recurrir Portugal. Será una velada memorable y conmemorativa, en la que además de las canciones de "Presente", que incluyen éxitos como “Tal Como Sou”, “Melodia da Saudade” y “Se Eu”, habrá muchos éxitos que marcaron el comienzo de su todavía corta carrera: “Espera”, “Nada Mais” y “Voltas”, entre muchas otras sorpresas. Esta velada especial tendrá derecho a una preparación escénica, visual y artística única. En el escenario, Fernando Daniel estará acompañado por Fernando Mendonza a los teclados, Ivo Magalhães a las guitarras, Tiago Silva al bajo y Mike Pestana a las baterías.

Hay una historia personal en la génesis de este espectáculo: Pedro Penim tendrá un hijo a través del polémico proceso de gestación subrogada. “Pais & Filhos” es el “vórtice” en el que ahora se encuentra el actor y director de escena, que aquí continúa un trabajo de duplicidad entre el documento biográfico y la creación de un universo de ficción. El espectáculo conecta una célebre novela rusa y un tema revitalizado por el activismo revolucionario queer: la abolición de la familia. Pedro Penim parte de “Padres e hijos” (1862), de Ivan Turguéniev, y se deja influenciar por las teorías marxistas queer de pensadores como Sophie Lewis, Jules Joanne Gleeson y Alyson Escalante, que replantean el parentesco y el cuidado de los hijos más allá del familiar biológico, propugnando ideas como “gestación subrogada total” o “abolición del género”. Con este proyecto, Teatro Praga busca profundizar el debate sobre la filiación y la familia, ampliando “Pais & Filhos” a una dimensión que va más allá de una historia personal.

Con una discografía que abarca una veintena de álbumes originales y se remonta a 1968, los Jethro Tull de Ian Anderson son una verdadera institución del rock británico, habiendo tocado varios estilos, desde el blues-rock hasta el jazz de fusión, pasando posteriormente por el folk, el heavy e incluso la música clásica para crear su propia visión de lo que se conoció como rock progresivo o rock sinfónico, corriente de la que son uno de los exponentes. El grupo, que actualmente está conformado por el líder Ian Anderson y músicos como el bajista David Goodier, el teclista John O'Hara, el baterista Scott Hammond y el guitarrista Joe Parrish, sigue en activo e incluso tiene previsto lanzar un nuevo álbum para 2022, “The Zealot Gene”. Una docena de obras en vivo también refuerzan el hecho de que Jethro Tull siempre ha sido una fuerza escénica aclamada, un hecho que les valió elogios de muchos de sus compañeros, desde Bruce Dickinson de Iron Maiden hasta Eddie Vedder de Pearl Jam o incluso Nick Cave. Con varios éxitos de ventas y de crítica, como los clásicos Thick as a Brick, A Passion Play, War Child y Songs From The Wood, Jethro Tull forjó una identidad única que ha marcado a varias generaciones. Y ahora se preparan para volver a Portugal, 20 años después de una memorable visita al entonces Pavilhão Atlântico.

“Vórtice” es un espectáculo que deambula entre la composición musical y la instalación, transformando el concierto convencional en un formato más plástico, inmersivo y dinámico. El público es invitado a un viaje en el que podrá interactuar con tres visiones del fin del Tiempo, de tres compositores. Estas visiones se entremezclan con instalaciones de luz y sonido, pero la oposición no es estricta: por el contrario, el espectáculo desenrolla fluidamente entre los dos registros. Más que un concierto de música erudita, contemporánea, clásica y electrónica, una experiencia estética que nos reta a abandonar las cadenas temporales de los relojes, en la búsqueda del centro del vórtice, en la búsqueda meditativa del propio Tiempo.

¿Cuál es la esperanza de vida de una bolsa de plástico hecha de polietileno de crudo hasta el momento de tirarla? ¿Cuánto tiempo se utiliza realmente? Muy poco, comparado con el tiempo que durará en el planeta, arrastrado y azotado por el viento. Es entonces cuando comienza su verdadera vida, su vida autónoma. Bolsita de plástico anónima entre las innumerables bolsitas de plástico del mundo en camino a una eternidad a prueba de descomposición. Esperemos que haya un viento fuerte que la ayude a superar cualquier obstáculo, que la lleve a través de océanos y montañas, a encontrar nuevas posibilidades y probar vidas diferentes. ¿Qué pasaría si los humanos estuviéramos tan firmemente anclados al suelo, si también pudiéramos escapar de la fuerza de la gravedad y volar con el viento, libres por fin, llevados por el vals arbitrario del aire? ¿Qué pasaría si inconscientemente alimentáramos nuestra sed de descubrir territorios desconocidos, de librar batallas inciertas para hacer que cada uno de nuestros miembros fuera parte de nosotros, autónomo e incontrolable? De pie o cabeza abajo, liberado de las manos arriba, ser objeto de todo desplazamiento y movimiento. Solo un sonido y la caricia del aire. Esta pieza utiliza una turbina simple para crear un torbellino. Los personajes de las bolsitas de plástico dibujan trayectorias en el espacio respondiendo al movimiento del aire que, a su vez, es controlado por el protagonista. – Phia Ménard

Tarek Atoui, artista y compositor electroacústico, trabaja en composiciones a gran escala que son el resultado de la investigación antropológica, etnológica, musicológica y técnica. Sus exposiciones cruzan instalación, performance y enseñanza en procesos que se alejan de la noción convencional de performance —tanto desde el punto de vista del performer como del público — y que sugieren formas visuales, auditivas, táctiles y somáticas de experimentar el sonido. Esta primera exposición en Portugal forma parte del proyecto I/E, en marcha desde 2015, en el que Atoui registra los sonidos de las ciudades portuarias, Atenas, Abu Dabi, Singapur, Beirut o Porto, grabando las actividades industriales, humanas y ecológicas de sus puertos. Trabajando en colaboración con Eric La Casa, un artista y especialista en grabación de sonido, escuchan los sonidos debajo de la superficie del mar o dentro de materiales como el metal, la piedra y la madera. En Waters' Witness, se reproducen grabaciones de audio de los puertos marítimos de Atenas, Abu Dabi y Porto utilizando materiales elegidos para cada lugar: bloques de mármol de Atenas, vigas de acero de Abu Dabi y estructuras de madera que albergan compost, gusanos y materia orgánica. producidas específicamente para la presentación en Serralves. Trabajar con materia orgánica en descomposición lleva a Waters' Witness en una dirección hasta ahora inédita: una ecología acústica que recibe y perpetúa sonidos residuales a través de los límites audibles de un mundo en constante cambio. Este paisaje sonoro único se extiende desde la sala central del Museo hasta el Parque en forma de constelaciones sonoras, plataformas y sistemas sonoros, activados durante el período de permanencia de la exposición en performances programadas, talleres colaborativos y educativos.

Para que las fuerzas aliadas que luchaban contra los países del Eje pudieran combatir en suelo europeo, utilizaron como estrategia de defensa el bombardeo de saturación, que, utilizado por ambos bandos, acabó dando lugar a una tragedia humana sin precedentes en toda Europa Occidental. Ciudades enteras fueron arrasadas, sus habitantes enterrados bajo los escombros. Mi abuelo materno fue una de esas víctimas cuando Nantes fue sometida a un bombardeo de saturación por los aliados en 1943. Durante mi infancia, la imagen y las consecuencias de los bombardeos no me parecían reales; las bombas eran solo una fantasía, como para muchos niños. Fue mucho después, cuando me di cuenta de que no íbamos a poner flores en la tumba de mi abuelo, sino que íbamos a visitar una fosa común, que comprendí la terrible infamia de las bombas. Quizás fue en ese momento cuando mi mente tropezó con las palabras “Plan Marshall”, el programa elaborado para reconstruir Europa: organizar la destrucción masiva y luego gestionar la reconstrucción de las ciudades devastadas por la guerra, siguiendo el modelo de una casa remanufacturada y un plan de desarrollo urbano reescrito. Construir una aldea "Marshall" con cartón hecho a medida de la misma manera que levantamos un conjunto de tiendas de campaña para refugiados. Solo aquí, bajo una nube aparentemente inofensiva. Un gesto simple y repetitivo, como un robot. Extender, trazar, cortar, montar, colocar y volver a empezar. Todo parece perfecto, excepto esa nube, que parece cada vez más grande, espesa y oscura. Tal vez un rayo de luz, una brisa suave, luego una fuerte lluvia en algún momento, un aguacero, ¡tal vez incluso una tormenta con torrentes de agua! La aldea Marshall se derrumba a pesar de la energía gastada para intentar salvarla. Se convierte en papilla, un lío pegajoso en el que se ahogan los cuerpos… – Phia Ménard

Las “Manhãs da Comercial” prometió y cumplirá: el regreso a los Conciertos será en Porto. Los días 25 y 26 de febrero, en el Super Bock Arena – Pavilhão Rosa Mota, Vasco Palmeirim, Vera Fernandes, Nuno Markl y Pedro Ribeiro presentan las canciones de las “Manhãs da Comercial”, el programa de radio líder en Portugal. Y no estarán solos. La Lisbon Film Orchestra estará con ellos sobre el escenario, además de la banda habitual que los acompaña por las mañanas. Un gran regreso que no se lo puede perder.

El rapero nacido en Barcelona nació en 1999 y fue en 2019 cuando lanzó sus primeras canciones. Pocos meses después del lanzamiento, se convirtió en un auténtico fenómeno. Todos los sencillos que lanza el artista alcanzan millones de visualizaciones y probablemente se haya convertido en el artista ibérico más escuchado en los últimos meses. Morad prepara el lanzamiento de su primer disco y hará su presentación en Portugal en febrero de 2022.

El carnaval toma la sala Suggia por asalto, con una célebre obertura de Rossini y danzas de las más variadas procedencias, sugiriendo también muchos trajes tradicionales. No faltan ideas para los disfraces que todos, músicos y público, están invitados a llevar a este Concierto de Carnaval de la Orquestra Sinfónica. En el programa figuran algunas de las composiciones más famosas del repertorio sinfónico, con ritmos contagiosos de Rumanía, Hungría, Rusia o España. “Sueño de una noche de verano”, inspirado en la obra de Shakespeare, completa la invitación a un concierto mágico y lleno de fantasía.

¿Preparados para la noche más carnavalesca del año? Lust Porto se transformará en un auténtico sambódromo por una noche, con barra libre. ¿Qué significa barra libre toda la noche? Puedes pedir las bebidas que quieras durante toda la noche en todos los bares. Las bebidas que se sirven incluyen Moskovskaya, Grants, Gordon's, Captain Morgan, Malibu, Safari, Mysthic Black y Mysthic Fresa. Las entradas VIP pueden incluir bebidas como Absolut, Redlabel, Bombay Sapphire, Gordon's Pink, Malibu, Safari, Mysthic Black y Mysthic Fresa. Prepara tu mejor disfraz para el sambódromo más grande de la ciudad.