Explicamos la Fundación Serralves en videos en lengua de signos portuguesa, también subtitulados. Descubra la historia de la Fundación, sus espacios y proyectos.

La Casa do Design lanza un programa en línea con sugerencias de actividades para hacer en casa con los más pequeños. Design at Home es el nombre de uno de los programas en línea de Casa do Design, con sugerencias de actividades educativas para hacer con los más pequeños. Las propuestas han sido creadas a partir del archivo de exposiciones presentadas en Casa do Design en los últimos años.

Dancem! (¡Bailen!) sigue siendo la palabra clave que abre la puerta (virtual) a la danza, a pesar del cierre real de sus escenarios. Concluimos este ciclo con la transmisión en línea de Sons Misteriosos, obra de teatro para niños de Sofia Dias & Vítor Roriz, disponible on demand en la plataforma BOL, en alta resolución y con una producción multicámara. Entre el 29 de enero y el 5 de febrero, el dúo nos hace esta pregunta: ¿puede un sonido mentir sobre su origen? En Sons Misteriosos, un paisaje sonoro, falso pero que parece natural, es creado por un foley, un artista para quien los sonidos son un material moldeable. ¿Puede un sonido mentir sobre su origen? Al operar la fricción entre sonido e imagen y una no linealidad entre movimiento, voz, palabra y objetos, los autores nos invitan a una navegación constante entre la abstracción y el concreto, la realidad y la ficción, tan querida al universo infantil.

Esta feria comenzó espontáneamente en la Praça da Batalha, donde se vendían los productos hechos a mano (bisutería, carteras, entre otros). En los años 90 el Ayuntamiento de Porto reguló esta actividad, a través de la creación de la Feria de Artesanía de Batalha.

Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois (París, 1911, Nueva York, 2010) abarca siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de los años cuarenta y 2010. Visitada y revisitada en innumerables exposiciones realizadas durante las últimas décadas en varios espacios museológicos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia, la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística. Esta exposición está organizada por la Fundación de Serralves - Museo de Arte Contemporáneo y el Glenstone Museum, Potomac, Maryland, EE. UU., En colaboración con la The Easton Foundation, Nueva York, y coproducida con el Voorlinden Museum & Gardens, Wassenaar, Países Bajos. To Unravel a Torment está comisariada por Emily Wei Rales, directora y cofundadora del Glenstone Museu. En Serralves, la exposición fue organizada por Philippe Vergne, director del Museo, con Paula Fernandes, Comisaria. Esta exposición contó con el generoso apoyo de Hauser & Wirth Gallery.

R. H. Quaytman emplea técnicas de reproducción mecánica y tradiciones del arte conceptual para crear series cerradas de obras divididas en capítulos. Las partes posteriores están numeradas para marcar el paso del tiempo y el gradual completar de la vida y del proyecto artístico. La artista trata todas las exposiciones y pinturas presentadas como una empresa creativa. R. H. Quaytman aborda la pintura como si fuera poesía: al leer un poema, se repara en palabras específicas, nos damos cuenta de que cada palabra tiene una resonancia. Las pinturas de Quaytman, organizadas en capítulos estructurados como un libro, tienen gramática, sintaxis y vocabulario. Si bien el trabajo está delimitado por una estructura rígida a nivel de material, aparecen solo en paneles biselados de contrachapados en ocho tamaños predeterminados resultantes de la proporción áurea, el contenido de final abierto crea permutaciones que dan como resultado un archivo sin fin. La práctica de Quaytman involucra tres modos estilísticos distintos: serigrafías basadas en fotografías, patrones ópticos como muaré y tramas brillantes, y pequeñas obras al óleo pintadas a mano. La obra de Quaytman, presentada por primera vez en Portugal, apunta a las nuevas posibilidades de la pintura actual. ¿Qué es una pintura, un icono? ¿Cuáles son los medios de pintar en una cultura saturada de estímulos visuales, desde la fotografía hasta el bosque digital de signos? ¿Sigue siendo la pintura una forma relevante de compartir nuestra historia? La exposición está coorganizada por el Muzeum Sztuki en Lódz, Polonia, y por la Fundação de Serralves – Museu de Arte Contemporânea, Porto. Comisariada por Jaroslaw Suchan

Se trata de la primera exposición en Portugal de Korakrit Arunanondchai (Tailandia, 1986), un artista que se mueve entre los campos del vídeo, la performance, la escultura y la instalación y que se divide entre dos culturas: la del este, donde nació y creció y la del occidental, en particular la de Estados Unidos, donde desde 2009 estudió arte y donde ha vivido en los últimos años (alternando con estancias en Tailandia). La obra de Arunanondchai explora y relaciona temas como la religión y mitología oriental, el medio ambiente, la ecología, la música, la geopolítica y el desarrollo tecnológico, contrastando la espiritualidad asiática con el pragmatismo occidental. Arunanondchai reflexiona sobre la vida contemporánea y la situación de la humanidad en la era de la tecnología, especulando sobre las consecuencias del Antropoceno, una definición reciente y que marca el efecto de la actividad humana como la fuerza ambiental dominante en el planeta, capaz de alterar su composición geológica. En su práctica, el artista utiliza acontecimientos y experiencias autobiográficas. En varias obras, amigos y familiares participan y de alguna manera se involucran en el trabajo. No history in a room filled with people with funny names 5 (2019) es una instalación hecha en colaboración con el artista Alex Gvojic (Estados Unidos, 1984), amigo con el que trabaja desde hace varios años. Boychild, artista vinculada a la performance y a la danza que colabora habitualmente con Korakrit Arunanondchai, también es una figura presente en esta obra. No history in a room filled with people with funny names 5 involucra al espectador en un ambiente nocturno y misterioso en el que se combina una triple proyección de video con rayos láser emitidos por una escultura que sugiere una figura humana tendida. La tierra que recubre el suelo y la presencia de materiales naturales (conchas, ramas) se asemeja a un entorno prehistórico o posthistórico. No history in a room filled with people with funny names 5 reúne una gran diversidad de imágenes y sonidos, creando una atmósfera excesiva, envolvente y perturbadora. Los videos combinan imágenes originales, como las grabadas por un dron de la estación de radio de Ramasum Camp, símbolo de la historia reciente de Tailandia como aliado de los EE. UU. durante la Guerra de Vietnam y ahora convertida en un destino turístico, y otras preexistentes, como la transmisión televisiva del episodio mediático del rescate de 12 niños y su entrenador de fútbol que quedaron atrapados en una cueva en Tailandia en 2018. Esta obra fue inicialmente encargada por el Centre d'Art Contemporain Genève para la Biennale of Moving Image de 2018 y presentada en la Bienal de Venecia en 2019.

Concebida específicamente para la Galería Contemporánea, la primera exposición de Hugo Canoilas (Lisboa, 1977) en el Museo de Serralves confirma y amplía algunas de las inquietudes que mejor definen la práctica de este artista: la especulación sobre la relación entre el arte y la realidad (hechos políticos y sociales), preguntas sobre las características y límites de la pintura y el énfasis que se le da al trabajo colaborativo. Con formación en pintura, Canoilas ha estado examinando el lugar de este medio artístico, la forma como lo perciben los visitantes de museos y transeúntes (el artista es conocido por intervenciones en el espacio público que nunca se anuncian como obras de arte). En el caso de esta exposición en Serralves, Canoilas prescinde del lugar donde más naturalmente esperamos ver pinturas - las paredes de la galería - y decide intervenir en el suelo, rodapié y techo de la Galería Contemporánea - espacios desatendidos por casi todas las exposiciones de pintura. En el suelo hay tres piezas de vidrio de colores que representan medusas. Hechas en Marinha Grande, estas medusas -posibles símbolos del calentamiento climático, pero también de las ideas de informe y metamorfosis en el origen de varias obras de Hugo Canoilas- deben poder ser pisoteadas por los visitantes de la exposición. El protagonismo dado al suelo lo confirma el rodapié-pintura (en forma de caja de luz, con una pintura en lino en el exterior estirada como un lienzo, delimitando el espacio de la exposición), en el que el artista da visibilidad a un elemento arquitectónico tan común cuánto desapercibido. En el techo de la sala, Hugo Canoilas creará una pintura gestual que, al igual de sus pinturas abstractas más recientes, se basa en imágenes de la flora y fauna del fondo marino. Cabe señalar que la pintura también funciona como una caja de luz que crea un aura en la sala, afectando la percepción de las medusas. Las medusas son animales fascinantes que, a lo largo de sus inusuales ciclos de vida, experimentan diversas metamorfosis, reproducen células de formas inusuales. Su observación, que presencia variaciones dramáticas en la configuración, desafía todas las concepciones de estabilidad, todas las ideas sobre la relación entre las partes y el todo. Al igual que esta exposición de Hugo Canoilas, que consiste en tres elementos distintos - suelo, rodapié y techo - que se afectan mutuamente (en cooperación, simbiosis, competición, depredación y parasitismo) y que es una encarnación de una práctica artística que no cristaliza en una forma, pero que se cuestiona constantemente sobre sus límites, funciones y presupuestos.

Las más de cien fotografías presentadas en la exposición Manoel de Oliveira Fotógrafo son una de las grandes sorpresas que reservaba el archivo personal del director, íntegramente depositado en Serralves. Producidas entre finales de la década de 1930 y mediados de la de 1950, estas imágenes, guardadas durante varias décadas y en su mayoría inéditas, revelan un aspecto desconocido de Oliveira y abren nuevas perspectivas sobre la evolución de su obra. El paso de Manoel de Oliveira por la imagen estática es una etapa decisiva en su trayectoria como cineasta. En diálogo con el pictorialismo, el constructivismo y los experimentos de la Bauhaus, sus fotografías se encuentran a medio camino entre la exploración de los valores clásicos de la composición y el espíritu modernista que tuvo toda la primera fase de su producción cinematográfica. Usada, casi siempre, con fines artísticos, la fotografía es para el director un instrumento de investigación formal y experimentación, otra forma de interrogar, muchas veces en relación directa con las películas, la construcción de un lenguaje visual propio. Las imágenes que ahora se conocen, sin duda, añaden un nuevo capítulo a la historia de la fotografía portuguesa en la década de 1940. Pero también son un instrumento precioso para entender la manera como Manoel de Oliveira empieza a asegurar, durante un período de diez años, la dirección de fotografía de sus propias películas, así como para contextualizar, en una perspectiva más amplia, el rigor de composición que, en general, caracterizan a todas sus películas. Mirando estas imágenes, no es muy interesante saber dónde comienza el fotógrafo y dónde termina el cineasta, ni definir con precisión hasta qué punto el primero puede haber sustituido, en ocasiones, al segundo. Lo que es importante es cuestionar cómo esta coexistencia entre dos formas de ver y pensar se materializa en la obra de Manoel de Oliveira. Comisariada por António Preto, director de la Casa do Cinema Manoel de Oliveira. Todas las fotografías expuestas pertenecen al Acervo de Manoel de Oliveira, Casa do Cinema Manoel de Oliveira - Fundação de Serralves, Porto.

Esta será la primera exposición en Portugal de la célebre artista india Nalini Malani (Karachi, India indivisa, 1946). Ampliamente conocida por sus pinturas y dibujos, la muestra de Serralves muestra una faceta igualmente relevante de su trabajo, pero con la que el público quizás esté menos familiarizado, presentando exclusivamente sus animaciones desarrolladas entre finales de los años sesenta y la actualidad. Fue a fines de la década de 1960, en una escena artística india dominada por hombres, que Nalini Malani emergió como una voz provocativa y feminista, igualmente pionera en el trabajo con medios artísticos como el cine experimental, el video y la instalación. Además de dar voz a las mujeres, la artista siempre se ha destacado como una artista preocupada por los temas sociales, dando protagonismo a las personas marginadas a través de historias visuales (animaciones, en particular) que exploran temas como el feminismo, la violencia, las tensiones raciales y los legados poscolonialistas. Las animaciones reunidas en la exposición de Serralves, realizadas entre 1969 y 2020, se agruparon bajo el signo de Utopía (este es en realidad el título de la obra más antigua presentada), en relación, por un lado, con el sentimiento utópico seguido a la independencia de la India y, por otro lado, con desilusión con lo que se convertiría el país, regido por reglas dictadas por la ortodoxia religiosa. En cualquier caso, los trabajos de Malani trascienden los traumas nacionales para abordar las injusticias sociales globales. Este es el caso de la gran instalación inmersiva que cierra la exposición, que consta de nueve videoproyecciones de animaciones y frases. “No me oyes” aunque partió de una historia violenta pasada en la India, la muerte violenta de un niño, es una oda a todos los que no tienen voz. Realizada entre 2017 y 2020, la instalación consta de animaciones en las que se superponen imágenes hechas por la artista y fragmentos de citas de escritores influyentes como Hannah Arendt, James Baldwin, Bertolt Brecht, Veena Das, Faiz Ahmad Faiz, Milan Kundera, George Orwell y Wislawa. Szymborska. Según la artista, “No me oyes” corresponde al tipo de animación al que se ha dedicado más recientemente, al que llama cuadernos [notebooks] y que se hacen digitalmente en un iPad. Ya ha dicho Malani: “Cuando veo o leo algo que captura mi imaginación, tengo la necesidad de reaccionar a través de un dibujo o dibujos en movimiento. No exactamente en su forma mimética, sino más como una "Memoria Emoción". Me siento como una mujer con pensamientos y fantasías que salen disparados de la cabeza. Cada uno de ellos puede contener ideas diferentes y no parecer ser de la misma persona. Cada una de estas voces en mi cabeza, por lo tanto, necesita una caligrafía diferente".

Roni Horn (Nueva York, 1955) es una artista estadounidense que vive entre Nueva York y Reykjavik, Islandia. Desde muy pequeña desarrolló un profundo gusto por la literatura y la filosofía, que antecedió su interés por las artes visuales y la llevó a considerar su biblioteca como un motor estructurador para ella y su obra. La práctica del dibujo es central y fundamental en la obra de Horn, que también ha venido utilizando otros medios, como la escultura, la fotografía y los libros de artista. Los viajes y la inmersión en el paisaje, especialmente el de Islandia, son fundamentales en su obra, que explora temas como el tiempo meteorológico y la ecología, junto con la memoria, la identidad y el cambio. La representación del mundo exterior se utiliza como artificio o metáfora para llegar a un espacio interior y mental. Estas ocho fotografías del río Támesis forman parte del conjunto de 80 fotos que Serralves presentó en su exposición individual en 2001 y que fueron adquiridas en ese momento para la Colección. En Some Thames [Algunos Támesis] (2000-2001), Horn captura momentos del flujo del río Támesis, obteniendo un conjunto de imágenes aparentemente abstractas y muy similares entre sí. Pero en realidad son imágenes realistas y hay infinitas diferencias entre ellas, aunque imperceptibles a una mirada menos atenta. Por un lado, este enfoque incluye una referencia a la experiencia y percepción que cada uno de nosotros tiene del paso del tiempo. Por otro lado, el agua, a menudo representado o evocado en la obra de la artista, es una alusión a la vida, al cuerpo, a la sexualidad, pero también a la muerte. Como nos dice la literatura, es decir, Charles Dickens y Joseph Conrad, en las oscuras aguas del Támesis, los cuerpos de muchos de los que sufrieron muertes violentas fueron arrojados, al igual que muchos de los que se suicidaron en ellas.

Dara Birnbaum (Nueva York, 1946) es una artista estadounidense que se ha destacado desde la década de 1970 con sus trabajos en video. En ese momento, la televisión tenía una gran influencia en la vida de las personas, era la principal y más influyente fuente de información en la sociedad, ahora ampliada por Internet. Birnbaum analiza críticamente el universo televisivo, utilizando frecuentemente las imágenes difundidas por la televisión, interrumpiéndolas, repitiéndolas y editándolas. A partir de la década de los noventa comienza a realizar videoinstalaciones de gran formato, compuestas por varias pantallas de televisión. Encargado especialmente para la Documenta IX de Kassel, Transmission Tower: Sentinel [Torre de transmisión: Centinela] (1992) analiza la influencia de la televisión en la política estadounidense, en este caso en relación con la Primera Guerra del Golfo, que comenzó en 1991. Ocho monitores video, fijados en secciones de una torre de transmisión, forman una línea que describe la trayectoria de una bomba lanzada desde un avión de carga. En cada monitor se transmiten imágenes de George Bush que han sido pronunciadas en el Congreso Nacional Republicano en 1988. Al mismo tiempo, imágenes del poeta Allen Ginsberg leyendo su poema antimilitarista Hum Bom!, escrito durante la Guerra de Vietnam y reescrito para la Guerra del Golfo, en una Convención Nacional de Estudiantes de 1988, recorren el tótem de monitores.

El Mercado da Ribeira consiste en 10 tiendas, y fue creado después de la renovación del antiguo mercado. Productos alimenticios en su vertiente tradicional, productos turísticos y restaurantes. Ubicación: Cais da Ribeira (cerca del pilar norte del Puente Luiz I).

Compartir cultura, la promoción y divulgación de la ciencia y la relación con la naturaleza, en todos sus ámbitos, representan un mecanismo único con impacto real en nuestras vidas y en la forma cómo nos vemos en el mundo. Serralves vive para crear múltiples relaciones con las formas de arte, con la naturaleza y con las personas, ya sean ellas, con músicos, artistas, bailarines, arquitectos, cineastas, paisajistas, investigadores, estudiantes, pensadores, profesores, socios, fundadores, mecenas, personas. Con todo su público. El contexto actual requiere que nuestra responsabilidad se exprese en un nuevo formato y que estemos presentes. Por eso, es un gran placer que la Fundación Serralves, al (re)inventarse, ofrezca un ciclo de charlas en línea, tituladas #ConversasComSerralves, cuyo propósito es acercarnos aún más, invitando al público a participar en momentos de intercambio de experiencias artísticas, ambientales, científicas y creativas. Un programa exclusivo y transversal a todas las áreas de actuación de Serralves: artes plásticas, arquitectura, cine, artes performáticas, medio ambiente, ciencia, paisaje, arquitectura y la reflexión más amplia sobre diferentes temas importantes para la sociedad y su futuro. Estas sesiones se realizan en línea, siempre a las 18:00 horas, con participación gratuita e inscripción obligatoria.

En el Museu Militar do Porto se inaugura la exposición "Revolução de 24 de Agosto de 1820: Prelúdio do Liberalismo em Portugal", comisariada por Fernando Gonçalves. Abierta al público durante diez meses (hasta el 1 de agosto de 2021), la muestra recuerda la valentiía de un grupo de ciudadanos notables de Porto, que dio el primer paso hacia el fin de la influencia inglesa y la monarquía liberal resultante hace 200 años. El Norte exigía el regreso del Rey, una Constitución, justicia y prosperidad. Se han lanzado las semillas del progreso y la modernidad en Portugal y hay documentos y piezas históricas que lo demuestran.

Este Alfredo Cunha que estamos hablando es el hombre con su cámara y su mirada. Cualquier buen fotoperiodista intuye, antes de saberlo con claridad, que una imagen, que debe contener todo contenido y seducción, es, siempre ha sido un momento decisivo. Antes de ser definido por Cartier-Bresson, ya existía en la mente de quienes fotografían el evento, el rostro y el movimiento. En los 50 años de carrera de Alfredo Cunha, muchas cosas han cambiado: el país que fotografía; el equipo que utiliza, lejos del primer Petri FT, de la Leica M3, que empezó a utilizar en 1973, y de las Leicas que le siguieron y a la que siempre se ha mantenido fiel; el soporte - desde lo analógico, mayoritariamente en blanco y negro, hasta lo digital, que utiliza desde 2003. La imagen del fotoperiodismo responde a la exigencia de concordancia con el texto, también está ligada al dónde, cuándo, cómo y por qué. Sin embargo, cuando el fotógrafo ya ha definido su estilo, y este es el caso de Alfredo Cunha, la seducción de la imagen anula la seducción de la noticia. En todos ellas se hace difícil asociar la imagen con un estilo porque Alfredo Cunha va más allá de la tendencia del momento y el tema. Y es en este sentido que podemos decir, con Barthes, que sus fotografías resultan sin código, dependen de la transmisión del suyo para nuestro cariño. Teresa Siza (texto adaptado)

Esta exposición señala el Centenario del Nacimiento de mi Padre, el Dr. Leonel Augusto de Almeida Abrantes (1920-2020), con una conexión especial a la Serra da Estrela, sobre la cual ha investigado y escribido. En esta exposición colectiva, “O sortilégio da Serra da Estrela”, que tiene lugar en la Galeria Porto Oriental, del 4 de diciembre de 2020 al 27 de marzo de 2021, muestra Dibujo, Pintura y Escultura. En la exposición “O sortilégio da Serra da Estrela” se pueden admirar 26 obras de 26 artistas, con diferentes caminos, edades, sensibilidades y lenguajes. La Serra que nos fascina, real o simbólicamente, nos permite aquí otro encanto y emoción, en la contemplación no de “la montaña a lo lejos en toda su magnitud”, de Vergílio Ferreira, sino de las obras de arte expuestas en la Galeria Porto Oriental que se refieren a ella, sea cual sea la mirada de cada artista y el lenguaje, técnica y expresión visual elegidos.

Queremos mantener vivo nuestro deseo común de teatro al continuar compartiendo nuestro trabajo con ustedes. Regresamos virtualmente al Teatro São João para una visita guiada por quienes conocen y aman este Monumento Nacional, eso es lo que propone Visita, del director de cine Luís Porto.

Feria espontánea y popular, donde se pueden adquirir pájaros, alimentos y jaulas. Incluso si no tiene la intención de comprar, disfrute con el canto de las aves, sus colores y el movimiento de la feria. Al pasar por la feria, es imposible no disfrutar de las estupendas vistas sobre el Río Duero y los puentes.

Un lugar de encuentro para varios coleccionistas, esta feria tiene como objetivo la venta e intercambio de monedas, postales, sellos y otros objetos coleccionables afines. Tiene lugar bajo las arcadas de los edificios que rodean la plaza.

Es como si perteneciera a nuestro ADN ... De Camilo, claro, de quién estamos hablando ... Cada dos por tres, ven a nosotros y nosotros vamos a Él ... A propósito de su obra “Cenas da Foz”, le pedimos que nos contara algo al respecto, pero al mismo tiempo pensamos que podíamos aprovechar para recordar otras obras que también guardan “Cenas da Foz”. Para acompañarnos en la visita guiada por las escenas camilianas de Foz, tenemos a uno de nuestros más grandes camilianistas, Damião Vellozo Ferreira -seguramente, nuestro mayor coleccionista camiliano- viviendo aquí mismo cerca de nuestra puerta, y que, por cierto, ha estado presente en anteriores sesiones de la “Foz Literária” dedicadas a nuestro gran escritor. - José Valle de Figueiredo

Un verso de Fernando Lemos inspira esta sesión que, por primera vez, reúne en el escenario del Teatro Campo Alegre a dos brillantes poetas de Porto: Filipa Leal y João Habitualmente. El mundo entero encaja en la poesía de nuestros invitados. Los une en un humor sutil y refinado y, no menos importante, una visión relampagueante y contundente de este cielo que nos protege cada vez menos. Recorreremos los momentos más intensos de su obra, a través de las inconfundibles voces de Sandra Salomé, Isaque Ferreira y Filipa Leal. La conversación entre los dos poetas invitados será instigada por João Gesta. Maria Corvacho debuta en este ciclo con imágenes inspiradas en pequeños momentos del día a día, en la naturaleza y en sus angustias. Un trabajo que mezcla todo esto con cierta ironía. En el momento habitual de nuevo circo, atados por un hilo, cabe destacar la presencia del dúo Daniel Seabra y Margarida Monteny. La música no podía faltar en este encuentro poético. Entre lecturas, el encantador e intenso sonido de “Lavoisier” (Patrícia Relvas / voz y Roberto Afonso / guitarra y voz). Lavoisier toma la tradición musical portuguesa y la recrea. Con pasión, fiebre y buen gusto. Para cerrar la sesión, un menú imperdible: “Cachupa Psicadélica”. "Música para hacer fotosíntesis. Música de las entrañas de Cabo Verde, nación cultural".

¿Es la estrella polar que se ve? ... ¿Por qué está debajo de la Osa Mayor? ... “You Can’t Always Get What You Want”, nos dicen los Rolling Stones y Nuno Cardoso, que eligió esta canción como una especie de síntesis de su puesta en escena de Bella Figura de Yasmina Reza. En una noche de primavera, cinco personajes se cruzan en el aparcamiento de un restaurante. La promesa de una cena romántica y una fiesta de cumpleaños se convierte en una "noche de nervios", atizada por la hipocresía y las mentiras. El arte de la conversación de la dramaturga francesa, donde lo cómico y lo feroz, lo ridículo y lo grotesco viven uno al lado del otro, conduce a un desnudamiento gradual de estos personajes sin norte, que Nuno Cardoso decide asumir en escena, enfatizando la soledad y la fragilidad de los cuerpos. Bella Figura fue su última puesta en escena con Ao Cabo Teatro, antes de asumir la dirección artística del Teatro Nacional São João. A fines de 2019, en una producción de la casa, TNSJ llevó esta obra a Almada, Madrid y Mindelo (Festival Mindelact) y a la Praia, en Cabo Verde. Ahora la llevamos a nuestra sala virtual, en una grabación de video disponible bajo demanda, hasta el 21 de febrero, realizada por Fábio Coelho.

Reimaginando el futuro del planeta en el siglo XXI La noción del Antropoceno salió de las ciencias geofísicas a las humanidades, las ciencias sociales, las artes y los medios de comunicación, lo que provocó un vasto debate global sobre el futuro de la vida en el planeta. En la “era de los humanos”, los humanos se han convertido en una de las fuerzas geofísicas más potentes del planeta y nuestras actividades nos están llevando a una creciente incertidumbre ambiental. Si el mundo alguna vez ha tenido la ilusión de estabilidad, ahora enfrenta la posibilidad de un futuro con problemas sin fin. Pero el Antropoceno no es solo una época de colapso y destrucción ambiental; también es una época para superar desastres y catástrofes y crear nuevas visiones de esperanza y justicia. Los nuevos retos del cambio climático, la extinción de especies y el aumento del nivel del mar obligan a reimaginar el lugar de la humanidad en el mundo y a repensar urgentemente las fuerzas dominantes que amenazan el equilibrio ecológico del planeta. El uso del término Antropoceno para denominar esta nueva era de crecientes incertidumbres antropogénicas abrió un campo completamente nuevo de conversaciones multidisciplinarias e interdisciplinarias sobre la relación de los seres humanos con el medio ambiente en el siglo XXI, pero también generó una comprensión monolítica del Antropoceno como una experiencia humana unificada. Este marco del Antropoceno en torno a un paradigma de especie universalizante crea un efecto homogeneizador. Y, sin embargo, no todos los humanos están igualmente involucrados en las fuerzas que conducen a las crisis ambientales contemporáneas, y no todos los humanos están igualmente invitados a los espacios conceptuales donde se teorizan estos desastres o donde se formulan las respuestas a estos desastres. Pluralizando el Antropoceno presentará un conjunto de reflexiones antropológicas por importantes figuras de las humanidades y las ciencias contemporáneas comprometidas con una visión más plural de los debates en torno al Antropoceno y los grandes temas de resiliencia, adaptación y lucha por la justicia ambiental. El enlace de acceso se enviará una vez finalizado el período de inscripciones.

Le invitamos a ver la serie SERRALVES IN TALKS: LOUISE BOURGEOIS, donde Philippe Vergne, Director del Museo Serralves, presenta las obras de la artista en la exposición DESLAÇAR UM TORMENTO, actualmente expuesta en el Museo y Parque de Serralves. Esta gran exposición dedicada a la obra de Louise Bourgeois cubre un lapso de siete décadas, mostrando obras realizadas por la artista entre finales de la década de 1940 y 2010. Visitada y revisitada en numerosas exposiciones realizadas durante las últimas décadas en diferentes espacios museísticos de todo el mundo, la vasta y única obra de Louise Bourgeois trata temas asociados indeleblemente con experiencias y eventos traumáticos de su infancia: la familia, la sexualidad, el cuerpo, la muerte y el inconsciente, que la artista trató y exorcizó a través de su práctica artística.

Contemporáneo de Bach y Scarlatti, Domenico Zipoli fue uno de los compositores más respetados de Roma antes de partir hacia Sudamérica en pleno período colonial. Allí se convirtió en un misionero jesuita al servicio de España junto de las poblaciones indígenas de Córdoba, ahora la segunda ciudad de Argentina, escribiendo música para los diversos pueblos de su área de influencia. Música que fue descubierta en gran parte en el siglo XX. La Orquestra Barroca y el Coro Casa da Música se despiden de 2019 con las Vísperas que Zipoli dedicó al patrón de los jesuitas, San Ignacio de Loyola.

Los Conferência Inferno son el resultado de controvertidos experimentos llevados a cabo clandestinamente por Raúl Mendiratta y Francisco Lima, entre paredes de dudoso carácter en Aveiro, Porto y Vila Real. Aunque dudoso, un pop náutico y militarizado emergió de estos experimentos y tomó una inyección de adrenalina descontrolada y un kraut extremadamente tenso. Se describen cómo coloridas tabletas de surrealismo que se disolvieron en el agua de la dark wave más oscura y el punk se metió en una camisa de fuerza con cierre electrónico. Nos traen los resultados en un polvo de retratos nocturnos de una ciudad sin experiencia en el arte de ser urgente. Un baile con contradicciones en una cata de vinos en copas de plástico reutilizables. Un mesianismo intermitente, susurrado desde lo alto de un edificio en venta. Todo esto está retratado en el nuevo álbum Ata Saturna.

Las Marionetas do Porto tiene un taller de manipulación en línea diseñado para padres e hijos, pequeños y adultos. Para participar deberá pedir un KIT de manipulación, que contiene una marioneta aún por montar. Esta se utilizará en el taller, donde juntos experimentaremos técnicas de manipulación base y pequeñas construcciones escénicas, y también habrá un momento de intercambio, en el que cada uno podrá mostrar lo que ha desarrollado. Este taller fue adaptado para el formato en línea y se llevará a cabo en la plataforma zoom. Requiere registro previo. Atención: - Además del material enviado en el kit, necesitará unas tijeras, un mechero y un super pegamento - Los niños deben ser supervisados por un adulto - Aforo: 10 inscripciones

Cuando, en 1945, Joseph Kosma compuso música para el balé Le rendez-vous y se inspiró en el Poème d'Octobre de Jules Massenet, estaba lejos de saber que su melodía se convertiría en uno de los estándares de jazz más tocados de la historia. Este es el punto de partida de un concierto que nos llevará al jazz y al constante cambio que, de la mano de sus intérpretes, viene sufriendo la música popular.

Autor anglófono más representado en el mundo, Alan Ayckbourn es un practicante de la “diversión teatral” y un experimentalista refinado, arriesgando las combinaciones más inusuales en sus piezas. El matrimonio burgués, el adulterio, los conflictos de clases y las pequeñas obsesiones son algunos de los temas de esta Comédia de bastidores (Qué absurda es la gente absurda) (1972), un gran ejemplo de ese tono ambiguo que alguien ha llamado “dolorosamente divertida”. Dividida en tres actos, cada uno con el telón de fondo de tres cenas navideñas sucesivas (y nada festivas), Comédia de bastidores es un retrato despiadado, pero no sin ternura, de un cierto arribismo social, que algunos interpretan como una premonición de la sociedad que triunfaría durante el gobierno de Margaret Thatcher. La puesta en escena hace vibrar la rigurosa partitura de Ayckbourn en la tensa cuerda entre la casi frivolidad y la oscuridad, desde allí resuena una inmensa soledad. Comédia de bastidores marcó el bienvenido regreso de Nuno Carinhas al escenario del Teatro Nacional São João. Con motivo de su estreno en 2020, el director Luís Porto grabó el espectáculo, ahora disponible en nuestra sala virtual. Comédia de bastidores ahora está disponible en streaming. Al comprar la entrada, debe elegir el día y la hora específicos en que desea asistir al espectáculo. La entrada permite una única visualización por IP / dispositivo y solo para la sesión elegida.

F ... nace del deseo de cuestionar el lugar de la mujer en la creación artística contemporánea y en la Historia del Arte. Tomando como inspiración Womanhouse (1972), de Judy Chicago y Miriam Schapiro, propongo crear una especie womanplay y, para eso, he lanzado un reto a Patrícia da Silva, Paula Sá Nogueira y Sónia Baptista para construir nosotras, un espacio donde podamos respirar y ponernos en escena sin restricciones lo que somos. Y hacerlo por una sencilla razón: porque existimos. Es urgente reflexionar sobre el espacio que, nosotras, las mujeres, ocupamos ya que hay un número relevante de mujeres creadoras, pero que no siempre tienen la visibilidad adecuada. Sé que hacer este espectáculo no será una corrección de esta disparidad, pero el gesto de hacerlo, independientemente de lo que se diga en él, es predominante y activamente político. - Cátia Pinheiro (Estrutura)

Fake gira en torno a una escritora de novelas policiacas, Norma B., autora de Cómo asesinar a tu marido. Este título la lanzó al centro de atención, no tanto por sus eventuales méritos literarios, sino porque Norma sería acusada más tarde de la misteriosa muerte ... de su propio marido. Es juzgada implacablemente en la plaza pública. Para la prensa mundial, su trabajo es una prueba irrefutable de su culpabilidad. Sus movimientos silenciosos son escudriñados en todas las redes sociales. Un primer plano repentino sobre la manera como lleva una bolsa de basura parece decirlo todo, según sus vecinos. La verdad parece obvia, ¿no? Creado por el dúo Inês Barahona y Miguel Fragata (Formiga Atómica), en colaboración con el director Tiago Guedes, el espectáculo explora las tensiones entre información y desinformación, entre creencias individuales y colectivas y nuestra propensión a creer en los prejuicios que cargamos. En Fake, el teatro dialoga con el cine, en un intento por deslindar la verdad de la mentira. La cámara asume el papel de un polígrafo implacable, tratando de distinguir a un buen actor de un mal mentiroso, en un primer plano final.

Jonathan Ayerst fue organista principal de la Iglesia de St. Benet Fink en Londres y estudió técnicas de improvisación histórica en Stuttgart. Los momentos improvisados están siempre presentes en sus recitales y éste no será la excepción, partiendo de una serie de variaciones de Liszt. Inicia el programa con una de las piezas más incalculables para el instrumento, la Tocata y Fuga en re menor de Bach, y finaliza con una obra arrebatadora de Widor, nombre fundamental de la escuela romántica francesa.

Nadie teme al mar a bordo del barco de los Pequeños Piratas: del pecho sale el coraje y los ojos miran hacia el horizonte. En esta epopeya no faltan agua salada y sol, peces y sirenas, tormentas, tesoros. Es la gran aventura de ir al fin del mundo y volver. Un concierto escenificado, pensado para desafiar las habilidades y la inteligencia de los más pequeños con una fusión de influencias coronadas por el rock. No es obvio, sabe bien y es bueno para todos.